Alcatena, los superhéroes y Conan.

P: Usted dijo en un reportaje del 96:”Al dibujante argentino no le gusta dibujar superhéroes, le interesa sólo por la paga”. Es resaltante, que dentro de su variada temática de sus publicaciones, se encuentren los superhéroes más destacados de la Marvel y la DC, incluyendo también la fantasía heroica encarnada en Conan el Bárbaro ¿Cual es el balance personal de su desempeño en el exigente mercado norteamericano? ¿Se siente satisfecho con lo realizado? ¿A qué se debe su fascinación por el personaje de Conan?

Alcatena: Cuando yo dije eso fue el 96. Todavía, comparativamente, había pocos dibujantes argentinos de superhéroes. Entonces hablaba desde la perspectiva de mi generación. A los dibujantes mayores que yo, no les interesaban los superhéroes, quizá los que vinieron después sí. Varios, realmente, no sé si les gustan mucho, pero ellos se educaron más con los superhéroes y se esfuerzan mejor por dibujar esos personajes. Hasta mi generación, yo era uno de los pocos que leía superhéroes. A los historietistas mayores no les interesaban para nada, no les entusiasmaban. Salvo Silvestre Szylagyi que era la solitaria mosca blanca, un lector fanático y la única excepción.

Yo me formé con las Novaro y más tarde descubrí las Marvel y me encantaron. Hasta ese momento no había interés por superhéroes en Argentina. A mi si me gustó dibujarlos y disfruté mucho algunos de los trabajos que hice para ellos. Fue un poco el sueño del pibe, dibujar a Batman, el personaje que uno ha leído de chico, dibujar Los Cuatro Fantásticos. Era gratificante pero fue un tiempo y ya está, no me interesaría volver a hacerlos, es más, porque la forma de hacer superhéroes que a mí me gusta, no es la que está en boga. El tratamiento que hoy en día se le da a ese género no me resulta interesante. No me gusta siempre la temática “realista” o “madura”. Para mí los superhéroes deben tener una cuota de ingenuidad, pues es absolutamente para chicos. Ahora lo veo muy adulto y el superhéroe para adultos, no me lo creo mucho. Salvo Watchmen que es una obra maestra, pero es otra cosa. Entonces fue una época de dibujante que disfruté. Es un mercado severo, pero no más que otros. Exigente en la medida que es muy riguroso con el cumplimiento de los tiempos de entrega, pero no les interesa que el trabajo sea superlativo, sino que esté a tiempo.

Conan es diferente porque es otra cosa, tiene que ver más con mis gustos permanentes. Cuando lo descubrí en el comic de Barry Smith el 70-71, fue descubrir la fantasía heroica, poco después también descubrí las novelitas de Conan, con las famosas tapas de Frazzetta, que me deslumbraron totalmente. Me gustaba porque el género de la fantasía heroica, de espada y brujería me resultaba muy cautivante. El hecho de mezclar la antigüedad, que siempre me había fascinado, con lo sobrenatural, con lo mítico, pero en clave de invento: Capas y espadas con brujería, era un coctel irresistible por todas las imágenes que suscitaban, pues está muy imbricado con toda la literatura de la épica: El rey Arturo, La Ilíada, los cuentos fantásticos de Las mil y una noches. Todo eso se encontraba en Conan.

Fue un personaje que me encantó. Me agradó mucho lo que se hizo en el comic, el trabajo de Barry Smith, de John Buscema. Eso sí, disfruté enormemente cuando hice mi temporada de Conan a principios de los noventas, porque ahí me sentía más a mis anchas. Era el universo en que a mí me gustaba moverme, no tanto el ámbito urbano de los superhéroes, sino este mundo más antiguo de espada, pues disfrutaba recreándolo. Conan es un personaje que me sigue cautivando. No haría esa fantasía del héroe musculoso si no me interesara tanto. Las cosas que hacemos con Eduardo Mazzitelli están inscritas en la fantasía también.
(Como parece que el trabajo de Enrique Alcatena nos gusta a unos cuantos y es un autor a reivindicar en España, enlazo la entrada anterior con un extracto de una de las más interesantes exhaustivas y recientes entrevistas que circulan por la blogosfera del dibujante argentino. Se trata de una extensa entrevista dividida en tres partes realizada por Gabriel Zárate para la FIL 2010 de Lima. Podéis leer la entrevista completa la podéis leer aquí, aquí y aquí).

