Michael Chrichton (1942-2008)

Ha muerto Michael Chrichton, un rey Midas dotado de la fortuna o buen ojo para adelantarse siempre a las modas y cambiantes gustos del público y ofrecerle aquello que demandaba. Su carrera como escritor, cineasta y productor televisivo está plagada de éxitos y sus obras son conocidas por cualquiera.

El espaldarazo definitivo y que hizo su nombre popular para la inmensa mayoría le vino con la adaptación de “Parque Jurásico” al cine por otro rey Midas, Steven Spielberg, pero Chrichton ya llevaba años escribiendo exitosas novelas de ciencia ficción y desarrollando un estilo propio, el tecno-thriller, hoy en día imitado y seguido por muchos, mediante el que popularizaba teorías científicas en tramas cargadas de suspense. Títulos como “Parque Jurásico”, “La amenaza de Andrómeda” , “El hombre terminal” o “Esfera”, se deben a su pluma, pero yo, personalmente, me quedo más que con sus novelas que nunca me acabaron de atraer demasiado con sus sugerentes y más que correctas creaciones audiovisuales, la maravillosa “Almas de metal” en la que un magnífico Yul Brynner se convirtió, encarnando a un pistolero robótico, en una de mis peores pesadillas de infancia y se adelantó en más de una década a "Terminator" Schwarzenagger, y “Urgencias”, sin duda la mejor serie de médicos –no en vano Chrichton había estudiado medicina- jamás realizada para la televisión.

El cancer nos ha privado de un tipo que mal que les pese algunos supo divulgar y popularizar su visión de la ciencia ficción haciéndose de oro al tiempo. Lástima que no nos haya dejado –o quizás sí- en alguna de sus obras las claves de su éxito.

“Almas de metal” (Westworld), 1973 de Michael Chrichton

D.E.P.

And the winner is...

Sí, el señor Obama que por cortesía de Alex Ross aparece ahí arriba elevado al panteón superheroico cuan superman renacido (estas cosas ya las hacían los austrias y borbones hace unos siglos con sus pintores de cámara), para hacer frente a la cantidad de problemas que se le presentan. Más allá del histórico simbolismo que encierra el que la Casa Blanca se vuelva negra con el primer afroamericano que la ocupa, sólo equiparable -y explotado en la larga, pesada y costosa campaña- al que se produjo hace cuarenta años cuando la ocupo el católico Kennedy (sí, más o menos cuando en el país de las libertades los negros tenían que sentarse en la parte de atrás del autobús e ir a escuelas diferentes), Obama va a estar dispuesto tomar decisiones importantes para animar la quebrada moral de sus conciudadanos y estará por ver si los que le han sufragado la campaña estarán dispuestos a dejarle.

Para el resto del mundo en geneal y los españolitos en particular, no creo que haya muchas diferencias respecto a las políticas que hubiera aplicado McCain salvo "un mejor talante", algo que ya saben que por estos lares estamos sobrados y quizás unas relaciones algo más fluidas que con Mr. Bush que ya saben ustedes que desde que Aznar perdió las elecciones y se retiraron las tropas nos tenía ojeriza.

Good luck, mr president, probably you 'll need!

Elecciones USA

Gane quien gane, la gran verdad se encierra en la coletilla del segundo titular.

“Brad Barron: No humanos” de Tito Faraci y otros

Vaya por delante que he disfrutado como un enano leyendo la primera entrega de “Brad Barron”, la primera serie limitada que la Editorial Bonelli empezó a publicar en 2004 y que Aleta Ediciones ha decidido publicar en seis volúmenes de periodicidad bimestral en España. ¿Qué tiene de especial esta serie? En realidad, nada, salvo que se trata de un cómic de género bien hecho y no tiene más pretensión que contar una buena historia para que el lector pase un rato entretenido, lo cuál para los tiempos que corren no es poca cosa.

En los Estados Unidos de la década de los cincuenta, Brad Barron es uno de los pocos supervivientes a la invasión extraterrestre de los malvados morbs, una raza alienígena de forma insectoide que sin grades dificultades se han hecho con nuestro querido planeta y se dedican a transformarlo en un entorno más cercano a su mundo natural poblándolo de horribles monstruos, sin saber muy bien que hacer todavía con la antigua raza dominante. Barron, veterano de la Segunda Guerra Mundial que antes de la invasión se dedicaba a dar clases en la universidad, se convierte en conejillo de indias de los extraterrestres quienes se dedican a experimentar con él hasta que nuestro protagonista, gracias a su fuerza de voluntad y rebeldía, escapa para intentar reunirse con su mujer e hijita, convirtiéndose en fugitivo de los malvados morbs al tiempo que busca a su familia mientras va descubriendo cómo la invasión ha despertado los más bajos instintos entre los escasos y desorganizados supervivientes.

“Brad Barron” es un cómic de ciencia ficción subgénero invasiones alienígenas clásico en el que su autor, Tito Falaci, veterano guionista de series Bonelli como "Dylan Dog" o series Disney, ha respetado fielmente la esencia de las películas que iniciaron el género allá por la década de los cincuenta como “Ultimatum a la Tierra” o “Destino a la Tierra” ambientando la historia en ese contexto histórico para ir un paso más allá, y contarnos con mucho oficio la historia que podría haber pasado si esas invasiones cinematográficas hubieran tenido éxito. La historia que pergeña Falaci no tiene nada de original y bebe de muchísimas influencias siendo, quizás la más evidente a nivel estético, la de las películas mencionadas pero sin duda la obra de la que más elementos toma Falaci es la magnífica “El Eternauta” de Oesterheld y Breccia, de la que Falaci toma entre otros elementos la preocupación por la familia como principal motor para caracterizar el personaje de Barron, quién, por otro lado, encaja perfectamente en la radiografía canónica de héroe pulp de mandíbula cuadrada. Los extraterrestres y los diversos monstruos que pueblan la historia recuerdan a aquéllos ingeniados por el maestro Kirby en sus historia de monstruos, una influencia a tener en cuenta en la terna de dibujantes, Bruno Brindisi, Anna Lazzarini y Giancarlo Caracuzzo, quienes al tiempo se inspiran en el estilo de míticos dibujantes de la EC como Joe Orlando o la excelente planificación y narrativa de los clásicos Marvel, algo que, por desgracia, los autores actuales de esta editorial han perdido y que los cómics Bonelli han heredado.

