A Ramoncín le gustaba Hernández Palacios: La Vida en el Filo.

La ignorancia es muy osada y eso demostró un belicoso Santi Carrillo en "RockdeLux" en 1987 al ningunear a Antonio Hernández-Palacios en esta entrevista a Ramoncín en la que el cantante explicaba la elección del autor de “Manos Kelly” para la portada de su disco “La Vida en el Filo” (1986):

“S.C: Esto de las influencias de los setenta lo decía también por todo el concepto que te rodea. Mismamente el dibujo de la portada de este “La vida en el filo” (1986) pertenece a un dibujante de cómic anclado en líneas gráficas ya superadas. Palacios es un dibujante reputado, pero con trazos excesivamente progres. ¿No hubiese sido mejor una portada más actual? ¿Es que no te parece actual?

Ramoncín: En absoluto. Pues mira, es Antonio Hernández Palacios, un dibujante excepcional, excelente. Es como si a Picasso le hubiesen pedido que hiciera una portada. No sé, podría haberla hecho Javier de Juan, que es más moderno, pero la ha hecho Palacios porque es mi amigo y porque se me ha ocurrido que la hiciera él. Eso no tiene connotaciones al respecto de mi música.

S.C: Simplemente, lo asociaba. De todas formas, Picasso, como debes saber, supera décadas, estilos, generaciones, y mucho me temo que tu amigo Palacios no llegará tan lejos… Ya veremos…”.

El resto de la entrevista, aquí.

No me cae especialmente el verborreico Rey del Pollo Frito desde que dejó la música a un lado para meterse en mil y una batallas pero en esta entrevista al menos demuestra más conocimiento de cómic que el prepotente Carrillo.

Una de las canciones más conocidas del vallecano, “Como un Susurro”, del clásico “La Vida en el Filo”, para la que Ramoncín contó incluso con colaboraciones tan glamourosas como Brian May, 

Carlos Pacheco en DC en tierra de nadie

Respecto a tu trabajo en DC, muchos aficionados hemos tenido la sensación de que la editorial no ha sabido aprovechar los autores en exclusiva que ha tenido, tales como tú, Mark Bagley o Adam Kubert. ¿Cuál es tu opinión al respecto?

C.P: No lo sé, yo… Mi etapa en DC, el recuerdo que tengo de ese tiempo es estupendo: Superman es uno de mis trabajos favoritos. Arrowsmith, que también pertenece a DC; la JLA/JSA… desde una manera personal, desde el punto de vista del aficionado no sé… Lo que quiero decir es que el último par de años sí hubo un cierto desconcierto en el que no se sabía muy bien por donde iba a tirar DC, y yo creo que ya se estaba intentando establecer una nueva línea de salida, que al final ha acabado en los famosos 52 [Relanzamiento de toda la linea editorial en torno a cincuenta y dos series]. Se estaba planteando y se estaba gestando y se trabajaba más en ese futuro cercano que en el presente. Y en ese sentido, pues yo recuerdo que Dan DiDio me habló de un proyecto que tenia en mente, que era el proyecto de las novelas graficas, en el que el pretendía relanzar el universo DC, tipo Ultimate, pero distinto, en que iban a coexistir el Universo Clásico y el Universo Nuevo. En el Universo Clásico, los personajes iban a dejar de ser las personas que eran; quiero decir: Bruce Wayne muere y su papel como Batman, lo ocupa Dick Grayson; Diana Prince también muere y su papel lo ocupa Donna Troy… y lo de Superman. Estaba en secreto quien iba a ocupar el papel de Superman. Se trataba de evolucionar el Universo Clásico, hacerlo crecer y crear un nuevo universo, en el presente, tipo Ultimate, donde Clark Kent fuera Superman, Bruce Wayne fuera Batman, donde Diana Prince fuera Wonder Woman. Esos proyectos iban a arrancar en unas novelas graficas, con su origen, que fueran algo así como la Biblia de cada personaje, y después se continuaba la colección mensual. Yo iba a hacer Wonder Woman, con Grant Morrison, pero aquello se dilataba de una manera excesiva… Jim Lee iba a hacer la Liga de la Justicia, Adam Kubert iba a hacer Batman. El caso es que entre una cosa y otra, la cosa se iba dilatando, se iba dilatando y yo estaba en Arrowsmith, haciendo la segunda parte. Me llama Dan, que me necesita para Final Crisis, y yo tenía también esa sensación de estar en tierra de nadie. Pero no creo que fuera un desaprovechamiento de los autores, sino que la propia editorial estaba en un momento de transición buscando una nueva salida, hasta que ha encontrado el nuevo 52.

(Segunda parte de un conjunto de interesantes entrevistas a Carlos Pacheco que se vienen publicando en Welcome to de Suck. Las podéis leer completas aquí y aquí).

Vince Coletta, entintador profesional.

Nunca he dejado tirado a un editor... nunca dejé tirada a una empresa. Siempre doy lo mejor de mi trabajo y lo entrego a tiempo.

(Esta declaración la realizó Vince The Hack Coletta, el que para muchos aficionados y especialistas es el más controvertido entintador del mainstream norteamericano al dedicarse a “simplificar” la labor de algunos de la multitud de dibujantes que entintó a lo largo de su prolija carrera, en una interesante entrevista que Bruce ha traducido y se puede leer completa aquí. La entrevista, que es la única que se sepa otorgó Coletta, la realizó su amigo Jim Shooter y en sus respuestas se percibe a un Coletta a la defensiva a pesar del tratamiento amable de las preguntas de Shooter. Está claro es que para Colletta lo prioritario era cumplir con los plazos y con el editor que le contrataba costara lo que le costase).

Traducción de una entrevista a Doug Moench sobre su trayectoria en Werewolf By Night.

(Ya he comentado alguna vez por aquí que me gusta mucho el trabajo de Doug Moench y considero una pena que todavía haya buena parte de su material sin reeditar, o no haya sido nunca editado, en España. Por si alguien se anima a coger el guante y reeditar esa joyita de los cómics de terror setenteros que fue Werewolf by Night que aquí conocimos como complemento de los Clásicos del Terror de Cómics Forum hace ya unas cuantas décadas aunque no se llegara a publicar la etapa de Moench, me he permitido traducir esta excelente entrevista del 2009 realizada y publicada en comicmonster.com en la que Moench repasa su paso por la serie –por tanto contiene spoilers pero como seguramente no van a publicar de nuevo este material en España espero no herir la curiosidad de nadie- y explica entre otras cosas interesantes el origen del Caballero Luna. He optado por no traducir ningún nombre de los personajes y series que se mencionan, sobre todo para no perder el matiz entre los distintos hombres lobo que se mencionan – Man-wolf es un secundario de Spidey hijo de JJ Jameson y werewolf es Jack Russell el protagonista de la serie Werewolf by Night.- y evitar posibles confusiones. Espero que os resulte interesante la entrevista):

Decir que es un maestro del terror sería insuficiente. Su obra ha aparecido en revistas como Creepy, Eerie, Vampirella o Godzilla por nombrar unas pocas. Hemos atrapado a Doug Moench para hablar sobre su trayectoria en Werewolf by Night.