Trailer de “Dylan Dog: Dead of The Night” de Kevin Munroe.

Os comento con algo de retraso el trailer de la próxima versión cinematográfica de “Dylan Dog”, el estupendo fumetti de terror creado por Tiziano Sclavi y Angelo Stanos para Bonelli y que aquí viene publicando a capa y espada Aleta Ediciones desde hace algunos años.

En fin, a mí el trailer me ha repateado bastante y por momentos me recordaba más a un “Blade” blanco (versión cinematográfica) que a “Dylan Dog”. Habrá que ver la peli pero si por lo menos sirve para consolidar definitivamente la serie en España durante unos cuantos años más y ganar unos cuantos lectores bienvenida sea.

“Imperator”, de Enrique Alcatena y Eduardo Mazzitelli.

Ha desembarcado en nuestras librerías de rebote a través de una edición de la peruana Ediciones Contracultura algunos ejemplares de “Imperator”, en el qu se recogen los doce capítulos de este peplum que el dibujante argentino realizase formando equipo con el también argentino Eduardo Mazzitelli para el mercado italiano en 2005 en un veterano tandem del que por aquí esta es la primera obra que nos llega.Nicias, hijo ilegitimo del Emperador es educado con esmero con su madre para entrar al servicio de su padre y sucederle. Sin embargo, cuando Nicias se presenta ante este es despreciado por su magno progenitor que le rechaza. Desalentado, Nicias vagabundea por las sendas de la Antigüedad realizando imposibles hazañas y viviendo aventuras que acrecientan una fama que despierta los celos de su padre quién envía uno tras otros a sus hijos legítimos a acabar con Nicias quién solo desea contar con el cariño de su padre. ¿Se reconciliarán padre e hijo o acabarán el uno con el otro en una lucha fraticida que desangre el Imperio mientras los dioses observan? Si no sois dioses, tendréis que leer el tebeo para averiguarlo.

Curiosamente, Alcatena y Mazzitelli invierten la tendencia en los peplums modernos como el meritorio “La Edad de Bronce” en los que predomina una búsqueda un tanto obsesiva del realismo para embarcarse en una aventura fantástica en la que revisitan los mitos clásicos elaborando la leyenda de su propio héroe, Nicias, cuyo vagar se convertirá en el vehículo idóneo para que Alcatena versione a las principales criaturas mitológicas en una Antigüedad fantástica basada en la cultura grecorromana en la que los humanos convivían con naturalidad con dioses, monstruos y titanes, y explorar constantes de los mitos clásicos como las tirantes relaciones paternofiliales.

A partir del correcto planteamiento de la historia de un Mazzitelli que sabe potenciar las cualidades de su compañero, Alcatena se explaya en lo que mejor se le da, recrear mundos barrocos, bellos y oníricos haciendo gala de todo su virtuosismo gráfico en un blanco y negro apabullante, de viñetas hipnóticas en las que el lector puede recrear la vista durante horas, aprovechando sus conocimientos literarios (no en vano es profesor de Literatura) en una obra en la que da lo mejor de sí mostrando en toda su magia, gloría y esplendor una época idealizada en la que realidad y ficción convivían y se retroalimentaban con naturalidad.

En definitiva, la aparición por el medio que sea de un cómic de Alcatena en España y más si atesora la calidad gráfica de “Imperator” siempre es una grata noticia y, hasta que alguna editorial patria se dé cuenta de la calidad que atesora este artista, esperemos que nos siga llegando este tipo de material desde allende los mares. Los seguidores españoles de Alcatena lo agradeceremos.

“La colina de Watership”, de Richard Adams.

Hay libros que disfruto con especial agrado. Aquellos que deberían haberse cruzado en mi vida mucho antes dado los lugares comunes por los que hemos transitado y que, por una u otra razón, se han mostrado esquivos hasta que alguien de confianza me lo ha recomendado (y yo he hecho caso a la recomendación, que tampoco es fácil). Es lo que pasa con “La colina de Watership” de Richard Adams cuya mi referencia en la memoria era una película de dibujos animados que en su momento no vi y su lectura por un carismático personaje en una exitosa serie de televisión que al parecer ha ayudado a volver a poner la obra en el candelero. Y, sin embargo, más allá de las modas televisivas, “La Colina de Watership” es una novela que está llamada a convertirse -si no lo es ya- en eso que llaman un "clásico moderno" a poco que le den una oportunidad. ¿Y de qué va esta novela? Pues de conejos.