Espero impaciente próximas entregas de una serie que deja con ganas de más y se mantenga el nivel de las aventuras del indómito Barron en su lucha con los morbs, historias con agradable sabor a clásico. Si prueban no creo que les defraude siendo además la edición de Aleta correcta y competitiva.

Premio merecido.

Por La Cárcel de Papel me entero que "Arrugas" ha ganado el premio a la mejor historia larga en el Festival de Lucca, uno de los más prestigiosos del panorama europeo. Un premio merecidísimo a un álbum conmovedor del que ya les hable por aquí.

Felicidades a Paco Roca.

“El reino prohibido” de Rob Minkoff.

El miércoles fue uno de esos días que después de bastante tiempo encontré un hueco para ir solo al cine. Como los títulos que realmente me apetece ver los tenía comprometidos (“Transsiberian”, “Camino”, ya les contaré) para el fin de semana y realmente me apetecía algo que no exigiera demasiado de mis cansadas neuronas decidí apostar sobre seguro y me decanté por “El reino prohibido”, una de fantasía oriental de la que no tenía referencias salvo que su principal reclamo es el encuentro de las dos grandes –y veteranas- estrellas del cine de artes y mamporros marciales Jet Li y Jackie Chan. Como mínimo, esperaba una película con buenas coreografía de lucha y como máximo una sorprendente e inspiradora fantasía a la altura de “Tigre y Dragón”. Al salir del cine, la sensación es que había pasado el rato con una película que pretendiendo lo segundo se ha quedado en lo primero. Pero vamos por partes.

La historia se inicia con un jovencito aficionado a las películas de artes marciales que frecuenta el bazar de un viejo chino en el que descubre un legendario bastón de Bó . Obligado por los malotes del barrio, el apocado protagonista les ayudará en el robo de la tienda del chino, pero la cosa se complica cuando del viejito resulta herido. Huyendo de sus cómplices con el preciado bastón el joven se cae de un edificio trasladándose por arte del birli birloque oriental a una China medieval y mágica en la que descubrirá que es el señalado por una vieja profecía para devolver al mítico y semidivino Rey Mono el bastón con el que derrotará al malvado e inmortal Señor de la Guerra de Jade. De este modo, nuestro héroe iniciará un incierto viaje hacia el Palacio del Señor de Jade acompañado de un monje silencioso, un inmortal borracho y la bella y vengativa Gorrión para enfrentarse a su destino sorteando peligros y aventuras al tiempo que aprende de sus compañeros los secretos de las artes marciales.

Basándose libremente en “La leyenda del Rey Mono”, el manuscrito anónimo que en la literatura china equivale al Quijote, también conocido como "Camino al Oeste" y que también inspiró la popular “Bola de Dragón”, y “La Historia Interminable” de Michael Ende (como no creo que el guionista del invento haya leído ninguno de los dos libros háganse a la idea que se inspiró en los dibujos y la película), Rob Minkoff intenta dar coherencia al batiburrillo que les he contado en una producción a la que la falta metraje, calidad y presupuesto para compararse con las obras referentes del género oriental pero que asumiendo sus limitaciones y, gracias a la profesionalidad de Li y Chan se deja ver.

Careciendo de la fuerza visual de Zhang Yimou o del exquisito lirismo de Ang Lee, lo más sonrojante de la historia sea el atrezzo y los efectos especiales a la altura de un episodio de “Xena” y dan idea de que no nos encontramos ante una gran producción en la que la caracterización de los personales o bien es ridícula como la de el Rey Mono o directamente clónica de otras películas de fantasía oriental o de la mismísima “Bola de Dragón” pasándose la mayor parte de la película el nefasto Michael Angarano disfrazado de Goku. Rob Minkoff (“Stuart Little”, “La mansión encantada”) mantiene la gracia del invento a través de las entretenidas coreografías de luchas y un humor burdo y desenfadado que en su simplicidad resulta por momentos divertidos y por momentos irritante en un producto familiar destinado a todos los públicos. Nada hay original en el tratamiento de una historia arquetípica de buenos buenísimos y malos malísimos en la que ninguno de los actores destaca especialmente malgastándose el encuentro entre Li y Chan en una historia a la que falta aliento épico y nunca llegará a referente del género.

En definitiva, una película perfectamente prescindible y olvidable pero con la que pueden pasar el rato una tarde en la que no tengan nada mejor que hacer. Si les gusta el género no encontrarán nada que les incomode pero si no les gusta ni lo intenten.

Ahí les dejo el trailer de la película y el cartel más chulo que el español realizado para Estados Unidos, donde parece que la película está siendo un éxito.

Trailer "Underworld 3": Más madera.

Pues nada, amigos y amigas, ya ven como pasa el tiempo y las franquicias cinematográficas antes o después llegan a su tercera -y parece que no definitiva- parte. Esta de "Underworld" u hombres-lobo contra vampiros no es de las peores y a mí las anteriores entregas -sobre todo la primera- me resultaron entretenidas. De esta nueva entrega, destacar que se trata de una precuela en la que se narran los acontecimientos que desencadenaron las rencillas entre lobos y vampiros, que más o menos conocemos por sus predecesoras. Veremos, además, si el cambio de director (a Len Wiseman le sustituye Patrick Tatopoulos) y de protagonistas aporta algo.

Y atentos que sin haberse estrenado la tercera entrega ya hay informaciones sobre una cuarta que tambián dirigiría Tatopoulos... Madera, madera.

“Un dios salvaje” de Yasmina Reza

El fin de semana dio bastante de sí ya que, aparte de poder airearnos los pulmones de los efluvios tóxicos de las pinturas y tintes que invadían nuestro sancta sanctorum, fuimos al teatro Alcázar para ver “Un dios salvaje” de la francesa Yasmina Reza, dirigida por Tamzin Towsend. “Un dios salvaje” es una obra curiosa y muy interesante que bajo la amable apariencia de una comedia de situación oculta una cruda reflexión sobre la incomunicación del hombre (y la mujer) occidental y las hipocresias, miseria y pequeños engaños con que nos autoengañamos todos los días.

Toda esta reflexión arranca de una situación de lo más civilizada. Dos parejas de padres se reúnen para dirimir muy cívicamente en torno a una tarta de manzanas y pera y unos cafés una disputa entre sus hijos que ha acabado con los colmillos rotos de uno de ellos. Lo que en principio empieza muy educada y cívicamente como una reunión de gente culta, sofisticada y sensata va endureciéndose, conforme los diferentes caracteres de los personajes van chocando, acabando la historia como el rosario de la aurora en un enfrentamiento primario entre unos y otros del que ninguno sale vencedor.