P: ¿Cómo te convertiste en guionista de Werewolf by Night?

DM: Wow. Cuando contactó conmigo por primera vez Roy Thomas estaba viviendo en Chicago. Estaba escribiendo para las revistas Warren, Creepy, Eerie y Vampirella. También había empezado a vender algunas historias a DC para House of Mystery, House of Secrets, etc. Roy me hizo saber que quería que fuese a NY y trabajase para Marvel. Había sido recomendado por Marv Wolfman, quien había sido editor en Warren, y conocía mi trabajo.

Mi sueño era trabajar en Marvel, pero no estaba seguro si quería mudarme a NY. Pregunté si podía ir e intentarlo durante dos semanas. Estuvieron de acuerdo y fui a NY. Trabajé en la oficina durante dos semanas y continuaron dándome trabajo. Estaba teniendo un gran momento. Todavía no estaba seguro sobre si quería vivir en NY, pero ¿cómo podía rechazar esa oportunidad?

Tras las dos semanas estaba convencido de aceptar el trabajo pero no podía permitirme mudarme de NY a Chicago. Se lo mencioné a Roy y el me propuso que escribiese un montón de títulos de historias y se las facturara. Marvel pagaría por mí la mudanza pero cuando yo estuviese en NY, tendría que escribir esas historias. Esas historias acabaron publicándose en revistas marvel en blanco y negro como Dracula Lives y Monsters Unleashed.

Después de hacer el traslado a NY, Marvel me propusieron si me gustaría escribir alguno de los cómics a color. De cualquier modo me daba lo mismo pero los cómics marvel a color eran los que tenían mejores ventas. Había estado haciendo historias de terror en blanco y negro para Warren y Skywald tanto tiempo que yo pensaba “Wow, cómics a color, ¿qué es eso” (risas) Pienso que estaba encasillado en el Terror por llevar haciéndolo tanto tiempo.

Creo que el primero cómic a color que hice fue Ghost Rider. Después de aquello hice un historia sobre Man-Wolf, que realmente no me apetecía hacer porque me dijeron que tenía que incluir a. J Jonah Jameson en cada episodio porque su hijo era Man-Wolf. Sin embargo, ninguna de las historias podía llevar a Man-Wolf a hacer cualquier cosa sin afectar a J.Jonah Jameson porque aquello interferiría en la continuidad de Spider-Man. Dije “su hijo es un hombre lobo, ¿Cómo no va a afectarle?”(risas) Querían mantenerlo en las historias porque pensaban que ayudaría con las ventas pero realmente no me gustaba aquello demasiado. Hice unas cuantas historias y se me ocurrió la idea de convertir a Man Wolf en un astronauta y mandarle a una estación espacial donde estaría expuesto a la luna todo el tiempo. Fue incluso antes de la película de Alien. Así que cuando llegase a la estación espacial el se convertiría en Man-Wolf y los otros astronautas estarían atrapados allí arriba con él. Después de aquello, ellos me dieron Werewolf by Night, lo cuál me gustó más.

P: Te hiciste cargo de Werewolf by night en el número 20. ¿Sentías que tenías una presión añadida al asumir su escritura, especialmente cuando el gran crossover con Drácula había sido justo antes que tú empezaras?

DM: No sentí ninguna presión. Fue todo muy rápido. Estaba escribiendo mucho. Roy Thomas me llamó a su despacho y me dijo que quería que escribiera más. En ese momento estaba escribiendo más páginas por semana que cualquier otro guionista, además ¡estaba trabajando ocho horas al día como editor! Marvel sugirió que enseñase a mi sustituto como editor y me quedase en casa para escribir más. La carga de trabajo en esa época, era lo peor de trabajar para Marvel. Amaba los cómics mucho, pero estaba tan ocupado que ya no tenía tiempo para disfrutar.
P: Werewolf by Night vs. Frankenstein’ s Monster fue tu primer hito como guionista de Werewolf by Night. ¿Qué recuerdas de escribir aquel número en particular? ¿La película de Frankenstein meets the Wolf-Man te sirvió de inspiración?

DM: Uno de mis grandes recuerdos de infancia fue cuando mis padres me llevaron a un autocine a ver un reestreno de esa película. Recuerdo verla desde el asiento trasero del coche delante del parabrisas. Era una vista perfecta. ¡Me encantó esa película! En mi infancia, la lucha del final parecía durar eternamente. Cuando vi la película de adulto no era tan larga como la recordaba.

P: Werewolf by night #24-26 es una buena historia de monstruos de las de toda la vida. La historia mostraba a Werewolf by Night luchando con Deprayve y The Hangman. ¿Qué recuerdas sobre escribir esos episodios?

DM: Recuerdo como se me ocurrieron esos episodios. Marv Wolfman creó a Hangman en el número 11 de Werewolf by Night. Marv me propuso usar a Hangman en uno de esos episodios porque Marvel estaba barajando la idea de dar a Hangman un título propio. Querían usar esos episodios para mostrar al personaje. Finalmente desecharon la idea.

P: En Werewolf by Night #27 debutó un villano que probaría ser una espina en el costado de Jack durante mucho tiempo. Dr. Glitternight. ¿Cómo se te ocurrió la idea de este personaje?

DM: No recuerdo el concepto pero recuerdo el nombre. Hay una vieja película en blanco y negro titulada The Amazing Dr. Clitterhouse. Era un nombre tan raro que resonaba en mi cabeza. Glitter sonaba mejor para mí que Clitter y Night sonaba como una buena terminación para un nombre de villano, así que así fue.

P: Los monstruos del Dr. Glitterninght son algunos de las más bizarras criaturas vistas en comics. ¿Cómo explicaste lo que tú querías reflejar al artista de la serie, Don Perlin?

DM: ¡Don es un gran chico! Era uno de los pocos artistas con los que trabajé que estaba realmente interesado en lo que estaba haciendo. Siempre estaba interesado en saber que estaba preparando para futuros episodios. Si el tenía cualquier pregunta o sugerencia hablábamos sobre ello. Era una auténtica colaboración. Don se involucraba en la trama, algunas de sus sugerencias funcionaban y otras no, pero estaba tan interesado e involucrado que pienso que eso le hacia dibujar mejor.

P: A partir del plenilunio de su dieciocho cumpleaños y la luz negra del Doctor Glitternight la hermana de Jack, Lissa, se convirtió en una clase diferente de hombre lobo. Esto se produjo en los episodios #29 y #30 en los que los hermanos se enfrentaron. ¿Qué recuerdos tienes sobre escribir aquel enfrentamiento entre hombres lobos?

DM: Tan pronto como Jack tuvo una hermana, siempre pensé “¿Qué la pasará cuando cumpla 18?”. Tienes el doble impacto de dos hombres lobos, hermano contra hermana. De ese tipo de cosas escribía.

P: Lissa fue finalmente curada de su licantropía pero ¿una parte de ti quería mantener a Lissa como un hombre lobo?