“La Colina de Watership” describe la épica aventura de un grupo de conejos que encabezados por Avellano abandonan la apacible y agradable madriguera en la que viven siguiendo la advertencia de un sueño premonitorio del hermano de Avellano, Quinto. Tras diversas peripecias, los conejos se instalarán en la tranquila colina que da título a la obra y seguirán viviendo diversas aventuras en pos de su supervivencia y la de su madriguera.

Lo mejor que se puede decir de “La Colina de Watership” es que es una obra que trasciende las interpretaciones, las edades y los géneros siendo plenamente disfrutable desde un niño de primaria hasta desencantados jefes de ventas devoradores de libros de autoyuda y liderazgo. No tengo muy claro si Richard Adams cuando se iba inventando sobre la marcha la historia que sirve de punto de partida a la novela para entretener a sus hijos en los largos trayectos en coche lo tenía claro pero lo cierto es que el resultado final es una obra enormemente rica en interpretaciones que partiendo de la tradición fabulística de clásicos como Esopo o La Fontaine enlaza con la Orwelliana “Rebelión en la Granja” (con la que guarda más de una similitud) y sirve de antecedente a lo que últimamente viene publicando con acierto un Sam Savage.

Adams desarrolla con acierto una historia equilibrada en la que tanta importancia tiene la caracterización de los distintos personajes –cada uno con virtudes y características con los que resulta fácil identificarse- como una trama presentada con sencillez de la que derivan tantas posibilidades interpretativas como potenciales lectores devoren sus páginas . A partir de las distintas madrigueras conejiles que plantea, Adams realiza un profundo estudio de la sociología humana al tiempo que se permite un curioso ejercicio metaliterario elaborando“parábola dentro de la parábola” al incorporar en la sociedad de los conejos que conforman la madriguera héroes y mitos y leyendas que enriquecen la obra más allá del mero relato fantástico, convirtiendoun cuento para niños en un elegante guiño a las llamadas ciencias racionales.

En definitiva, cuando terminéis de leer “La Colina de Watership” os preguntaréis qué clase de conejos sois, qué clase de conejo os gustaría ser, en qué tipo de madriguera vivís y en cuál os gustaría vivir. La respuesta a esas preguntas os ayudarán a descubrir qué tipo de persona sois. Una novela imprescindible

Día de la mujer trabajadora 2011.

¡¡FELICIDADES A TODAS !!

Trueno 5.

Acuso recibo con cierto retraso de la aparición de un nuevo número de "Trueno", la revista que La Asociación de Amigos del Capitán Trueno sigue publicando contra viento y marea. Aparte de un buen número de interesantes artículos, para abrir boca el número cuenta con una portada inédita de Antonio Bernal que no está nada mal.

Más información aquí.

Trailer de “Arrugas”, de Paco Roca.

Primeras imágenes de ’Arrugas’, la adaptación del cómic de Paco Roca

El primer trailer de la versión animada del multipremiado cómic del valenciano Paco Roca.

Tengo dudas sobre como soportará el cambio de medio a pesar de la supervisión del autor pero, a pesar de ello, no dejéis de leer un tebeo mayúsculo.

“La otra América”, de Alex Ross, Ed Brubaker y Butch Guice.

Con el arco argumental “La otra América”, publicado en los números 60 a 63 de la numeración de Panini, se cierra el sexto volumen del “Capitán América” antes de reiniciar la numeración de nuevo por estas cosas del marketing editorial y dejar paso a la rimbombante “Edad Heroica”. Un arco argumental en el que se vuelve a apreciar lo absurdo de un modelo editorial en el que priman los criterios de venta y de entrecruzamiento de colecciones antes que primar la libertad creativa y la planificación de un autor.

En “La otra América”, Bucky y el Halcón siguen los pasos del fugado Capi de los Cincuenta quién se ha puesto en cabeza de un grupo paramilitar de descontentos que en lugar de refunfuñar contra el Estado como hace quién más quién menos se han armado y planean un macroatentado cataclísmico. Mientra Bucky –o sea el nuevo Capi- intenta de incógnito integrarse en el grupo terrorista con la cobertura de El Halcón no es consciente de que el trastornado Capi de los años Cincuenta le ha descubierto y tiene grandes planes para él.