La obra cuya duración es de hora y media cuenta con un excelente elenco de actores que dan vida a los cuatro protagonistas en unos papeles complicados y llenos de matices obligándoles a un esfuerzo añadido pues la trama péndula de la comedia al drama constantemente. Si los dos actores masculinos Pere Ponce y Antonio Molero están muy bien resulta excelente la labor de las dos actrices, Aitana Sánchez-Gijón y Maribel Verdú, quienes, en unos papeles que se ajustan muy bien a sus características, ofrecen un téte a téte frenético y arriesgado, demostrando una gran solvencia y madurez interpretativa digna de tener en cuenta.

En definitiva, una propuesta muy entretenida para pasar un buen rato y reírnos de nosotros mismos con una sonrisa que se irá torciendo conforme vayamos reconociendo en las conductas y actitudes de los personajes las propias.

Nuevo trailer de "Watchmen": espectacular.

A través de la imprescindible Uroloki, llego al último trailer -de momento- de la adaptación cinematográfica de "Watchmen". Ya les digo, a nivel visual me ha dejado sorprendido por su fuerza y fidelidad hacia los personajes aunque en el cómic quizás la estética me parezca demasiado actual, brillante y futurista cuando los personajes tenían más bien una patina de clasicismo y oscuridad que en la versión cinematográfica no percibo. Aparte de esta impresión optimista , no crean, como siempre, hay va mi pero... antes de lanzar las campanas al vuelo no hay que olvidar que estamos ante un trailer y "Watchmen", el cómic, es mucho más que un espectaculo visual merced al trabajo de Gibbons sino que por detrás y sujetando todo el armazón estético está el pedazo de historia que el maestro Moore se marcó. Y ahí es donde el señor Snyder tiene que dar el do de pecho, algo que todavía está por demostrar.

Eso sí, yo ya tengo ganas de que la estrenen. Y creo que no soy el único viendo la expectación que la obra despierta en la blogosfera. Y si no me creen, vean la cantidad de comentarios que en Crisei provocó una propuesta sobre el cómic del señor Marín. Pues eso, espectacular.

“Durango” de Yves Swolfs, el pistolero más escaneado del Oeste

De las novedades anunciadas por Planeta en los últimos tiempos esperaba con especial ilusión la publicación de “Durango”, una serie que en Francia va por los catorce álbumes y que en España la editorial ha empezado a recopilar en un formato que inicialmente puede considerarse adecuado en cuanto a relación calidad-precio en un integral que reúne los tres primeros álbumes de la colección a un tamaño algo reducido sin que por ello sufra en exceso al dibujo. Sin embargo, la edición presenta en su acabado una serie de defectos que demuestran una dejadez y un apresuramiento que estropean el placer de la lectura y me hacen plantearme continuar con la serie en el futuro. Para empezar el cutrísimo escaneado de la página 141, algo que no estamos acostumbrados en las ediciones del cómic europeo aunque sea demasiado habitual en las series que la editorial publica de DC y mucho me temo puede haber abierto la veda para el futuro, y por otro, y para mí más desquiciante, la pésima e ininteligible traducción gracias a la cuál nos hemos enterado que las pistolas se desenvainan y no se desenfundan (página 12) o equivocar nombres de personajes dejando bocadillos completamente carentes de sentido (página 140). No soy demasiado tiquismisquis ni exigente pero estos horrores son clamorosos y la editorial debería plantearse cuidar más los productos que pone a la venta.

Tras el desahogo, vamos con lo interesante que es el tebeo en sí. ¿Qué es “Durango”? Un tebeo del Oeste puro y duro que no engañará ni sorprenderá a nadie pero que encantará a los aficionados al Western y que no recomendaría a nadie más. A lo largo de los tres álbumes asistimos a la evolución de Swolfs, un autor belga de larga trayectoria y todoterreno que ha tocado prácticamente todos los géneros a lo largo de su carrera, desde el histórico con "Dampierre" hasta el terror con "El príncipe de la noche". En estos álbumes, nos encontramos a un Swolfs joven que como guionista no abandona en ningún momento un desarrollo tópico y poco dado a las sorpresas, claramente influido por las películas de Leone, aunque progresivamente conforme gana en seguridad y oficio tiende a enriquecer las tramas y la ambientación de las historias haciéndolas cada vez más complejas. Durango, el protagonista, responde al arquetípo de forastero justiciero de oscuro pasado, quien llevado por su particular y estricto sentido de la justicia, acaba con los malos malísimos que hostigan a los honestos y honrados ciudadanos.

Precisamente, los motivos que sitúan a “Durango” un escalón por debajo respecto a los grandes cómics del género western, es la falta de hondura psicológica del protagonista y la ausencia de un elenco de secundarios fijos que le dén réplica (al menos de momento), algo que sí existe claramente en series con las que la comparación es inevitable, como “Blueberry” o “Comanche”, agravado por el hecho que el cómic de Swolfs empezó a publicarse unos diez años después que estos cuando el gran momento del Western en el cómic, y en general en cualquier formato, ya había pasado.

En el aspecto gráfico, Swolfs realiza un gran trabajo, con un estilo muy clásico, cuidado y detallista sin desdeñar en cuanto a la narrativa los hallazgos realizados por Giraud y al que quizás sólo pueda achacársele cierta rigidez en ocasiones al retratar las facciones de los personajes aunque domina perfectamente la ambientación y caracterización de los lugares y regiones por los que su protagonista transita..

En definitiva, “Durango” es un cómic más que correcto y entretenido para todos aquellos que nos guste el Western aunque no pasará a la historia por la originalidad de sus historias y no merece la dejadez con que Planeta lo ha editado. Esperemos que Planeta rectifique y mejore la edición de las próximas entregas o tendremos que mandar un peacemaker a la editorial a que imponga el orden a base de gatillo.

Idiotas...

...¿peligrosos? Yo creo que sí.

Más información aquí y aquí.

(A propósito, ya he acabado la obra a falta de una buena limpieza así que espero contar con más tiempo para contarles cosillas).

Nominaciones al Expocómic y apuestas impacientes.

Pues nada, un año más ha pasado y llegan las nominaciones para los premios del Expocómic 2008 con la lista de nominados que pueden consultar aquí, junto con los demás datos del evento.

Esperando que no se repitan los errores del año pasado, ahí van mis apuestas, personalísimas, intransferibles, arbitrarias y completamente subjetivas:

Mejor obra española: “Arrugas” de Paco Roca.