DM: Cuando escribía, siempre pensaba “esta cura podría acabarse y ella recaer en la licantropía otra vez”.

P: Giant-Size Werewolf by Night #4 contiene otro maravilloso crossoever, esta vez era Morbius el Vampiro Viviente el que se enfrentaba con Werewolf by Night. ¿Cómo fue escribir sobre esos dos iconos del horror enfrentándose?

DM: Morbius era un personaje divertido de escribir. Escribí unas cuantas historias de Morbius incluyendo una larga que se desarrollaba durante un crucero.

P: Werewolf by Night # 31 es uno de los mejores episodios de la serie. Jack y sus amigos se alojan en una estación de esquí en la montaña para descansar. Cuando están relajados, el director de la estación les dice a los huéspedes que una tormenta de nieve se aproxima y nadie debe alejarse. Como la luna llena tardaría en aparecer, Jack y su mejor amigo Buck conducen hasta lo más profundo del bosque, lejos de la estación. Cuando Buck regresa a la estación, se entera que la policía ha acudido allí para buscar a la hija desaparecida de su novia, Buttons.

Buck coge una moto de nieve y se dirige al interior del bosque sabiendo que Jack está en la zona. Buck finalmente encuentra a Buttons, pero no es el único que ha descubierto a la niña. El hombre lobo comienza a acechar a la niña hasta que Buck se sacrifica y cubre a la chica con su cuerpo antes que el hombre lobo le ataque. A diferencia de episodios pasados este muestra a Jack no como un héroe, sino como un hombre lobo salvaje. ¿Existió alguna presión de Marvel al tener el hombre lobo que atacar a una niña?

DM: Recuerdo comentar que ese era el mejor episodio que yo había hecho. No caracterizaba otro monstruo, sino que estaba muy pegado a la tierra. Pensé que había hecho un buen trabajo evocando emoción. Recuerdo obtener un gran cumplido de Marv Wolfman que dijo que pensaba que era el mejor episodio de Werewolf by Night.

P: Porque de la paliza que recibe por escudar a Buttons con su cuerpo, Buck casi muere. ¿Consideraste en algún momento que Jack diera el golpe fatal a su mejor amigo?

DM: No. No creo que nosotros pudiéramos haber ido tan lejos. Habrían cambiado un montón de cosas. Jack habría sido considerado como un asesino. Estos días, quien sabe, quizás lo intentaría. Por aquel entonces no querrías traspasar el estatus quo del concepto seriamente, hay algunas cosas que no pueden ser deshechas.

P: Werewolf by Night #32 presenta a Moon Knight. ¿Cómo se te ocurrió la idea del personaje?

DM: Estaba intentando ampliar la galería de villanos a los que Werewolf se enfrentaba. Se me ocurrió la idea que Moon Knight fuese un mercenario; haría cualquier cosa por dinero. Pasé a la siguiente fase pensando que si iba a capturar a un hombre lobo, ¿cómo lo haría? Necesita tener armas de plata como los dardos en forma de luna creciente. También, quería que el traje del Moon Knight fuese excepcional, sin color, solo blanco. Lo hablé con Don Perlin, no quería que Moon Knight tuviese verdaderos superpoderes. Propuse a Don que sería genial si con su capa pudiera planear.

Len Wein era el editor en ese momento: Me llamó y me preguntó cómo iban a continuar los siguientes episodios. Le hablé sobre Moon Knight y en aquel momento yo barajaba unos cuantos nombres para el personaje incluyendo Blood Moon. A Wein le gustó el nombre de Moon Knight y acabamos quedándonos con ese.

P: Werewolf by Night #32 fue anterior a tu trabajo en Batman, ¿te sirvió de modelo Moon Knirght para Batman?

DM: Me vuelve loco cuando la gente dice que Moon Knight es un plagio de Batman. Nada podía estar más lejos de mi cabeza. Moon Knight se creó para ser un villano de Werewolf by Night. La gente dice que Batman es el caballero oscuro pero cuando creé a Moon Knight fue en el contexto de Werewolf by Night. Era tanto un mercenario de alquiler como un caballero a la antigua. No estaba seguro en ese momento si Batman se llamaría El Caballero Oscuro.

P: ¿Recibiste cartas sobre el personaje de fans tras su primera aparición en la serie?

DM: Creo que sí. El editor de entonces quería que hiciese una aventura autoconclusiva en Marvel Spotlight porque recibieron reacciones positivas sobre el personaje.

P: ¿Alguna vez consideraste mantener a Moon Knight como un verdadero villano?

DM: Sí. Era lo que había planeado. Sería un villano recurrente durante el primer año o así. Estaba construyendo una galería de villanos para Werewolf.

P: En los episodios #34 a 37 aparecen uno de los más interesantes villanos de Werewolf, Belaric Marcosa. Esos números muestran desde policías zombis hasta una genial casa encantada. ¿Qué influyó en ti para construir este personaje e introducirlo en la historia?

DM: Ese fue el peor plagio que yo he hecho en mi carrera. Estaba basado en la Hell House de Richard Matheson. Leí ese libro unos cinco años antes. En cuanto admito que era un plagio, en su mayor parte lo hice inconscientemente. Estaba escribiendo una enorme cantidad de material entonces, Estaba haciendo en algunos momentos el equivalente a un cómic al día.

Estoy maravillado que mi novia en aquella época, que ahora es mi esposa viviera conmigo por entonces. Estaba constantemente trabajando. Me levantaba de la cama y empezaba a escribir, comía, volver a escribir, dormir, etc. Sé que muchas del argumento era nuevo y fresco pero el concepto básico era de Hell House.

P: Los dos últimos episodios de Werewolf by Night #42 y #43 parecen llevar al personaje en una dirección diferente que los episodios previos. Jack hacía equipo con Iron Man y se transformaba en un superhéroe. ¿Por qué el personaje cambió en esa dirección?

DM: Recuerdo que Archie Goodwin fue el editor que me llamó y me dijo que las ventas de cómics de terror estaban bajando. Pensaban que el único que podía sobrevivir era el cómic de Tomb of Dracula. Querían intentar una última cosa para que las ventas de Jack subiesen, introduciendo superhéroes invitados. El primer héroe que estaba disponible era Iron Man y querían usarlo en el cómic. Yo no quería utilizarlo, pero no tuve elección.

P: ¿Cuándo te confirman que el episodio #43 sería el último de Werewolf by Night?

DM: Tuve ese presentimiento cuando Archie Goodwin me dijo que las ventas de los cómics de terror estaban bajando. Introducir como estrellas invitadas superhéroes era su último desesperado intento para ver si se incrementaban las ventas. Las ventas fueron grandes cuando al principio empezaron a hacer terror, así que Marvel inundó el mercado. Después de ese momento las ventas descendieron y cancelaron todo.

P: Finalmente, cuando repasas tu paso por Werewolf by Night, qué consideras que fue lo mejor de tu trabajo?