Si algunos de los puntos fuertes en los guiones de Brubaker son el conocimiento de las etapas clásicas del Capi, la excelente ambientación de las historias y el dominio de las tramas de espionaje de agentes dobles y encubiertos, como quedó sobradamente demostrado en series como “Sleeper” o”Incógnito”, leyendo los primeros números de “La otra América” da la sensación que Brubaker tenía los mimbres idóneos para desarrollar una aventura excelente al nivel que mostró en sus inicios en la serie que algunos tanto echamos de menos. Una historia, que enlaza con la excelente saga del Capi de los Cincuenta desarrollada en los años setenta por el mejor guionista que ha tenido el Capi, Steve Englehart, en la que Brubaker ahondaría en la psicología del personaje al tiempo que exploraba su desconcierto ante los Estados Unidos actuales contextualizándolo en el descontento actual existente en amplios sectores de la deprimida “América Profunda” donde los valores de ese capi intransigente y ultraconservador encajaban como anillo al dedo macerado todo ello a fuego lento en una trama de espionaje en el que la tensión y los giros argumentales mantuvieran en ascuas a los lectores durante meses. Supongo que ese era el plan que tenía Brubaker, plan que se fue al garete con la dichosa “Edad Heroica” y su renumeración de las series de la línea vengadora (aunque otra posible explicación más siniestra es que Brubaker fuese “invitado” a suavizar la historia dadas las críticas al primer número desde sectores afines al “Tea Party”) quedando toda la historia en un excelente planteamiento resuelta con oficio y un desarrollo tópico y apresurado de una historia con mimbres como para haber dado más de sí.

En el aspecto gráfico, pasa un poco lo mismo y el desarrollo de Ross también va de más a menos con un acabado de Butch Guice que no le va demasiado a Ross. Los primeros números de la historia resultan mucho más atractivos con un Ross motivado y dinámico que los últimos en los que especialmente las caras parecen deformadas y extrañas omitiéndose en ocasiones los fondos.

En definitiva, un irregular broche final que paradójicamente sirve para valorar todo el volumen de Brubaker desde la brillantez de los inicios a la mediocridad previsible de las últimas entregas. Esperemos que una vez pasado el sarampión del cambio, el trabajo de Brubaker en el capi de “La Edad Heroica” salga fortalecido pero a mí me da mala espina.

Neal Adams y The Groundhogs.

Vamos a ponernos clásicos para recordar (aunque siempre le tengamos presente) al gran Neal Adams en una de sus trabajos menos conocidos.

Se trata de la portada, contraportada y cómic interior que realizó en 1972 para The Groundhogs, una de las mejores bandas británicas de rock de principios de los setenta y de la que hoy casi nadie se acuerda (menos The Jam que versionaron con tino uno de sus mejores temas, “Going underground”, pero esa es otra cuestión…). Un inspirado Neal Adams presentó en la portada del álbum “Who will save the world? The Mighty Groundhogs!” a los tres miembros del grupo que lo realizaron como todos unos superhéroes dispuestos a llevar a cabo su misión..

A continuación, una de las mejores canciones del disco, “Wages of Peace”, con un video setentero que parece realizado por Valerio Lazarov.

Robledo y el guión de cómic.

TB: ¿Creéis que existen algunos límites acerca del papel y el alcance que debe jugar el texto en la historieta?

José Manuel Robledo: En clase siempre les digo a los alumnos que el cómic es un medio visual: hay que contar las cosas con imágenes. Sólo cuando lo que intentas contar es demasiado denso se debe recurrir al texto. Pero siempre he creído que es un error emparentar el texto del cómic al texto novelesco; yo creo que se debe huir de lo literario. Para mi el texto en cómic tiene más que ver con el guión cinematográfico. El desarrollo del diálogo, incluso del monólogo interior, debe ser más cotidiano y accesible aunque se pueda en ocasiones derivar hacia algo más poético o profundo (en la vida real también pasa). Pero no entiendo esos cómics en los que el guionista de turno aprovecha cada acotación para hacerse valedor del Premio Planeta inundando cada viñeta de texto, la mayoría de las veces redundante consigo mismo y con la imagen. Mi novia dice que nunca ganaré un premio de guión porque los cómics que ganan esos premios suelen tener al menos un 60 % de la página dedicado al texto. Yo creo que la página perfecta de guión es aquella en la que has conseguido contar lo que querías sin el apoyo de ningún texto y KG tiene unas cuentas así.