Mejor guionista nacional: Paco Roca (“Arrugas”)

Mejor dibujante nacional: Roger Ibáñez (“Jazz Maynard 2”)

Mejor obra extranjera: “RG2: Bangkok Belleville” de Frederick Peeters y Pierre Dragon

Mejor guionista internacional: Alan Moore (“Lost Girls”)

Mejor dibujante internacional: Frederick Peeters (“RG 2”)

Mejor autor revelación: Jorge Parras (El Manglar)

Mejor Fanzine: Ni idea.

Mejor Web: Entrecómics.com

Ya saben, participen, voten y elijan ustedes sus premiados

Pitufado aniversario.

Aunque ya los felicité en su momento, parece que, como señala el carcelero, que hoy es el pitufoso nacimiento de los entrañables pitufos del entañable Peyo.

Espero que dentro de sus hongos pitufen una gran fiesta con pastel incluido.

¡Pitufosas Felicidades!

De pinturas y lectores (impacientes)

Pues nada, que el ritmo de posteo esta semana habrán notado que vuelve a ser irregular debido, en esta ocasión, a las necesarias labores de acondicionamiento de nuestra humilde morada para con su nueva e inminente inquilina que han coincidido casualmente con obras en la comunidad y han provocado que no tenga demasiado tiempo para comentarles nada aparte de una momentánea recuperación de la soltería al haber abandonado mi señora el domicilio conyugal, huyendo de los efluvios tóxicos de las pinturas y los barnices (no, no ha habido canita al aire y sobrevivo parapetado en el salón, porque aparte de ser un malbicho, claro, tengo que supervisar la conservación de mis trastos y coordinar al pintor).

Menos mal que mi pintor es más hábil que estos dos colegas de ahí arriba y a pesar de mi coordinación para el sábado –esperamos- haya acabado…

Les mantendré informados. No se me impacienten.

Premios Planetarios

Nuevo premiado tenemos y a este le ha tocado el gordo de los Premios, el Planeta 2008. Si el año pasado fue Juan José Millás quién ingresó en su cuenta los suculentos 600.000 euros del premio, este año el afortunado no es otro que Fernando Savater por “La hermandad de la buena suerte”, una novela de intriga y aventuras ambientada en un hipódromo que espera se convierta en “la segunda mejor novela sobre caballos” tras una de Fernando Alegría, dice en “Público” y la novela a la que se refiere, y no menciona, imagino es “Caballo de Copas”.

Savater es una figura popular por sus constantes intervenciones en los medios más que por su condición de filósofo y yo he de confesar que como literato no he tenido el gusto. Generalmente, dice cosas con sentido y bastante bien dichas aunque dé vez en cuando mete la pata hasta el fondo algo que, por otro lado, nos pasa a todo el mundo.

Intentaré leerme la novela pero no despierta mi curiosidad ni entusiasmo como me ocurrió el año pasado con “El Mundo”.

El premio de consolación, o condición de finalista, ha sido para Ángela Vallvey por una novela de la que me engancha el título, “Muerte entre Poetas” en la estela de doña Agatha Christie. Habrá que echarla un ojo en alguna librería…

¡ Felicidades a ambos!

“Los girasoles ciegos” de José Luis Cuerda

Hay mucha gente que cuando un libro les ha gustado mucho como me pasó a mí con la novela homónima de Alberto Méndez como ya les comenté por aquí, se niega en redondo a ir a ver su adaptación cinematográfica por temor a ver contaminada su propia impresión de la historia. A mí personalmente, eso no me pasa y nunca he tenido problemas en ver las adaptaciones de mis obras favoritas aun cuando sólo fuese para poder poner a caer de un burro al autor. Sin embargo, con esta película tenía mis dudas ya que aunque José Luis Cuerda ya me había demostrado su talento como adaptador con sus versiones de “Las lenguas de las mariposas” de Manuel Rivas o “El bosque animado” de Wenceslao Fernández Florez veía demasiado complicado que diera con la tecla para trasladar a la pantalla la belleza y complejidad de la obra de Méndez. Sin embargo, vista la película y aun siendo esta inferior al original se trata de una adaptación más que aceptable apoyada tanto en la labor del director como en el excelente e inteligente guión del desaparecido Rafael Azcona así como en el buen trabajo de un elenco de actores encabezado por un extraordinario Rául Arevalo y una Maribel Verdú que conforme pasan los años va creciendo como actriz.

En la película sólo se adaptan dos de los cuentos de los cuatro que forman la obra, probablemente los que suponen un menor desafío y al tiempo pueden llegar a un público potencial mayor centrándose en la historia de Salvador un diácono a punto de recibir el sacerdocio pero con intensas dudas tras haber participado activamente en la Guerra Civil, por lo que a instancias del rector del seminario se dedica a dar clases durante un año en un colegio antes de tomar una decisión sobre su vocación. Allí, conoce al pequeño Lorenzo y a su madre Elena, una atractiva viuda por la que se siente perdidamente atraído. Lo que Salvador no sabe es que en realidad Elena y Lorenzo están ocultando en su casa a Ricardo, quién es buscado por la policía nacional. Mientras tanto, la hija mayor de Elena y Lorenzo, Elenita y su marido Lalo, afrontan la huida hacia Portugal para evitar la represión.

Era muy difícil llevar a la pantalla la profundidad introspectiva con la que Méndez dotó a sus personajes y, en cierta medida, el guión de Azcona –y es uno de sus logros- ni se plantea lograrlo buscando reflejar sólo en esencia su personalidad en una perfecta simplificación, centrándose en una narración lineal de los hechos que conforman la historia y dejando meramente esbozada la carga dramática que guardan sus particulares historias personales, sin explorarlas en exceso. Cuerda realiza una buena labor de dirección y ambientación de la historia reflejando el ambiente opresivo de la posguerra española y dejando, como es característico en él, mucha libertad para que sus actores se luzcan con excelentes resultados, especialmente en los casos de Rául Arevalo y Maribel Verdú, quienes llevan la mayor parte del peso de la película, logrando trasladar con gran realismo el acoso al que el diácono Salvador somete a Elena, bien secundados por Javier Cámara –quizás demasiado contenido-, un solvente José Ángel Égido y el niño Roger Princep. La parte más floja de la película, es la narración paralela de la fuga de Elenita y Lalo, bastante pobre frente a la calidad del cuento del que parte.