DM: Werewolf by Night #31. También las historias de Belaric Marcosa en los episodios 34-37, Glitternight y Moon Knight.

P: ¡Gracias por tu tiempo, Doug!

Traducción de una entrevista realizada a Gary Friedrich en 2009 en la que explica el origen del Motorista Fantasma (y otros).

HH: Apareciste con la nueva ola de escritores Marvel tras que Stan Lee contratara a Roy Thomas en torno a 1965, ¿Correcto?

GF: Roy y yo somos de Jackson, Misuri, unas cientos de millas al sur de San Luis. Roy fue a Nueva York primero y me recomendó poco después.

HH: Pero no empezaste a trabajar para Marvel directamente, ¿hiciste algún trabajo para Charlton Comics primero?

GF: Realicé algún trabajo de freelance para el editor de Charlton Dick Giordano y también escribí para una compañía de chicles el texto de su colección de cromos de Tarzan.

HH: ¿Cromos de Tarzan? Tremendo! No lo sabía.

GF: Finalmente, empecé a trabajar para Marvel en Septiembre de 1966.

HH: Cuando estabas en Charlton hiciste algo para The Ghostly Tale pero también trabajaste en alguno de los cómics de superhéroes de Steve Ditko.

GF: Blue Beetle. Realicé los diálogos para los cómics originales de Blue Beetle.

HH: ¿Cómo era por entonces trabajar con Ditko?

GF: La mayoría de las veces escribía directamente los guiones para Ditko, pero en Blue Beetle, tenía reuniones con Steve donde él me detallaba la trama y me daba unas indicaciones generales. Luego se cargaba las tramas con sus dibujos y yo seguía adelante y escribía el diálogo.

HH: La reclusión de Ditko es legendaria y tú eres una de las pocas personas que actualmente le ha visto en carne y hueso

GF: :RISAS:

HH: Cuándo fichaste por Marvel, empezaste en los títulos del Oeste, ¿verdad?

GF: Hice los títulos del Oeste, pero realmente empecé en Millie the Model primero. Stan (Lee) nos hacía a todos empezar en Millie. Luego pasé a los cómics del Oeste, Sgt Fury , despues The X-Men. Escribí todos los personajes Marvel de aquel período en un momento u otro.

HH: Al buscar tu nombre en una base de datos de cómics para preparar esta entrevista, noté que prácticamente todo título Marvel de la Silver Age tenía una entrada realizada por ti. De hecho, recuerdo como una de mis primeras experiencias como comprador de comics esos packs con tres cómics Marvel que incluía Hulk #153, el número donde capturan a Hulk y le someten a juicio. Matt Murdock es su abogado. Me encantaba ese cómic cuando era crío y estaba fascinado con descubrir quiénes eran todos esos héroes que testificaban a favor y en contra.

GF: Escribí muchos episodios de Hulk. Fui el primer tipo en escribir Hulk después de Stan. Cuando Hulk acabó teniendo su propio título otra vez (Incredible Hulk #102) le sustituí.

HH: Creaste al Motorista Fantasma y al Hijo de Satan, ¿verdad?

GF: …Y también a Phantom Eagle.

HH: ¡ No me había dado cuenta de eso!

GF: Lo creé con Herb Trimpe. Hicimos un episodio (Marvel Superheroes #16), y, luego por supuesto Herb y yo creamos a Hijo de Satán también.

HH: ¿A qué título le tienes un cariño especial?

GF: Hice tanto Sgt. Fury que era casi como mi compañero de habitación. Nick (Fury) y yo hemos mantenido una estrecha relación a través de los años. Tengo un cariño especial por Sgt. Fury.

HH: ¿También hiciste algún trabajo con los personajes de Jack Kirby creó para Topps?

GF: Bombast. ¡Un episodio!. Creía que les esperaban cosas mejores, pero nunca pasaron.

HH: He visto referencias en Internet a algunas novelas que has escrito.¿Qué puedes contarnos sobre eso?

GF: Escribí una novela del Oeste sobre un cantante country para una pequeña editorial de libros de bolsillo. Hice una enciclopedia sobre Country y Western con Len Brown y otra sobre rock and roll y también un libro de preguntas sobre rock and roll

HH: Parece existir cierta confusión sobre los orígenes del Motorista Fantasma. Existe un precedente de Motorista Fantasma que hiciste para Skywald llamado Hell Rider, y luego había un villano llamado Stunt Rider que tú y Roy introdujisteis en Daredevil. ¿Puedes aportar alguna luz sobre qué personaje apareció primero y cómo apareció el Motorista Fantasma?

GF: Personalmente no recuerdo ese villano, “Stunt Master” creo que se llamaba. Roy parece ser que lo creó para un episodio de Daredevil que yo guionicé pero él no tuvo nada que hacer con el Motorista Fantasma. Había estado pensando en la idea del Motorista Fantasma desde hacía tiempo.

HH: ¿Hell Rider apareció primero?

GF: Hell Rider apareció primero. Sol Brodsky (editor de Skywald) me llamó y quería que hiciese algo para él. Le dije que no me importaba hace un motociclista para él. No quería ofrecerle mi idea del Motorista Fantasma sobre como Skywald estaba yendo y no quería desperdiciar mi gran idea con ellos si las cosas no salían bien. Reservé el Motorista Fantasma y surgió esa cosa disparatada cosa llamada Hell Rider.
HH: ¿Y el debut de Hijo de Satán fue por entonces también?

GF: Stan tenía la idea de que quería un personaje llamdo Hijo de Satán. No tenía idea de por qué ni donde aparecería. Realmente tenía el nombre y quería que creásemos un personaje basado en eso. Adivino lo que bullía en su mente. Dijo “Quiero un titulo llamado Hijo de Santán. ¡Hazlo!”.

HH: “El Exorcista” y “La semilla del diablo” estaban de moda entonces, e imagino que algo tendrían que ver con ello.

GF: Así que nosotros introdujimos el personaje de Damien Hellstrom en la series del Motorista Fantasma para comenzar.

HH: Muchas gracias por tu tiempo, Gary. Fue un placer reunirme con una de las superestrellas del viejo bullpen de Marvel.

GF: De nada.

(Desgraciadamente, el veterano Gary Friedrich vuelve a estar de moda como consecuencia del juicio que entabló con Marvel por la autoría del personaje del Motorista Fantasma y la consiguiente participación en los beneficios de las películas sobre el personaje. Friedrich ha perdido ese juicio y Marvel le demandó por el beneficio obtenido por Friedrich dibujando comissions en los salones de los personajes que “no” creó para la Casa de las Ideas. Friedrich está en la ruina y Neal Adams y otros se están movilizando para intentar echarle una mano y que no pierda su casa. He traducido esta entrevista que Wayne Bertsch le realizó en el 2009 y en la que Friedrich aporta bastante información sobre la creación del Motorista Fantasma y otros personajes que ahora parece ser “no” creó. Me parece un final muy triste para todo un artesano de la vieja Marvel pero los tiempos han cambiado y ahora en Marvel precisamente no impera el romanticismo… Suerte, Gary).