(José Manuel Robledo y Marcial Toledano, autores de la recomendable “Ken Games” –aquí, aquí y aquí- responden las preguntas de Toni Boix en ZN. La entrevista resulta realmente interesante pero especialmente me lo han parecido las reflexiones que realiza Robledo acerca del guión de cómic y el uso de la voz en “off”).

El Cartel de la Mostra Comic 2011 de Valencia.

Vía La Cárcel de Papel me hago con el Cartel de la Mostra Comic 2011 de Valencia, obra de un inspirado Paco Roca, que está que se sale. El motivo se inspira en el perturbador “La isla de los muertos” de Böcklin pero no ha sido la primera vez ni el primer autor que ha rendido homenaje en sus cómics a los cuadros del suizo, como se puede comprobar aquí.

Mujeres de papel: Hulka.

Nacida de la fértil imaginación de Stan Lee y de los hábiles lápices de un inspirado John Buscema como una Hulk femenina nada podía hacer pensar que aquella mujerona se iba a convertir en uno de los personajes femeninos más atractivos y queridos por los aficionados y uno de los más importantes secundarios del Universo Marvel.

Lee no se esmeró demasiado en el origen de Hulka compartiendo en su origen numerosos puntos de conexión con su primo el timorato Bruce Banner aunque con una sutil diferencia, tras la transformación que convertía a la apocada abogada Jennifer Walters en la gigante esmeralda merced a una transfusión de la sangre del primo esta mantenía tras el shock inicial su personalidad e inteligencia intacta lo que la convertía en un personaje mucho más maleable que su gigantón primo por aquella época cuyo intelecto no iba más allá de “Hulk aplasta”, “Hulk ser más fuerte”. La primera serie de “Hulka” duró apenas 25 números y no tiene nada especialmente reseñable pero el personaje era tan reseñable y simpático que John Byrne se lo apropió en buena hora para incorporarlo a “Los 4 Fantásticos” tras haber pasado previamente por el otro gran supergrupo de la Casa de las Ideas “Los Vengadores”.

Byrne dio a Hulka su personalidad definitiva y no contento con ello desarrolló al personaje en una nueva serie propia que fue de lo mejorcito dentro del género a finales de los ochenta y principios de los noventa, “The Sensacional She-Hulk” que llegó a los sesenta números. Un inspirado Byrne dinamitó definitivamente todas las convenciones en una serie en la que los elementos cómicos y la interpelación constante de la protagonista a los lectores daba un aire de originalidad y frescura a la serie. Hulka en su versión de mujer liberada y sexy de los noventa llegaba a asumir con naturalidad su rol de personaje de cómics abriendo un campo de posibilidades que Byrne supo explorar como nadie en el que seguramente sea su canto del cisne en Marvel.
Tras la cancelación de la serie y aún manteniendo una presencia constante en las series Marvel los distintos intentos de relanzar al personaje con distintas series regulares guionizadas por Dan Slott y Peter David y otras miniseries no han tenido el éxito esperado, sumido el personaje en la misma depresión continua que la mayor parte de los superhéroes Marvel. Una lástima porque Jen ha sido uno de los personajes más frescos y originales de la Compañía de las Ideas, aunque siempre nos quedará la Hulka de Byrne (siempre y cuando alguien se decida a reeditarla, claro).

Gilgamesh en España

001 Ediciones ha sido la que ha tenido el buen tino de publicar este "tebeo olvidado" del que hablamos por aquí. Espéremos que venda lo suficiente para que le acompañen pronto otras obras de Robin Wood.

“Hellblazer: Ingresado”, de Peter Milligan y otros..

Cuarta entrega ya de las aventuras de John Constantine firmadas por el británico Peter Milligan que reúne los números 267 a 270 de la serie regular norteamericana. Milligan se ha convertido en el dueño y señor de la serie introduciendo nuevas situaciones y personajes como se muestra en este nuevo arco argumental en el que recupera a uno de sus grandes personajes, Shade, el hombre cambiante.