En definitiva, una película bastante digna que se ha visto recompensada con su elección para representarnos en los Oscar, aunque sería sorprendente que estuviera entre las cinco seleccionadas y, sobre todo, que ganara el premio al estar bastante alejada del gusto habitual de los miembros de la Academia.

Ahí les dejo un trailer para convencer a los indecisos aunque mi recomendación es que se hagan con el excelente libro de Méndez que es canela final.

“Apocalipsis Z” de Manel Loureiro

Pues eso, que como la semana parece que va de terror en su más zombificada versión, es un buen momento para comentar el último gran descubrimiento del género, la novela “Apocalipsis Z” del novel Manel Loureiro.

La gestación de esta novela es curiosa ya que su autor la publicó por entregas en su propio blog y, dada la gran aceptación y el seguimiento conseguido en la Red, logró que Dolmen la editara en papel.

Manel Loureiro, en la novela, estructura la novela en forma de diario, un recurso ideal para el formato –un blog- para el que ideó inicialmente la trama y a través de las anotaciones en primera persona de un abogado viudo de Galicia, nos vamos enterando progresivamente del avance inexorable de los zombis desde el Caucaso hasta Europa y nos son reveladas las peripecias de este superviviente nato en una España invadida por los no muertos.

Loureiro, mediante esta estructura, oculta buena parte de sus carencias de escritor inexperto al tiempo que desarrolla una trama muy entretenida en la que los constantes cliffhanger, el contexto actual y cercano en el que se desarrolla la acción y el detallismo con el que el autor describe las distintas situaciones consiguen contagiar un halo de inmediatez y verosimilitud a las aventuras y desventuras del protagonista que atrapan al lector desde las primeras páginas al que le resultará muy difícil dejar de leer la novela hasta el final.

Parece que la obra va a tener continuidad y Loureiro ya ha empezado a publicar adelantos de la segunda parte en su web así que si se atreven se convertirá una visita obligada. No se la pierdan si les gusta pasar miedo.

Para iniciar la lectura de "Apocalipsis Z" pinchen aquí.

Millás, “El Mundo” y los premios

El año 2007 ha sido redondo para Juan José Millás. Si el año pasado, ganaba el Planeta, que es un premio siempre bajo sospecha, ayer nos enterábamos que este año le ha tocado el Nacional de Narrativa por “El Mundo” lo que no hace más que reafirmar –si hacia falta- su calidad literaria más allá de las filias y fobias de cada uno. Ya saben que a mí Millás me gusta cómo escribe y lo que escribe, su particular y claustrofóbica visión del mundo y la (ir)realidad. “El Mundo” me gustó especialmente, como ya les conté por aquí. Probablemente, el Millás más auténtico sea el inmediato, el que se saborea semanalmente con el café o en el vagón de metro en sus columnas de prensa aunque también debo decir que no he leído todavía ninguna de sus novelas que no me haya gustado.

Esperemos que tanto premio no se le suba a la cabeza y siga ofreciéndonos excelentes novelas.

¡Felicidades!

Otra novela de Juan José Millás en El lector impaciente, aquí.

“Los muertos vivientes 7: La calma antes…” de Robert Kirkman y Charlie Adlard.

Creo que no me cansaré nunca de glosar los méritos de Robert Kirkman en “Los Muertos Vivientes”. Un autor que no ha descubierto la pólvora pero con buenas dosis de sentido común y mucho oficio escribe historias coherentes y entretenidas sin insultar la inteligencia del lector, destinadas con los años a convertirse en obras de referencia en el mundillo de los cómics (y de los zombis, que no es lo mismo aunque pueda parecerlo). Ese es el caso de “La calma antes…” , el último prestigio publicado por Planeta hasta la fecha, que reúne los números 37 a 42 de la edición yanqui, donde demuestra su talla como autor contando sin trucos –aunque en realidad use muchos- las historias más complicadas para un guionista mainstream, las banales entre grandes acontecimientos en las que aparentemente no pasa nada.

Y es que de eso va este prestigio, de la “normalidad” cotidiana del grupo de supervivientes que protagonizan la colección tras los traumáticos e impactantes acontecimientos del volumen anterior. De nacimientos, bodas y muertes que suponen un paréntesis en el frenético ritmo de la serie y que Kirkman utiliza para, a lo largo de cinco capítulos, ahondar más en el carácter y las relaciones entre sus personajes en el nuevo mundo que les ha tocado vivir, al tiempo que siembra las dosis justas de tensión con las que mantener atrapado al lector y culminar en el magnífico cliffhanger final que anuncia auténticas calamidades para los supervivientes tras el lapso de momentánea calma. Kirkman en esta serie hace lo que le da la gana y lo hace muy bien, contando una historia de zombis con una complejidad y profundidad como no han visto nunca los muertos vivientes, acostumbrados a ser retratados en otros soportes más inmediatos como el cine que impiden dotar a la historia de la madurez, profundidad y sabiduría de la que la dota este guionista.

En el aspecto gráfico Charlie Adlard mantiene el nivel aunque quizás en este tomo sus limitaciones resulten más evidentes que en entregas anteriores ya que se trata de historias que exigen del dibujante algo más que una correcta narrativa a la hora de reflejar las expresiones humanas y las relaciones interpersonales. Sin embargo, la historia de Kirkman es tan interesante que se olvidan esos detalles técnicos frente al interés de lo narrado.

En fin, que quedo mordiéndome las uñas y mascando la tensión –sí, soy poco dado a montar mulas y cazar sapos virtuales, ¿qué pasa?- a la espera que Planeta tenga a bien ofrecernos la siguiente entrega. Y si hay algún aspirante a guionista por ahí le recomiendo encarecidamente la lectura de esta serie para descubrir los secretos del oficio de uno de los mejores autores mainstream del momento en una edición adecuada en la relación calidad-precio pero en la que se echa a faltar la inclusión de las portadas de los capítulos originales.

Más sobre "Los muertos vivientes" en El lector impaciente aquí, aquí y aquí.

“El síndrome de Ambras” de Pilar Pedraza.

En el panorama literario español existen francotiradores que hacen la guerra por su cuenta, ajenos a las modas cambiantes y las críticas hirientes. Una de las trayectorias más coherentes, sorprendentes y marginales es la de la toledana Pilar Pedraza, quién desde hace más de veinte años lleva dedicándose al género del terror -sí, una mujer dedicada a la literatura de terror en español ¿raro, verdad?- inasequible al desaliento.