Gil Kane, un visionario.

No veo por qué necesariamente los cómics tienen que estar limitados. Tampoco creo que debamos eliminar los cómics de super-héroes, o eliminar algo que ya tenga un público, o algo que tenga interés. Otra cosa, y esta es bastante peor, es que todo el mundo que contratamos para el medio son seguidores del mismo. Reclutamos a todo el mundo entre las bases de fans. Los fans crecen sin hacer otra cosa que leer cómics, leer material que se parece a los cómics, ven películas que parecen cómics, y todo lo que quieren hacer a la primera oportunidad que tienen es dibujar cómics como siempre se han estado haciendo. Y ese es el tipo de personas que se contratan en este negocio.

(Este párrafo pertenece a una charla en la que participó Gil Kane a principios de los ochenta publicada en “Comic Journal” y traducida por Frog2000 aquí. Más allá de los interesantes comentarios de Kane sobre distintos autores, todo lo que comenta sobre el medio y todo lo que le rodea es básicamente aplicable al momento actual. ¿Tan lentamente evoluciona el cómic?).

Ramón Boldú y la pintura.

M.B: Durante una temporada te dedicaste a la pintura. Quisiste ser artista.

R.B: Sí, me fui a Madrid e hice una exposición, pero el que llevaba la galería tenía Síndrome de Down, literalmente. El problema con las galerías de arte es que realmente no miran lo que haces, si es bueno o no, sino conocer cómo has llegado ahí, qué historia tienes detrás. Cada galería tiene a sus 15 o 16 pintores, se los intercambian entre ellas y de ahí no pasan. Pero yo todo eso no lo sabía, pensaba que con esto de la pintura se podía ganar pasta. Venía del mundo del cómic y manejaba bien la composición. Luego me di cuenta de que todo lo que pintaba ya hacía 50 años que se había hecho. No vendí ni un cuadro. Expuse en Madrid y Valencia, pero no vendí nada de nada.

(El polifacético y gamberro Ramón Boldú en una completa entrevista publicada en el último "Mondo Brutto" da un repaso a su larga trayectoria sin pelos en la lengua. No tiene desperdicio).

Entrevista a Émile Bravo en Stripgids traducida.

Al principio no parece que esté de humor para una entrevista. Émile Bravo viene directo de una sesión de firmas. “Ahora mismo estoy harto”, dice, “¡Coleccionistas. No parecen auténticos lectores. Les ves aparecer de cualquier parte a la caza de un bonito dibujo!. Pero pronto el mal humor se le pasa. Sentado en una tranquila cafetería, con una buena taza de café, rápidamente cambia de humor y cuenta su historia de una manera viva, apoyándose en animados gestos. Es una historia de la que “Mi mamá está en América y ha conocido a Buffalo Bill” ocupa buena parte.

‘Soy amigo de Jean Regnaud, el escritor del libro, desde niño y he trabajado con él muchas veces. Hasta ahora hemos hecho cuatro libros juntos y nunca hemos tenido problemas. Normalmente, nosotros escribiríamos la historia juntos, y después yo dibujaría todo. Y ahí está. “Mi mamá…” fue una historia diferente. Jean vino a verme hace cinco años con el texto bajo el brazo (sonríe). Y, me dijo, “si te gusta, quiero que lo ilustres”.

Leí el texto de “Mi mamá está en América y ha conocido a Buffalo Bill” y me emocionó. Conocía a Jean desde hacia años, y sabía que había perdido a su madre a muy temprana edad. Lo que no sabía era en que circunstancias él descubrió que su madre había muerto… Estaba completamente abrumado por la historia, y no creía que fuese la persona idónea para ilustrarla – eso era por lo que me había emocionado tanto. Conocía a todos en la historia. Al padre de Jean, a su hermano, a sus abuelos. Hasta a la niñera. Era muy duro, emocionalmente hablando. Pero al final Jean logró convencerme, precisamente porque yo era alguien cercano, y los conocía a todos. Pero eso no lo hizo más fácil, siendo honestos’.

P: Dices que ilustraste el libro. ¿Hay alguna diferencia entre la ilustración y tus otros trabajos artísticos?

B: “No, realmente, no. Nosotros no queríamos hacer un cómic tradicional, con una secuencia de viñetas o un número de páginas prefijado. No estaba realmente interesado en seguir las clásicas convenciones para un cómic. Viñetas fijas o no es algo que no podría importarme menos. Crear un cómic para mí es simplemente contar una historia en pocos dibujos. La relación entre el texto y el arte no es tan importante para mí. La historia debe ser narrada a lo largo del texto y el dibujo, sin embargo. Toma el libro de “Spirou” que he creado. Fue una historia con obvias referencias a la gramática de los cómics clásicos infantiles, porque era el formato dominante en los años treinta, cuando Spirou apareció.por primera vez. El rígido formato con tiras secuenciales de viñetas encadenadas separadas es una parte inherente a ese lenguaje.’

“Pero, más allá de aquello, ¿qué hace de un cómic un cómic?. Para mí es muy simple. Un cómic es un conjunto de imágenes y diálogos presentados como un todo. Si no tienes diálogos, el texto funcionará a un nivel puramente narrativo. En el caso de un cómic, el texto está predominantemente limitado a los diálogos. Y el resto debe ser contado, o mostrado, a través de los dibujos”.

Para “Mi mamá está en América y ha conocido a Buffalo Bill” yo utilicé muy conscientemente un número muy limitado de colores para definir el humor de la historia. Cada capítulo con su color predomiante, es un apoyo al mensaje que estoy intentando comunicar. Cuando el pequeño Jean aprende que no está muy lejos, uso un claro, casi agresivo tono de rojo. Pero en el texto no encontrarás patetismo y eso es lo que particularmente me gusta del libro. Puede conmover a sus lectores sin recurrir al melodrama. El pequeño Jean aprende que los adultos le mantienen oculto algo importante. Pero al final esto le permite ser un poco más libre, un poco más independiente, sin el lastre del desconocimiento.

P:” Mi mamá está en América y ha conocido a Buffalo Bill” usas un estilo ingenuo, muy simplificado. ¿Es para atraer la atención de tus lectores más jóvenes?

E:B: Evidentemente. Es una historia tan buena para los niños como para los padres. No hay que equivocarse, que sea una historia cruda o polémica no significa que no esté dirigida a los niños. Sería decepcionante que los padres no dejasen este libro a sus hijos. La obra pretende tender un importante puente entre la mirada infantil del mundo, y el modo en el que sus padres ven las cosas, con toda su experiencia. Puedo asegurarte que a los niños les encanta esta historia. Naturalmente, cada niño es diferente, y cada uno tiene su propia sensibilidad, pero todos lo pillan. Algunos siguen teniendo esperanzas que la madre aparecerá de algún modo (sonríe).