Tras una monumental bronca, las cosas no andan muy allá entre Constantine y Epiphany su nueva amiga especial. Los sentimientos encontrados por haber golpeado a su compañera en no recuerda muy bien qué circunstancias chocan con la realidad cuando aparentemente esta empieza a desmoronarse ante sus ojos. Ingresado de nuevo en un psiquiátrico público, John va a tener que recurrir a un viejo conocido que no guarda precisamente un buen recuerdo de él, Shade, el hombre cambiante. ¿Escapará ileso Constantine del psiquiátirco?¿Le perdonará Epiphany? ¿Está nuevamente maldito John o simplemente loco? Tendréis que leeros el tebeo para descubrirlo.

Retomar un personaje tan reconocible para el aficionado e insuflarle nueva vida proponiendo nuevas ideas y situaciones no resulta tan sencillo como pueda presuponerse. Milligan le ha puesto ganas y ha convertido la serie regular de “Hellblazer” en una lectura realmente entretenida en la que nos sorprende entrega a entrega con nuevas alternativas. En esta ocasión, estamos ante un arco de transición que tiene como principal reclamo la presencia de Shade, el hombre cambiante, un personaje creado por Steve Ditko que permanecía en barbecho hasta que sirvió de carta de presentación para el gran público de Milligan en una de las series más sorprendentes del sello Vertigo. Milligan retoma la situación de los personajes rescatando el único encuentro anterior entre ellos ocurrido en la serie para explicar el recelo que siente Shade hacia Constantine y al tiempo se guarda una última sorpresa que dará bastante que hablar en la próxima entrega.

En el aspecto gráfico, la presencia de Bisley se reduce a las portadas recayendo toda la responsabilidad gráfica en el dúo italiano conformado por Camuncoli/Landini. Si en anteriores entregas les otorgaba el beneficio de la duda en esta ocasión me las han despejado definitivamente con un resultado excesivamente discreto para una serie que se merecería un dibujante titular de mayor calidad que se alternara con Bisley. Camuncoli y Landini son buenos narradores pero con un estilo bastante impersonal y un tratamiento del aspecto de los personajes que no me acaba de convencer para una serie del corte de “Hellblazer”, emborronando la buena labor de un Milligan que propone una lectura entretenida que se lee con agrado.

En definitiva, una etapa la de Milligan que está resultando realmente divertida y se lee con agrado insuflando nuevas posibilidades a una propuesta que parecía inevitablemente llamada a repetirse.

Nominados del Salón de Barcelona: valoración y apuestas.

Desde ayer se ha hecho publica la relación de nominados a los XXIX Premios del Salón de Barcelona organizado por Ficomic y enseguida se ha abierto el debate acerca de los mismos planteando una serie de cuestiones interesantes.

Es cierto que este debate paralelo no es nuevo y en cierto modo forma parte del “espectáculo” pero ello no debe servir para que la organización no escuche algunas de esas voces críticas y plantearse para futuras ocasiones establecer algún tipo de mecanismo para proteger el propio prestigio de los premios si realmente lo que se pretende es ensalzar calidades y no potenciar simplemente marketings o currículums personales.

En mi opinión, habría que evitar los premios “de oportunidad” tanto en categorías -¿alguien entiende y da credibilidad a un premio a la mejor adaptación cinematográfica de un cómic? ¿Qué pasará con este premio cuando dejen de estar de moda esas adaptaciones?- como en la selección de las obras evitando nominar series que no hayan concluido aún o nominando en todo caso arcos concretos o episodios puntuales que destaquen dentro de los mismos. “The Walking Dead” es una maravillosa serie, avalada por las ventas -¡¡¡200.000 ejemplares vendidos en España se dice pronto!!!- y una adaptación televisiva que ya hemos comentado…hasta el momento pero parece aventurado nominar como mejor obra extranjera una serie abierta que no sabemos si en el futuro va a mantener la calidad –y de hecho sería discutible incluso que lo publicado a lo largo de este año es mejor que lo publicado en años anteriores- pueda figurar ya en el palmarés que de un modo u otro es lo que queda y se hace también difícil de entender que se haya quedado fuera de las nominaciones –que para mí son más importantes que quién gana finalmente salvo sorpresa mayúscula- alguna obra de calidad incuestionable como “Notas al Pie de Gaza” que destacamos aquí.