En su última novela, “El síndrome de Ambras”, Pedraza nos ofrece un interesante repaso por el tema de la licantropía y los hombres lobos con una novela amena y muy entretenida, llena de referencias a los grandes de la literatura gótica pero curiosamente ambientada en el contexto de la España decimonónica del decenio liberal (1853-1863). A tan bárbaras y exóticas tierras, llega lord Ashton, un apuesto aristócrata inglés para realizar unas gestiones comisionado por el gobierno británico en el convulso y conspiránoico Madrid de la época, acompañado por su joven esposa de ascendencia española, lady Florence, y sus sirvientes, el fiel O´Casey y la romántica Emily. Por el camino, la expedición se cruzará con el circo del excéntrico Magnus Dampierre y su parada de fenómenos, quedando el lord seducido por la hechizante belleza peluda de Serranilla, una mujer cubierta enteramente de vello. A partir de ese momento, y a lo largo del viaje, lord Ashton se verá acometido por una salvaje locura obsesiva hacia Serranilla que le llevará a perseguirla por media España al tiempo que es víctima de una extraña enfermedad que pone en jaque a sus acompañantes.

Pilar Pedraza escribe con un estilo vigoroso e hipnotizante una estupenda novela en la que rinde homenaje a los grandes de la literatura gótica incorporando la mayoría de los elementos que la caracterizan de una manera novedosa y vigorizante en una apuesta que la convierte en heredera directa de los Stoker, Le fanu o Potocki, situando la historia en un contexto histórico apasionante y por lo general poco explotado por la mayoría de los escritores actuales, siendo fiel, al tiempo, a las historias de licantropía más canónicas y ofreciendo una nueva visión renovadora del mito. La novela empieza fuerte y mantiene atrapado al lector que asiste impotente a la evolución de la enfermedad de lord Ashton en una bestia sanguinaria. Sin embargo, tampoco puede considerarse una novela redonda, notándose cierto apresuramiento por parte de la autora a la hora de cerrar las distintas tramas abiertas y quedando la sensación que con cincuenta o sesenta páginas más la historia quedaría mejor acabada. No importa, la propuesta de Pilar Pedraza es de las más originales e interesantes que he leído en los últimos tiempos y la confirman como una autora a seguir.

Si les gustan las novelas góticas y los lobisomes, esperen a la próxima luna llena y disfruten de la novela de Pilar Pedraza. No se arrepentirán.

“The un-men: ¡Saca el engendro que llevas dentro!” de John Whalen y Mike Hawthorne

En casi todos los aspectos de la vida solemos –yo el primero- aplicar la ley del mínimo esfuerzo con resultados que generalmente no nos satisfacen y de lo que nos acabamos arrepintiendo. En el mundillo de los cómics, esta ley es aplicable a muchos aspectos pero uno de los que más suelen llamar la atención es cuando se pretende explotar algo –un personaje, una idea, un estilo- hasta tal extremo que pierde toda su frescura original y se vuelve predecible y sosa. Eso es lo que ocurre con el primer prestigio de “The Un-Men” que nos ofrece Planeta y reúne los primeros cinco números de su fugaz colección (en Estados Unidos no han llegado a la quincena dadas las pauperrimas ventas).

“The Un-Men” es una serie basada en la parada de monstruosos personajes ideada por el talento de Len Wein y Bernie Wrightson en la clásica serie de “La Cosa del Pantano”. Monstruos creados por el talento maligno de Arcane, el archienemigo de La Cosa, y que aparecieron en varias ocasiones a partir del número 2 de la colección y aunque no eran demasiado originales, puesto que Wein se basó en parte en la parada de freaks que aparecían en la mítica “La parada de los monstruos” del gran Todd Browning o las creaciones de Ed “Big Daddy” Roth, y aunque tenían un papel secundario en la historia impactaron lo suficiente entre los aficionados gracias a la labor de un extraordinario Wrightson como para que fuesen recordados con cariño y aparecieran esporádicamente a lo largo de las distintas colecciones de swampy. Ya en los noventa, los Un-men protagonizaron su propia miniserie que es la base de la que han partido John Whalen y Mike Hawthorne para su colección.

Puestos en antecedentes –algo que quizá debería haber hecho Planeta publicando la miniserie mencionada-, ¿qué ofrece el novato John Whalen en el primer arco argumental de la nueva serie de “The Un-men”? Una cantidad de tópicos muy poco originales compilados en un batiburrillo perfectamente olvidable y prescindible. La historia, que nos sirve de presentación a partir de la investigación de un asesinato de la sociedad de los freaks asentada en la ciudad-estado de Aberrance me ha recordado en demasía otras del mismo estilo como, por ejemplo, el primer arco de “Fabulas” con el que guarda sonrojantes paralelismos. Sin embargo, frente a la claridad con que Buckingham y Willingham narraron esa historia aparentemente simple para ir dotando de profundidad a la serie gradualmente en posteriores entregas, a Whalen y Hawthorne les cuesta arrancar, abarcando demasiado y apretando muy poquito, dejando de lado pronto la historia que iba a servir de motor a la historia – la investigación del asesinato de unos de los freaks que se oponía a los planes de Aberrance – para caer en una descripción bastante confusa de los planes de las distintas facciones que habitan Aberrance e ir incorporando de cualquier manera situaciones poco originales y forzadas propias del cine de terror de serie Z de la productora Troma, pero prescindiendo por completo del gamberrismo y desenfado que las popularizó, para descubrir finalmente de cualquier manera quién era el asesino que se ocultaba en las sombras.

Dejando de lado el elemento que hacía más atractivos a los personajes originales, su carácter trágico, víctimas del malvado Anton Arcane, y el aspecto terrorífico de su naturaleza, el equipo creativo de esta nueva serie da un giro inesperado a su esencia que no acaba de encajar con los mismos, encasillando a los monstruos principales en científicos locos obsesionados con la genética, fríos hombres de negocios preocupados en vender su reality de creación de monstruitos al mundo o en sádicos calenturientos mientras que las nuevas creaciones que se presupone son los “buenos” como el albino Kilcrop o la manca Niko resultan demasiado planos. En cuanto al dibujo, Mike Hawthrone se muestra como un narrador aceptable pero carente de un estilo propio recordable y definido, no dando en ningún momento con el tono que reclama la serie.

“Un-Men” es, junto a “American Virgin”, una de las más desafortunadas y decepcionantes propuestas de la Línea Vertigo. Una serie que no es más que un refrito de ideas en la que nada funciona. Aléjense de ella como de la peste y si quieren leer sobre los verdaderos y genuinos Un-Men no dejen de leer esto.