Creo que debería dejárseles acceder a cualquier buen libro, incluso si está fundamentalmente dirigido a adultos. Creo que este es el caso de toda la literatura clásica, los libros que no nos entretienen, pero que también te ayudan a crecer y comprender la vida. Me he impuesto la labor de usar mis cómics para preparar a los niños un poco para cuando ellos crezcan…Como sabes, la gente suele contar cuentos de hadas a los niños, cuentos que a menudo tienen un final particularmente horrible. Esos cuentos tenían una función esencial, advertían a los jóvenes sobre los cambios y los peligros de la vida. Y puedes estar seguro que necesitas prepararte, ahora más que antes. No creo que debas sobreproteger a los niños. Al Contrario, pienso que deberías traumatizarles un poco (ríe a carcajadas). Eso es porque es inmensamente más interesante hablar con los niños que con los adultos. No deberíamos aburrirles con cuentos moralistas. Simplemente deberíamos intentar ayudarles.

P: Déjame adivinar, ese también es el motor de tu serie Une Epatante Avonture de Jules (“Una maravillosa aventura de Jules”).

E:B: Para Jules normalmente empiezo a partir de sucesos que yo percibí cuando era muy pequeño. De algún modo, me di cuenta que todas esos cuentos de hadas no cuadraban, con sus cuentos de bellas princesas y horribles dragones. Estaba interesado en cosas más serias, cosas que podrías llamar cuestiones existenciales. A menudo pensaba sobre la vida y la muerte… Pienso que una de las razones era que mis padres eran bastante mayores cuando nací (risas). Estaba muy asustado que ellos murieran de viejos. ¿Qué pasaría conmigo entonces? ¿Y si morían, dónde irían? Esa eran las cosas que a mí me preocupaban.

Era, y todavía soy, un auténtico soñador, un chico que contemplaría las estrellas durante horas por la noche. Pero al mismo tiempo quiero saber cómo funcionan las cosas, y de qué forma llegaron a ser como son. Muy pronto me di cuenta que los humanos realmente no contamos mucho. La vida se acaba en un suspiro, así que deberías estar seguro que haces lo mejor la mayor parte de las veces. Y eso es lo que intento de algún modo introducir en cada historia (risas).

P: Te gusta situar a tus personajes en momentos claves de la Historia, como a Spirou en 1939 o Alekxis Sgrogonov en 1920. ¿Por qué es eso?

E.B: La gente a menudo tiene la sensación que ellos simplemente se adaptan a las cosas como vienen, con la Historia, pretendo discrepar. Creo que nosotros creamos la historia nosotros mismos. En Journal d’un Ingénu “Diario de un Ingenuo” Spirou, un simple botones, intenta influir en el modo que la historia transcurre a su alrededor. Un botones, una persona que apenas se ocupa de abrirle la puerta a la gente, intenta tener un impacto sobre cosas casi contra su buen conocimiento. Y al final él falla a causa de un estúpido incidente más allá de su control – después de todo, esto es un cómic, un relato, y no un ensayo histórico.

¡Pero la idea persiste! (ilusionado) ¡Si en este momento los políticos intolerantes o racistas – o peor aún, dictadores- son capaces de agarrarse al poder, nosotros como ciudadanos normales tenemos una cierta responsabilidad también! Lo que yo estoy intentando decir es que cada uno de nosotros existe como un ser individual, y que deberíamos actuar al máximo de nuestras propias capacidades. No deberíamos esperar a los héroes para saltar al escenario. Toma Alekxis Strogonov, que vive en el período de entreguerras. Ese periodo es particularmente interesante porque puedes ver como las consecuencias de la I Guerra Mundial incubarían lo que más tarde sería la II Guerra Mundial.

Mi padre fue un fugitivo español, que tuvo que escapar de su país a consecuencia de la Guerra Civil. Cuando era pequeño, a menudo me habló sobre aquel período y sobre qué pasó en el resto de Europa en aquella época. Era un joven soldado republicano que hacia su servicio militar en Barcelona cuando la guerra estalló. Casi fue alistado en el ejército franquista. Mi abuelo fue un oficial del ejército que estaba acuartelado en Zaragoza que se había puesto el bando de Franco al inicio de la guerra.

En su historia, mi padre nunca habló sobre sus acciones heroicas, o los combates – hablaba a menudo sobre sus convicciones políticas, y sobre como la guerra había formado aquella conciencia. Tuvo que escapar a Francia, como muchos otros de sus compartriotas. Así que, casi debo agradecer a la Guerra Civil Española que yo esté aquí ahora (risas). Quizás esa es la razón por la que estoy tan interesado en la historia.

Creo que es muy importante que la gente tenga una buena comprensión del pasado. Lo que me interesa en mis propias historias, como Strogonov pero también Spirou, es el aspecto de los personajes. No deberías hablar de la historia por la historia. La Historia a menudo es un gran revoltijo, algo que nadie es capaz de desliar del todo. Alekxis Strogonov acaba en Berlin y conoce una banda de ultranacionalistas alemanes – ¡ él es ruso! No está realmente claro para él en aquella época lo que aquella banda significa, y de lo que son capaces.

P: ¿Por qué volviste a la Bruselas de entreguerras con Spirou?

E.B: ¡ Porque Spirou es un belga! Y porque Bélgica me fascina. Es un país fantástico. Soy un antinacionalista convencido – Viajo mucho, y encuentro seres humanos en todos los sitios, ni alemanes ni americanos, ni cualquier otra cosa. Todos esas autoproclamadas “culturas” – ¡ No pertenecen a un único pueblo! Todos forman parte de todas las culturas. Las culturas y religiones pertenecen a todos, incluyéndote a ti. Eres un ser humano, lo que te convierte en parte de la humanidad. No veo como puedes reivindicar una cultura propia…Eso es lo que los nacionalismos hacen, reivindican diferentes aspectos de la cultura como propios y a menudos de una manera brutal y violenta. Ellos reivindican la “única” y “verdadera” identidad de un pueblo… Eso es una tontería”.

Los franceses son muy buenos en eso. Ellos te enseñarán aquella historia gloriosa, “la Francia de siempre” y nuestros antepasados, los galos… Pienso que están estafando a la gente, para ser honesto. Si tú aplicas eso a Bélgica, verás un pequeño país que ha sido pisoteado por ejércitos de todas las esquinas del mundo durante siglos. Eso proporciona un humor surrealista y la carencia de un “nacionalismo belga”. Los belgas tienden a no tomarse a sí mismos demasiado en serio, y esa es una cualidad que me gusta mucho. Pero hay siempre cierta gente que intenta beneficiarse políticamente de ciertas insatisfacciones.

Las cosas no tienen esa grandeza en Francia en este momento, sabes. Ellos están recortando en salud y educación. ¿La razón? ¡ Estamos dirígidos por una panda de imbéciles! Tengo una teoría sobre eso. En el pasado la gente estaba entumecida por el hambre y largas jornadas de trabajo. Hoy en día estamos enmudecidos por los medios de comunicación, por la televisión. La televisión podría ser un fantástico medio si nosotros la usáramos para la comunicación y la educación. Ya no somos ciudadanos sino meros consumidores. ¿Cómo esperamos convivir juntos? Todos pensamos solo en nuestro propio beneficio. Me preocupa decir esto, realmente. Pero espero que el simple hecho de hacer libros para niños provoque de algún modo una diferencia. Siempre y cuando los jóvenes empiecen a pensar sobre las cosas que leen, hay esperanza. No hablo sobre armarse y lanzarse a las barricadas. Es usar la televisión de un modo más consciente y cómo dejar de estar asustado.