Por otro lado, no sé si las peticiones de mayor transparencia o conocer la identidad de los que votan son requisitos necesarios. En los Oscar no se sabe quiénes son los famosos miembros de la Academia ni las intrahistorias que se mueven entre bambalinas ni falta que hace pero lo que deberían plantearse desde Ficomic –aunque quizás ya lo hayan hecho, claro- es saber a qué modelo de premios optan, a uno en los que prime la popularidad o la calidad. Una duda que edición tras edición no acaba de resolverse y que inevitablemente siempre va a generar polémica.

En fin, tras esta perorata, publico los nominados con mi apuesta subjetiva acerca de los premiados en rojo que no coincide necesariamente con mis gustos personales. A ver cuántos acierto este año…

Mejor obra
Blacksad 4. El infierno, el silencio, de Juan Díaz Canales y Juanjo Guarnido (Norma Editorial)
El invierno del dibujante, de Paco Roca (Astiberri)
Ken Games 3: Ciseaux, de José Manuel Robledo y Marcial Toledano (Diábolo Ediciones)
Autobiografía no autorizada 3, de Nacho Casanova (Diábolo Ediciones)

Mejor guión
Blacksad 4. El infierno, el silencio de Juan Díaz Canales y Juanjo Guarnido (Norma Editorial)
El invierno del dibujante, de Paco Roca (Astiberri)
Ken Games 3: Ciseaux, de José Manuel Robledo y Marcial Toledano (Diábolo Ediciones)
Duelo de caracoles, de Pere Joan Y sonia Pulido (Ediciones Sins Entido)

Mejor dibujo
Blacksad 4. El infierno, el silencio, de Juan Díaz Canales y Juanjo Guarnido (Norma Editorial)
El invierno del dibujante, de Paco Roca (Astiberri)
Ken Games 3: Ciseaux, de José Manuel Robledo y Marcial Toledano (Diábolo Ediciones)
Jazz Maynard 4. Sin esperanza, de Raule y Roger (Diábolo Ediciones)

Autor revelación
Ximo Abadía
Jesús Alonso Iglesias
David Sánchez
Martín Tognola

Mejor revista
Cthulhu (Diábolo Ediciones)
Dolmen (Dolmen Editorial)
Retranca (Retranca Editora)
Usted está aquí (Dibbuks)

Mejor fanzine
Adobo
Andergraün
El Naufraguito
Zocalo

Mejor librería especializada
Arkham
Joker
Madrid Cómics
Universal

Premio a la divulgación
Borja Crespo
Santiago García
Pedro Porcel
Yexus

Mejor obra extranjera
Asterios Polyp, de David Mazzucchelli (Ediciones Sins Entido)
En mis ojos, de Bastien Vivès (Diábolo Ediciones)
Los muertos vivientes, de Robert Kirkman y Charlie Adlard (Planeta DeAgostini)
Wilson, de Daniel Clowes (Random House Mondadori / Ediciones La Cúpula -edición en catalán-)

Mejor película basada en un cómic o donde la historieta sea protagonista
El Gran Vázquez, de Óscar Aibar
Kick Ass, de Matthew Vaughn
María y yo, de Félix Fernández de Castro
Scott Pilgrim vs The World, de Edgar Wright

Invitación

Pues eso, una buena oportunidad para pasar un buen rato en los madriles en un sitio chulo. De la novela y de sus autores ya comenté algo más por aquí.

“Asilo Arkham: Locura”, de Sam Kieth.

Me embargan sensaciones contradictorias tras leerme la última obra de Sam Kieth publicada por Planeta, “Asilo Arkham: Locura”. Por un lado, el hartazgo hacia las fórmulas de marketing rijoso y facilón que buscan en el aficionado el guiño a la referencia inexistente con obras precedentes que parece por desgracia consolidada como fórmula exclusiva entre las mentes pensantes del medio para vender tebeos antes que publicitar la calidad de la obra y que coloca en ocasiones, como en este caso, a tebeos correctos a los pies de los leones en la inevitable comparativa con la ya clásica obra de Grant Morrison y Dave McKean. Por otro lado, la satisfacción ante la honradez de un autor como Sam Kieth que abre en el artículo final del tomo una ventana desde la que hace participe al lector a las dudas, problemáticas y obsesiones que ha ido resolviendo en la creación de la obra, logrando quizás sin pretenderlo atenuar el efecto anterior a nuestro análisis y humanizar de algún modo una obra que aun siendo superior a lo que viene ofreciendo el género en los últimos tiempos transita por lugares comunes y situaciones que no cuentan nada novedoso.