“Nathan Never: ¡Tecnodroides!” de Stefano Vietti, Dante Bastianoni y Andrea Cascioli

El cambio de formato propiciado por Aleta a su línea Bonelli es una buena oportunidad para acercarse a estos fumetti italianos de los que curiosamente apenas existen reseñas en la blogosfera a pesar de su indudable calidad.

En este sentido, resulta especialmente destacable el nuevo tomo de Nathan Never, que aúna un intenso y apasionante arco argumental que ofrece a todos los desconocedores del personaje las principales características de una de las mejores series de ciencia ficción de todos los tiempos y resulta, por tanto, una buena oportunidad para engancharse a las aventuras de este personaje, ya un clásico del cómic italiano, nacido en 1991 de la colaboración entre Michele Medda, Antonio Serra y Bepi Vigna, quienes, tomando como inspiración y principal influencia “Blade Runner” han desarrollado su particular universo que se ha ido enriqueciendo con la publicación ininterrumpida de las historias del personaje desde entonces ayudados por otros colaboradores como los que firman esta aventura.

En "¡Tecnodroides!", nos encontramos con la Agencia Alfa, la misteriosa organización liderada por Mister Alfa a la que pertenece Never, intentado detener las maquinaciones de Aristóteles Skotos, un poderoso e iluminado hombre de negocios quien merced a unos inagotables recursos económicos y tecnológicos ha conseguido controlar los fenómenos atmosféricos y pretende desencadenar un diluvio universal sobre la Tierra con el que aniquilar la raza humana y entregarle el planeta a sus terribles tecnodroides, imponentes ciborgs creados artificialmente a los que el loco Skotos considera el siguiente paso en la evolución humana. De este modo, se inicia una carrera contra el tiempo –nunca mejor dicho- por parte de Nathan Never y sus compañeros para desbaratar los planes de Skotos antes de que sea demasiado tarde.

El guionista Stefano Vietti junto a los dibujantes Dante Bastianoni y Andrea Cascioli nos ofrecen un trepidante tebeo de acción y ciencia ficción con todos los ingredientes para pasar un buen rato de lectura y que aúna perfectamente un intenso ritmo con una temática que pone sobre el tapete problemáticas bastante cercanas y actuales como la manipulación climática, el poder de los lobbies económicos y políticos (no veo muchas diferencias entre Skotos y algunos halcones de Washington) o la discriminación a los diferentes. Vietti condimenta y dosifica todos estos elementos en una historia con la que mantiene atrapado al lector desde la primera a la última página y en la que el protagonismo de Never es compartido por algunos de los conocidos secundarios que los seguidores del personaje conocen perfectamente. Asimismo, la historia , es perfectamente disfrutable sin necesidad de contar grades conocimientos de lo acontecido previamente y la trama queda perfectamente cerrada, aun cuando, como buen guionista con oficio, Vietti se guarde un as en la manga que explotar en el futuro, sin exasperar al lector con ello (algo que desgraciadamente en el cómic de superhéroes moderno está en vías de extinción).

En el aspecto gráfico, tanto Bastanoni como Cascioli, hacen un trabajo más que correcto imprimiendo un buen ritmo narrativo a la historia, con un estilo, sobre todo en el caso del primero, claramente influenciado por grandes del cómic norteamericano como Buscema , Romita o Adams, y consiguiendo una ambientación coherente con la historia.

Aleta ha acertado plenamente – no sé si será casualidad- con la elección de la historia con la que inicia el relanzamiento de la colección en un formato y una periodicidad que debería atraer a más lectores hacia unos excelentes cómics de género. Esperemos que las ventas acompañen y podamos seguir disfrutando de las aventuras del agente Alfa y el resto de sus compañeros en un futuro quizás no tan lejano.

“Vicky, Cristina , Barcelona” de Woody Allen

Había expectación entorno a la nueva película de Woody Allen, “Vicky, Crisitina, Barcelona” para ver si el de Brooklyn daba la de cal o la de arena con su acercamiento a la ciudad de Gaudi y el pan tomaca. Tras el visionado, mi sensación es que mi admirado Woody se ha tomado unas merecidas vacaciones en la Ciudad Condal y Barcelona no le inspira tanto como Nueva York o Londres.

Vicky (Rebeca Hall) y Crisitna (Scarlett Johansson) son dos jóvenes amigas norteamericanas con distintos planteamientos respecto al amor y la vida que llegan a Barcelona a pasar dos meses de vacaciones. Vicky busca la seguridad en una relación y tiene un novio perfecto con el que piensa casarse y asegurar su futuro, mientras Cristina es un espíritu libre que no tiene demasiado claro nada en su vida ni en lo personal ni en lo laboral. En Barcelona, las dos amigas conocerán a Juan Antonio, un seductor pintor divorciado, con el que mantendrán sendas relaciones que trastocarán sus planteamientos vitales, más aún, cuando llegue a la ciudad Maria Elena (Penélope Cruz), la temperamental e impredecible exmujer de Juan Antonio.

Flojita y pretenciosa es esta película con la que no conecté en ningún momento y en la que Allen nos ofrece uno de sus peores trabajos de los últimos años. La película carece de una sola idea original con la que enganchar al espectador y no va más allá del refrito del cine y el estilo que Eric Rohmer pusiera de moda ya hace unas décadas con mejor fortuna. Quizás lo único salvable sea el descubrimiento de Rebeca Hall, una actriz desconocida para mí, quién logra probablemente la mejor interpretación del cuarteto protagonista, limitados por la artificiosa historia pergeñada por Allen y sólo animada, en contadas ocasiones, por las intervenciones de una Penélope Cruz que lograba con su interpretación dar cierta credibilidad y comicidad a su personaje frente a la artificiosa ñoñez de los interpretados por un Bardem dormido y una Scarlett Johansson, que si no fuese por su espectacular fotogenia pasaría completamente desapercibida.

En definitiva, Woody ha realizado su parte y ha construido un costoso y aburrido reclamo turístico de hora y media con el que publicitar la Ciudad Condal mostrando a gente guapa paseando por bellos rincones de la ciudad y sus alrededores. Sin embargo, mi consejo es que no se gasten siete euros en la cinta (¡¡¡ sobre todo, no se les ocurra gastárselos en la versión doblada!!!) y dediquen su tiempo y su dinero en buscar por Internet algún chollo para visitar la ciudad que les saldrá más a cuenta.

Teaser oficial de "Dragon Ball"

Tras la censura del movido teaser pirata del otro día, aquí les dejo la versión.

Verse se ve mejor, pero como que hay algo que no acaba de encajar...

De nuevo, vía EntreComics)

Entrevista a Léo

Para conocer mejor a Léo, el autor de "Aldebarán", obra de la que escribía el otro día, os dejo esta entrevista que he encontrado por estos mundos virtuales. Se trata de una entrevista realizada al autor en el Festival de Angouléme 2006 y el único problema es que está realizada en portugués sin subtitulos. Para los que no dominen la lengua de Camoes y Pessoa, si se presta atención y sin demasiado ruido ambiente algo se le puede entender.

De elecciones,debates y algo de Cómic

Aquí hicieron una cosa parecida que ya comenté, pero está claro que los yanquis en esto de autopromocionarse utilizando cualquier soporte son los amos del cotarro. Y, si no, vean los cómics que la editorial IDW -especializada en cómics de terror, por cierto- ha preparado.

Por otro lado, esta madrugada ha sido el Gran Debate entre los candidatos a vicepresidentes de ambos bandos con un inusitado interés por parte de nuestras cadenas públicas que no acabo de entender demasiado y cuyo resultado tampoco me importa en exceso. Mas atención me provocaría si hubiera un debate televisado entre Solbes y Montoro sobre las soluciones a nuestros problemas más inmediatos (sí, me estoy refiriendo a la cr/&/& pero hay cosas que es mejor no mentarlas me ha dicho mi asesor de imagen). Claro, que de darse lo más seguro es que acabasen provocándome pena, bostezos o temblores…

Mola más sentarse a ver los toros desde la barrera, que los americanos son más fotogénicos… Eso sí, a mí la Palin me da mucho miedo. ¿Por qué? Vean, vean…

Visto en La Cárcel de Papel

Visto en El blog ausente

“Aldebarán” de Léo

Entre mis lecturas de estos días, me ha dejado una agradable sensación el primer tomo de “Los Mundos de Aldebarán”, en el que Planeta ofrece a un formato muy competitivo el integral que reúne los cinco álbumes que integran el primer ciclo de la serie publicada por Dargaud en Francia, pergeñada por Luiz Eduardo de Oliveira, Léo, un dibujante de origen brasileño que ha desarrollado su obra en Francia siendo “Aldebarán” su primera obra en solitario, así como la más personal y ambiciosa.

Léo sitúa la historia en una antigua colonia terrícola localizada en un planeta similar a la Tierra que gira en torno a la estrella Aldebarán aunque con una flora y fauna completamente distintas a las terrestres. La pequeña colonia, que perdió un siglo antes, el contacto con la Tierra sobrevive básicamente de las riquezas del rico océano del planeta y su péqueña población se encuentra dispersa y dominada por una pequeña oligarquía totalitaria encabezada por el Ejército y la Iglesia quienes controlan y censuran todos los medios de información y han prohibido hasta la música. A una pequeña y aislada aldea de pescadores llega un misterioso extranjero que advierte sobre la posibilidad de exterminio de la aldea por encontrarse en el paso de una extraña criatura, la mantriz, a la que lleva estudiando durante años. Los habitantes de la aldea hacen caso omiso de la advertencia del forastero y la aldea es arrasada, sobreviviendo únicamente unos pocos jóvenes. A partir de ese momento, y álbum a álbum, asistiremos a las peripecias de los jóvenes protagonistas en su proceso de maduración mientras investigan junto a los misteriosos forasteros el origen de la mantriz al tiempo que intentan mantenerse alejados de los gobernantes de la colonia.

Léo, en su primer trabajo como guionista, construyó una muy correcta historia de ciencia ficción que bebe directamente de grandes obras del género como el “Solaris” de Lem o el “Dune” de Herbert, y de películas cercanas al momento del inicio de su publicación -1990- en Francia como “The Abyss” (1989) de James Cameron, en un planteamiento en el que la ecología, la crítica a los totalitarismos y la construcción de un ecosistema coherente en el que discurra la historia son sus principales preocupaciones.

El autor realiza un trabajo formidable en la recreación de un mundo verosímil habitado por extrañas y maravillosas criaturas que vamos descubriendo conforme la historia avanza, convirtiéndose este en el punto fuerte de la historia en una trama que, por otro lado en bastantes aspectos, resulta demasiado plana y predecible. Léo, como muchos guionistas bisoños, da demasiada importancia a los diálogos entre los personajes ahogando en ocasiones su dibujo y haciendo que se ralentice en exceso la narración, aunque la tensión sí esté bien dosificada y vaya mejorando conforme avanza la serie. En cuanto al dibujo, el autor maneja con soltura la composición de la página, dispone de un trazo fino muy elegante y preciso, y hace un uso del color espectacular que alcanza la máxima expresión – como ya he comentado- en la ambientación y la cantidad de detalles secundarios que ilustran cada viñeta. Sin embargo, Léo, a mí entender, no controla la expresión de las caras de sus personajes resultando inexpresivas, desproporcionadas y en exceso hieráticas en demasiadas ocasiones.

A pesar de sus defectos, “Aldebarán” es una lectura entretenida que gustará a los aficionados a la Ciencia Ficción y Planeta ha acertado de pleno en la elección del formato, ya que, probablemente, en el tradicional formato álbum habría pasado mucho más desapercibida en la vorágine de novedades. Espéremos que las ventas acompañen y podamos ver pronto publicado el segundo ciclo, “Beltegeuse” en un formato similar.

Para conocer más sobre “Los Mundos de Aldebarán” y de Léo nada mejor que visitar su completo y espectacular site, pinchando aquí (en francés).

En este video, un admirador de la obra de Léo ha otorgado movimiento a alguna de las espectaculares criaturas marinas ideadas por el autor.

Video promocional del tercer ciclo de la obra, "Antares", del que, por el momento, sólo ha aparecido un único álbum en Francia.

El Trailer de Dragon Ball, Gene Colan forever y un poco de CI-Fi

A través de la indispensable Entrecomics llego a este curioso – y movido- trailer de la adaptación en imagen real de “Dragon Ball”. De momento, lo poco que se ve no pinta mal -ni bien-. Habrá que estar atentos...

Y, además, en la misma página, el tío Berni se marca un estupendo artículo traduciendo dos entrevistas realizadas al indispensable Gene Colan que ningún aficionado al cómic debería perderse.

Y, si esto les parece poco, RM ha realizado una lúcida reflexión en Crisei sobre la CF y la fantasía en España, a la que muy poquitos peros se le pueden poner.

Para que se entretengan...