La gente está asustada de todo. Los libros para niños probablemente no cambiarán eso demasiado pero siempre intento cambiar las expectativas de la gente, y hacerles pensar: las princesas pueden ser increíblemente feas, o un dulce osito puede ser muy cruel, cosas como esas.

P: ¿Qué podemos esperar de ti en el futuro?

E.B.: De momento estoy preparando el próximo libro de Jules, el sexto. Es sobre el fin del mundo. No sobre todos los desastres ecológicos que están vaticinando, sino sobre la condición humana. Probablemente lo usaré para presentar algo de mis propios traumas, cosas como la posesión, el beneficio, la organización de la sociedad, la carrera de locos institucionalizada… Cuando voy a escuelas y hablo a los alumnos, comprenden de lo que estoy hablando muy bien. Esa es una de las grandes ventajas de series como Jules: hace el diálogo intergeneracional posible. Los chicos preguntan a sus padres o abuelos qué es el universo, o Dios, o en que ocupan el tiempo… Cuando hablo a los chicos en clase siempre empiezo con la misma pregunta, la pregunta que debería ser planteada una y otra vez “¿Quién soy yo?” Esa pregunta cambia tu punto de vista, y todas las cosas se vuelven más relativa. Quiero lograr que la gente piense y hable. Cuando consigo eso, soy un dibujante feliz.

(Por su posible interés para los aficionados españoles, he traducido esta completa entrevista realizada a Émile Bravo por Roel Drenen para la revista belga Stripgids y que fue publicada en inglés hace unos meses aquí).

Joe Simon, creador del género romántico.

¿Cómo se te ocurrió la idea de crear los “cómics románticos”?

SIMON: Fue algo obvio. Estaba en el Servicio y se estaban vendiendo muchos “Boy Commandos” y “Donald Ducks”, ya sabes, todo ese tipo de material. Y empecé a mirar a mi alrededor, y vi a esas chicas que estaban leyendo ese mismo material, y pensé, “Realmente, en esos cómics no hay nada para ellas”. Recuerdo que mi padre y mi hermano solían leer aquellos libros románticos auténticos, y en un momento dado enviaron una historia a un concurso. [Se ríe] Mis padres, que no tenían ningún tipo de habilidad para la escritura, se sentaron y empezaron a escribir su propia historia romántica. Y pensé: “Bueno, eso también podría convertirse en un comic-book”. Nos habría gustado que sonase un poco pornográfico para la época, o por lo menos que fuera algo que pasase por tal, pero en realidad era algo muy inocente, estaba orientado a las quinceañeras. Así que de ahí me vino la idea.

(Frog2000 sigue con la tercera parte de su traducción de la jugosa entrevista al recientemente fallecido Joe Simon originalmente publicada en “Alter Ego 76”. No tiene desperdicio y se puede leer completa aquí).

Clowes, liberado de estilos.

Desde Ice Haven, has estado utilizando un estilo donde cambias tu enfoque en cada páginas o cada pocas páginas. ¿Qué es lo que te movió a ello?

DC: Mi impresión es que ésa es una de las pocas cosas que puedes hacer en el cómic y no puedes hacer en ningún otro medio. Creo que el lector acepta todos estos estilos, y después de cierto punto puedes hojear el libro y ver al personaje dibujado de manera muy diferente a como lo viste en una página anterior, y no es extraño. Sugiere cosas que no puedes sugerir simplemente con la escritura o en el guión. Pero también pienso que es algo que sólo puede hacerlo un único artista. Creo que si tuvieras diferentes artistas acercándose al material con diferentes estilos, sería muy diferente. Creo que es algo interesante a descubrir, qué está presente en el trabajo incluso cuando están variando los estilos. Simplemente he encontrado un modo mucho más fuerte de trabajar. Es mucho más liberador para un artista sentir que puedes hacer cada página y cada viñeta del modo que te inspire más. Creo que lo que atasca a muchos artistas es que te ves atrapado dibujando en el estilo que has desarrollado. Me sentía así en el pasado, pensaba que tenía que seguir dibujando de la misma forma para mantener esta homogeneidad y el ritmo a través de un libro completo, y en realidad no hace falta.

(Interesantísima entrevista a Daniel Clowes que Gerardo Vilches ha traducido aquí).

Joe Simon y la perspectiva.

P: ¿Cómo se os ocurrió adquirir los derechos del Capitán América?

SIMON: Cuando tenía 24 años, lo que intentaba hacer era ganarme la vida. Yo era un producto de aquellos tiempos. Era una época muy mala, eran los tiempos de la Depresión y me encontraba muy feliz ganándome la vida. Todos lo éramos. Todos nosotros éramos una especie de vagabundos, éramos felices con casi nada. La gente dice: “Bueno, los Shusters y los Siegels, y los Simons y los Kirbys fueron estúpidos. Lo regalaron todo.” Pero nosotros nunca pensamos de esa forma.

Fue idea mía la de llegar a un acuerdo sobre los porcentajes del Capitán América. El jefe de contabilidad de Timely era Maurice Coyne, un chico que hizo que lo consiguiese, porque a ellos [a la editorial] no les gustaba mucho la idea. Maurice estaba allí desde el principio, pero también formaba parte de los que llevaban Archie Comics, así que conocía al resto de la MLJ. Maurice era la “M” de “MLJ”. Era un gran tipo, soltero. Fue idea suya que de alguna forma yo dispusiera del 25% de beneficio por la colección. Le di a Kirby una parte, pero no mucho. Un día Maurice me llevó aparte y me dijo que iban a pagar todos los gastos de oficina, los salarios y todo lo demás, con la colección del Capitán América.

(Frog2000 vuelve a dar en el clavo y nos ofrece la primera parte (de cuatro) de una jugosa entrevista realizada al recientemente fallecido Joe Simon para “Alter Ego”. Esta primera parte no tiene desperdicio y Simon analiza sus inicios en el negocio de los cómics en Timely, su relación con Jack Kirby y las primeras impresiones que le causó un muchachito llamado Stan Lee. Todo esto lo debéis leer aquí).

Punisher, aquél villano de tercera…

¿Qué te atrajo del personaje, especialmente considerando que en ese momento era de segunda o tercera fila?

SG: Esos personajes siempre son los mejores para empezar, para intentar hacerte un nombre. Cualquiera puede escribir una historia pasable de Spider-Man. Nadie se inmuta por eso. Pero crear algo exitoso con un personaje en el que nadie se digna ni a pensar es otra cosa. En aquel momento, en Marvel se consideraba a “The Punisher” como un payaso de tercera categoría. Me acuerdo que la gente de marketing me dijo (una semana antes de que saliese nuestro primer número), que los lectores de Marvel no estaban interesados en las aventuras de un asesino psicótico. Tan sólo les respondí que sí. Porque siempre me había gustado el personaje. Me gustaba su auténtica ambigüedad moral, todas sus evidentes contradicciones. Me gustaba la certeza de lo que se había propuesto hacer, aunque estuviese equivocado. Siempre he visto a “The Punisher” como a un villano. Ciertamente es un criminal que viola la ley de forma periódica, sin pensárselo dos veces. Es un personaje fascinante. Y yo quería escribir cómics criminales, quería escribir una historia acerca de un villano. Los villanos son mucho más interesantes que los héroes, y en particular mucho más que los héroes que generalmente se pueden encontrar en los comic-books. Quería hacer un cómic con un estilo de historia y de narrativa que no se hubiese visto nunca en los cómics Marvel (hasta ese momento), algo muy conciso, con un punto de vista filosófico particular. Mézclalo todo y obtendrás un personaje que no se alejará mucho del que terminé presentando en la mini-serie.

(Con mucho acierto, el amigo y vecino Frog2000 traduce una completa entrevista realizada en 2006 por David Gutiérrez al escritor Steve Grant en la que este analiza el despegue de El Castigador (Punisher) a raíz del impacto que supuso la excelente serie limitada que realizase con Mike Zeck en 1986 - en su momento publicada por Forum como complemento de Marvel Héroes- y que supuso el despegue y el éxito mediático del personaje. En el fondo, es la misma historia de siempre que ya hemos visto repetida tantas veces…Personaje con enorme potencial que nadie aprecia y no triunfa hasta que un joven autor con ganas y suficiente libertad aporta un nuevo enfoque. Y de paso demuestra que ya se contaban historias negras en los cómics de superhéroes antes de Brubaker. La entrevista completa aquí).

Stan Lee, ¿idiota?.

SL: Nunca he dicho eso. Estoy esperando a que alguien me diga qué es la violencia, y cómo eliminarlas de las historias. En otras palabras, me parece que toda historia está basada en un conflicto, en un problema que debe ser resuelto. Los niños quieren historias donde el conflicto sea más o menos físico. Los niños no leen historias donde no haya un conflicto físico y ese es el éxito de La isla del tesoro y similares. Estoy seguro de que podríamos tomar sus premisas y señalar un millar de cosas en La isla del tesoro que son dañinas, y entonces volvemos al mismo argumento. Podríamos tomar todos los clásicos del mundo, y como he dicho, podríamos coger la Biblia, que es el libro más dañino, lo siento, el libro más violento jamás publicado… El argumento es tan sofista, y tan ridículo, que yo mismo me siento como un idiota aquí sentado intentando razonar algo donde debería llegarse a una conclusión, pero usted ni siquiera intenta encontrar una solución, solo intenta proponer una discusión.

(Me resulta un poco sorprendente el poco eco que ha tenido en la blogosfera comiqueril la traducción que ha realizado Rafa Marín de buena parte del debate radiofónico mantenido por Stan The Man Lee y la doctora Hilde Mosse –discípula del célebre doctor Wertham- en 1968, en torno a la violencia en los cómics, el Code y la psiquiatría. El largo debate del que el párrafo anterior es una muestra nos acerca a un Lee en plena forma que pone contra las cuerdas a la Mosse en muchas ocasiones. No tiene desperdicio y merece la máxima difusión. Se puede leer completo aquí, aquí, aquí y aquí).

Y otra librería que cierra…

“Pero...¿Qué ha pasado para que un negocio como el mío en concreto se tenga que cerrar?¿Tan mal ha ido?. Bueno, realmente no, no ha ido tan mal. Al menos no al principio. No ganas dinero (creo que muy pocos negocios abren y ya empiezan a hacer caja a raudales; y hablo de pequeñas o medianas empresas, no de mastodónticos conglomerados de empresas) pero tampoco lo pierdes, y eso ya es positivo. Y así he estado practicamente todo el año, hasta el mes de Julio, mes en que todo empezó a torcerse. Y aún no me explico exactamente que pasó, si alguien dentro del sector me lo puede explicar, estaré encantado de escucharle. Las ventas empezaron a caer en picado. He intentado hacer lo que mejor sé hacer para levantar el negocio (presentaciones, exposiciones, ofertas, he tenido tanta presencia en internet como he podido...) pero nada de esto ha valido, y mientras los meses pasan sin pena ni gloria, los pocos ahorros que tenía se han ído esfumando”.

Un extracto de la despedida y las sinceras explicaciones que Eduard, el dueño de la barcelonesa Pictográfics, da para justificar el cierre de su librería y que podéis leer completas aquí. La verdad, es que leyendo el texto completo es fácil entenderle porque, mires donde mires, es una situación desesperante que se repite sin parar y está acabando con las ilusiones y el pan de mucha gente.

En estos dos años, he seguido desde la distancia de las redes sociales la ilusión que Eduard ha puesto por dar, junto a la sostenibilidad económica que toda empresa precisa, difusión a la novela gráfica, en particular, y construir un espacio digno para el Cómic, en general. Creo que esos objetivos los había logrado y por eso da más pena que tenga que cerrar.

Que miedo da el 2012...

Alvin Schwartz (1916-2011) y la verdadera historia del origen de Bizarro.

Nos hemos enterado estos días de la muerte de Alvin Schwartz guionista que durante los años cuarenta y cincuenta realizó numerosos cómics para DC en sus principales series, destacando sobre todo en Superman y Batman, encargándose incluso de sus respectivas tiras de prensa.

De todos modos, la gran contribución de Schwartz al universo DC fue sin duda la creación de Bizarro, esa extraña criatura a medio camino en sus inicios entre Superboy y Frankenstein, que se presentó en Superboy 68, escrito por Otto Binder y dibujado por George Papp.

La explicación de esa aparente contradicción la explica Mark Evanier. aquí. Traduzco:

“Bizarro apareció por primera vez publicado en Superboy 68, escrito por Otto Binder. La segunda aparición impresa fue en la tira de prensa de Superman, que fue escrita por Alvin. Ambos fueron supervisadas por el editor Mort Weisinger. Alvin siempre dijo que el creó el personaje. No estoy seguro si el escribió el guión para el periódico primero o meramente inventó el concepto y se lo vendió a Weisinger pero él definitivamente afirmaba que todo fue idea idea suya. No hay registros de si Weisinger o Binder coincidían con esta versión y actualmente los tres han fallecido ya, por lo que es probable que esa versión de los hechos seguirá como la cierta. Realmente no habría sido extraño que los guiones hubiesen sido escritos en diferente secuencia respecto a sus fecha de publicación y Weisinger era conocido por tomar una idea de uno de sus escritores y asignársela a otro.

Tras abandonar el mundo del cómic en 1958 por cuestiones personales y laborales se ganó la vida escribiendo documentales para la National Film Board de Canada y varias novelas.

En 2006, recibió el Bill Finger Award por su contribución al mundo del cómic.

D.E.P,