En “Asilo Arkham: Locura”, Kieth nos describe 24 horas de estancia en Arkham -el manicomio donde acaban los más locos y mortíferos enemigos de Batman- a través de las vivencias de una de las enfermeras que trabajan en el centro quién aparte de sobrevivir a la convivencia diaria con gente tan poco recomendable como Killer Croc, Dos Caras, Harley Quinn, El Espantapájaros o El Joker, tiene que bregar con las experiencias comunes a cualquier centro de trabajo (turnos dobles, líos con los compañeros, etc…). Un ambiente opresivo en el que la jornada laboral se vuelve interminable al compás de un viejo reloj atrasado del que de repente empieza a gotear sangre.

“Asilo Arkham: Locura” es un cómic descompensado que fluctúa entre el enorme talento de Sam Kieth para el dibujo y la narración gráfica que en esta obra vuelve a quedar de manifiesto experimentando con habilidad con distintas técnicas (manipulaciones sobre collage, ordenador y fotografía sobre arte pintado a mano) y estilos en un despliegue de talento que no está al alcance de cualquiera con páginas y retratos de personajes –la inevitable galería de los villanos tarados de Batman- en las que merece la pena demorarse y la endeblez de una historia que a pesar de contar con un punto de partida interesante –prescindir del superhéroe para contraponer a la locura inhumana de los villanos como tentáculos de la misma locura corporeizada en el propio carácter opresivo y maldito de Arkham con la cordura ordinaria de los encargados de vigilarlos- resulta tan predecible como deslavazada en su desarrollo dando lugar a algunas conclusiones absurdas cuya ausencia de lógica solo se justifica en la locura del título.

Kieth probablemente en parte como consecuencia de su constante experimentación en cuanto al estilo y en parte a estar más dotado para la comicidad que para el drama no incorpora a la obra la carga de tensión imprescindible en un tebeo que se supone ha de sobrecogernos al menos tanto como al personal cuerdo que trabaja en Arkham y con el que tampoco resulta fácil identificarse haciendo que el resultado final resulte poco creíble.

“Asilo Arkham: Locura” es un tebeo correcto que, sin embargo, no llega a estar a las alturas de las expectativas auspiciadas en el título, destacando sobre todo el excelente desarrollo gráfico y la voluntad de Kieth de intentar contar una historia diferente aun cuando termine contándonos lo de siempre con más pena que gloría bajo su hermoso envolotorio.

Jane Russell (1921-2011).

Jane Russell, actriz de físico portentoso de la época dorada de Hollywood. Russell será recordada sobre todo por dar la réplica a Marilyn en “Ellos las prefieren rubias” y “El Forajido”, la película con la que hizo su debut.

A pesar de su belleza y talento para la comedia, la Russell fue la perjudicada en la encarnizada competición por los mejores papeles con las grandes bellezas de la época como Ava Gardner o la misma Marilyn teniendo que centrar su carrera a partir de la década de los sesenta a los musicales y la televisión.

D.E.P.

The Ramones y el Cómic.

Ay The Ramones…Inocente energía punk desatada y una influencia soterrada que va más allá de la música y repta por buena parte de la cultura popular de las últimas décadas de la que se empapó buena parte de los autores de los mejores cómics alternativos norteamericanos que se formaron escuchando a la banda (o bandas, teniendo en cuenta sus distintas alineaciones a lo largo del tiempo).

De esa relación entre The Ramones y el Cómic surgió en 2005 la idea para la qque quizás sea la mejor recopilación que se ha hecho del grupo, por lo menos para un aficionado al cómic. “Weird Tales The Ramones”, una caja que incluía aparte de un magnífica recopilación de las canciones y vídeos del grupo, un cómic con su historia, ilustraciones y posters realizados por 25 autores de primer nivel entre los que destacan los Sergio Aragones, Jaime Hernández, Matt Groeming, John Holmstrom, John Pound, Johnny Ryan o Jim Woodring quién también firma la portada de la caja.

Y, claro, entre las más de ochenta canciones incluidas está su versión de la canción de la clásica serie de animación de “Spiderman”, superhéroe de Forest Hills, el mismo barrio de Nueva York que los miembros de la banda original. Hala, a subir todos el volumen a tope: