Trailer de “Los ojos de Julia”, de Guillem Morales

Lo más salvable del otro día en el cine (de "Robin Hood" ya opino más abajo) fue este trailer de la nueva película de Guillem Morales, apadrinada y financiada por Guillermo del Toro que no sé como estará –se trata de un thriller que alguna similitud guarda con “El orfanato”, y no me refiero sólo por la presencia de Belén Rueda- pero el trailer me parece de los mejores que he visto en años y me dejó con ganas de ver la peli que se estrenará para finales de Octubre.

¿A vosotros qué os parece?

“Silhouette”, de Víctor Santos y Jesús Alonso Iglesias.

Hay cómics que entran por los ojos y sin más consideraciones sabes que no queda otra que acoquinar y llevártelo a casa para devorarlo en una reposada lectura para o hacerte mil cruces y olvidarlo en un montón tras jurar en arameo que no volverás a dejarte seducir por los cantos de sirena de una maravillosa portada o felicitarte por tu buen ojo y disfrutarlo durante años. Esto último, por suerte, es lo que me ha pasado a mí con “Silhouette”, desde que vi la portada anunciada quedé impactado y sabía que me iba a hacer con él ya que este tebeo del avezado Victor Santos y el novel Jesús Alonso Iglesias prometía ser una de esas lecturas de género con las que disfruto enormemente y esta vez no me he equivocado.

Silhouette es un resistente enmascarado que en las noches del París ocupado de la II Guerra Mundial se dedica a sembrar muerte y plomo entre los confiados nazis. Cuando a la ciudad de la luz llega un miembro de la cúpula nazi y su ayudante en una misión que puede acelerar la victoria final nazi, el valiente Silhouette no sospecha las oscuras fuerzas contra las que tendrá que enfrentarse.

Víctor Santos, tanto en su obra como autor completo como en sus colaboraciones con otros dibujantes, lleva reivindicando cuan soldado japonés olvidado en una isla desierta el digno oficio de contador de historias de género frente a la tendencia mayoritaria hoy día en el cómic patrio por otras propuestas más realistas. Santos es rico en influencias que en lugar de ocultar como hacen otros exhibe orgulloso a la espera de una gran obra que le dé el espaldarazo definitivo entre los críticos que sus fans ya le otorgaron hace tiempo si tenemos en cuenta las colas que se montan en los salones de cómics a los que asiste.

En ese sentido, “Silhouette” es una historia coherente con su trayectoria y cumple su primer objetivo es entretener antes que innovar por lo que desarrolla una atractiva historia pulp plagada de nazis locos, nazis cuerdos y héroes vengativos en medio de una trama esotérica que tiene el regusto nostálgico de personajes pulp como “La Sombra”, los cómics de “Martyn Mystere” y “Capitan América” o las primeras entregas de “Indiana Jones”. Santos no parece tener ganas ni tiempo para irse por las ramas en la caracterización de los personajes o lugares que resuelve en unas pinceladas y va directo al grano en el desarrollo de una historia frenética que no da respiro al lector apabullándolo quizás en exceso con vistas a ocultar ciertas debilidades de la tópica historia y sumergiéndolo en la ilusión de una continuidad inexistente dentro del particular universo de referencias cruzadas que el propio Santos parece ir construyendo en sus últimas obra (no me parece baladí la referencia en los extras a otra de sus creaciones, Black Kaiser) a la espera de poder seguir desarrollando sus propuestas.

Si la historia cumple su objetivo, donde el cómic se vuelve más destacable es en el apartado gráfico donde sorprende el nivel que muestra Jesús Alonso Iglesias del que espero sigamos viendo más cosas. Jesus Alonso Iglesias, novel en el mundo del cómic pero con amplia experiencia en el de la animación, muestra un estupendo nivel narrativo ajustándose como un guante a las directrices marcadas por Santos en el desarrollo de la historia y aunque él señale en la entrevista que aparece en los extras de la obra entre sus influencias a Mignola (la más evidente), Cannif y Falk creo percibir otras como la de Miller y otras no declaradas más propias de cómic francobelga en la construcción de los personajes en la estela de Franquin, que dan al estilo de Alonso un punto eclético y original refrescante. Alonso recrea un París fantasmal y alejado de la realidad, esquematizando al máximo los detalles (aun sin renunciar a ellos) para que todo el peso de la historia recaiga en la acción sorteando la alternancia de páginas cargadas de diálogo con otras –las mejores- en las que la narración se vuelve puramente visual y le permiten un mayor lucimiento. Un dibujante a seguir.

En definitiva, no me arrepiento de la compra de “Silhouette” cómic con el que disfrutarán si aceptan las reglas de Santos aunque quizás echen a faltar un poco más de calma para desarrollar determinadas situaciones y caracterizar los principales personajes. Con todo, la obra consigue sus objetivos, no traicionar la tradición pulp en el que se inscribe y, sobre todo, hacer pasar un rato agradable a quién la lea.

La edición de Dolmen está bastante ajustada de precio y cuenta con abundantes extras lo que es de agradecer en los tiempos que corren.

Ojalá veamos pronto nuevas entregas del enmascarado francés. Será buena señal.

Otras obras de Víctor Santos en El lector impaciente:

“Black Kaiser”
“La sangre de las valkirias”

“Robin Hood”, de Ridley Scott.

Probablemente en la cartelera actual será difícil encontrar otra película que en un período de poco más de dos horas provoque tantas reacciones encontradas como las que me produjo ayer la nueva versión de “Robin Hood” que Ridley Scott y su profeta, Russel Crowe, acaban de estrenar. Indiferencia-interés-cabreo-sorpresa-mofa-indiferencia. Ese es el carrusel emocional que Ridley Hood y sus secuaces me han provocado en una película que se suicida a mitad de la historia pasando de la anódina película de aventuras con puntos curiosos al absurdo más ridículo.

Había empezado a escribir el resumen de la película pero me he negado a continuar porque me veo incapaz de reducir la retorcida trama en pocas líneas sin que estropee media película al que esté decidido ir a verla y alargue la entrada en exceso. Con todo, decir que la idea primera parecía ser realizar una especie de precuela a la versión “canónica” de las aventuras de Robin Hood que enlace al final de la película con las aventuras popularizadas por la literatura y el cine anterior. Y, en ese sentido, hay que reconocer que durante aproximadamente la primera mitad de la película la historia consigue su objetivo de despertar el interés del espectador sobre un mito sobrexplotado como pocos a través de una enrevesada historia de suplantación de identidades que despierta la curiosidad por un Scott que lleva con buen pulso la trama hasta ese momento.

Sin embargo, ese atisbo de interés desaparece conforme en el guión se empiezan a producir giros argumentales a cuál más absurdo y cuya única intención es mezclar en un totum revolotum demencial las distintas versiones existentesal mito medieval de Robin Hood –por no obviar, no se cortan en buscarle hasta una ascendencia masónica- con hechos históricos como la aprobación de la Carta Magna que culminan en la ridícula y rocambolesca batalla final. Creo que el guionista todavía debe andar riéndose mientras disfruta de sus suculentos emolumentos por la cantidad de esperpentos que es capaz de incorporar sin que ningún productor –¡ o el mismo director! – hayan sido capaces de ponerle freno. Y es que el guión es malo de solemnidad, lleno de incoherencias y justificaciones cogidas por los pelos que a mí personalmente me hicieron pensar que más que una película de aventuras históricas estaba ante un atentado a la inteligencia de los espectadores.

Claro está, que tanta insensatez a nivel argumental no hay director que la levante por muy Ridley Scott que se sea, mas si cabe, como es el caso del mayor de los Scott, se lleva viviendo demasiados años del prestigio adquirido y su cine anda lejos de sus mejores tiempos. En esta ocasión, Scott se limita a hacer lo que puede en lo que no es más que un pastiche impersonal y autoreferencial en el que no se corta a en buscar inspiración en blockbusters taquilleros de los últimos años (metan en la turmix “Gladiator”, “Las puertas del cielo”, la trilogía de “El Señor de los Anillos”, “Bravehearth” y “Salvar al Soldado Ryan” y ya tendréis el noventa por ciento de la película) logrando algunas secuencias realmente chulas -¡qué menos!- en medio del confuso transcurrir general.

¿Qué se salva entre tanto desatino del desastre que es este "Robin Hood"? Un grupo de actores que hacen gala de profesionalidad y vergüenza torera ajustándose a sus roles en un reparto bien elegido en el que destacan las actrices encabezadas por una excelente Cate Blanchett -que hasta el tontorrón final ofrece una de las más creíbles Mariam que he visto- y una Eileen Atkins que da enjundia a cada una de sus intervenciones. Entre los actores, tenemos al protagonista, Russel Crowe, que no hace más que repetir el registro de “Gladiator” que tanto parece encandilar a Scott, perdido en las increíbles revisiones que va sufriendo su personaje, a los solventes Mark Strong y William Hurt, al entrañable Max Von Sydow encasillado en papeles de procer caduco y al prometedor Oscar Isaac que confirma la buena impresión que causó en “Agora” o “Red de Mentiras” y realiza el mejor papel masculino ofreciendo una versión de Juan Sin Tierra rica y llena de matices que es de lo mejor de la película.

En definitiva, si queréis reíros un rato con una de las peores películas de lo que llevamos de año id a ver esta versión de “Robin Hood” que echa a perder el talento del excelente grupo de actores con el que cuenta encabezados por un director que se limita a cumplir. Pero quién quiera ver una buena película protagonizada por el arquero de Sherwood que se haga con los DVDs de la clásica de Erroll Flynn y la maravillosa “Robin y Mariam”. Que no se diga que no he avisado.

Otras películas de Ridley Scott en El lector impaciente:

“American Gangster”.
“Red de Mentiras”.

Chris Ware, los superhéroes y los prejuicios.

P: Algunos personajes de cómics son atractivos; los superhéroes suelen estar musculados; las novelas gráficas autobiográficas suelen estar protagonizadas por autoparodias de los propios autores; otros son totalmente irreales... Lo que siempre me ha gustado de tus protagonistas es que tienen una esencia muy real. No en el sentido figurativo, sino en que hay algo muy verdadero: algunos tienen barriga, otros son calvos, bajitos o feos. En tu caso nunca lo he interpretado como una broma, sino como una forma de aproximación a cómo son las personas de carne y hueso. ¿Es esa tu intención?

Ware: Sí, lo es. O por lo menos eso es lo que veo cuando miro un espejo. Como bien has subrayado con criterio, los cómics de superhéroes americanos son una amalgama estereotipada de mentiras anatómicas sobre el cuerpo humano y no tengo absolutamente ningún interés en tener nada que ver con un lenguaje visual falso. Al mismo tiempo, intento dibujar las cosas tal y como las siento o como las recuerdo, no necesariamente como las veo o como me gustaría que fueran (lo cual, pensándolo bien, puede ser un acercamiento muy útil si se maneja de forma adecuada). Realmente, no veo una conexión entre el seudo-fílmico género de los cómics de superhéroes y el trabajo que mis contemporáneos y yo mismo hemos estado haciendo durante años. De hecho, cuando un dibujante de cómics habituado a trabajar con superhéroes intenta escribir sobre la vida real acaba siendo, por lo general, bastante embarazoso. ¿Qué otro tipo de acercamiento al dibujo puede empezar dibujando seres humanos sin ropa para después pintarlos en rojo, amarillo y azul? Es perfecto para chicos de doce años, pero no para adultos.

(Muy interesante la completa entrevista que Joan S. Luna realizó hace algún tiempo a Chris Ware y que podéis leer completa en 13 Millones de Naves. ¿Estáis de acuerdo con Ware o es quizás demasiado taxativo en su diferenciación y distanciamiento respecto al género de superhéroes? Al no decir nombres parece que tira la piedra y esconde la mano. ¿A quién se refiere, a Mazzuchelli, a Paul Chadwick? ¿Y el camino contrario, el autor que pasa de realizar una obra más personal –Lapham, Lemire…- a escribir superhéroes, produce trabajos embarazosos?¿Qué opináis?).

Nuevo trailer de “Predators” de Nimród Antal.

Aquí os dejo el nuevo trailer. Tiene pinta de entretenida y de ceñirse bastante a la original. Quizás demasiado….Ya veremos.

“Capitán América” de Ed Brubaker y Gene Colan.

No suelo ser yo amigo de las recomendaciones aunque alguno pueda pensar lo contrario pero si quieren hacerse con un tebeo bueno, bonito y barato háganse con la última grapa publicada por Panini en la serie del “Capitán América” este mes, el número 55 que coincide con el 601 de la edición norteamericana, ya que aparte de contar con el buen hacer del guionista habitual de la serie, Ed Brubaker (pronto escribiré algo más sobre el gran trabajo de Bru con el CA), cuenta a los lápices con el mítico Gene Colan en el que es, si no me equivoco, su último trabajo publicado hasta la fecha.

La historia de este tebeo se remonta a dos años atrás cuando a Colan le propusieron, a instancias de Brubaker, colaborar en un annual del capi que, debido a la delicada salud de Colan y su avanzada edad, fue retrasándose hasta ver definitivamente la luz dentro de la serie regular.

Brubaker escribe una historia autoconclusiva fuera de la línea argumental de la colección en la que el Soldado de Invierno evoca con Nick Furia uno de los episodios que vivió junto al capi durante la II Guerra Mundial. Acantonados durante el duro invierno en un pueblecito belga junto a una unidad del ejército yanqui y unos artistas encargados de distraeros, el Capi y Bucky deben enfrentarse a un grupo de vampiros dedicados a chupar la sangre a los soldados y los lugareños.

Una vez más me quito el sombrero ante el gran Gene Colan quién a sus casi ochenta y cinco primaveras demuestra un talento y una habilidad que para sí la quisieran muchos de los dibujantes más hot del panorama actual. Es cierto que quizás algunos cuerpos y caras estén desproporcionados pero el dinamismo de sus figuras y su habilidad narrativa se mantienen intactas a lo largo de este tebeo en el que Bru cede todo el protagonismo a The Dean. Colan se muestra cómodo en una trama ideada para su lucimiento, con personajes, ambientaciones y perspectivas características que domina de memoria, dando siempre el toque perfecto a una historia de terror y nazis con hechuras clásicas al que el estilo atemporal de Colan da un ribete de modernidad.

De verdad, he disfrutado como un niño de este tebeo y por el bien del cómic espero que no sea el último proyecto de esa leyenda viviente que es Gene Colan. Gene, no te mueras nunca.

“Arzak Rhapsody 13”

Penúltima entrega de la adaptación animada que el propio Moebius realizó de su obra.

Jack Kirby, actor.

A la ya conocida afición de Stan Lee de hacer cameos en las películas de los personajes marvel, hay que añadir el pequeño cameo no acreditado que The King realizó en el episodio 31 de la serie televisiva de “The incredible Hulk” protagonizada por Lou Ferrigno. Como no podía ser de otro modo, aparece con un lápiz en la mano, dibujando. Y es que Kirby tenía claro eso de zapatero a tus zapatos y dibujante a tus dibujos.

Nuevos Spots de la película de Jonah Hex.

Ahí os dejo los nuevos spots de la pelicula que se están proyectando en los EEUU. Visto lo visto, cada vez tengo menos esperanzas en esta adaptación aunque, claro está, hasta no ver la película nunca se sabe.

“Los Muertos Vivientes 10: En lo que nos hemos convertido”, de Robert Kirkman y Charlie Adlard.

Parece que Planeta se está ajustando al plan anunciado y nos ofrece tres meses después de la anterior entrega una nueva ración de “Los Muertos Vivientes”, que reúne los números 55 a 60 de la colección original, con “En lo que nos hemos convertido”, un nuevo capítulo de las desventuras de Rick y sus compañeros en unos Estados Unidos invadidos por los zombis.

En esta nueva entrega, Kirkman se dedica a ir preparando el terreno para un nuevo golpe de efecto explorando las situaciones de conflicto entre los miembros del disminuido grupo de supervivientes que prosiguen su viaje hacia Washington. Así, por un lado, Kirkman explora la incipiente locura de Rick y la rivalidad con Abraham, el recién llegado, junto con los recelos de un desconfiado Dale que cada vez se encuentra más a disgusto con el liderazgo de Rick mientras que, por otro, recupera a algunos personajes olvidados de la primera entrega, suicida a uno de los protagonistas y enfrenta a los supervivientes a una nueva manifestación del horror zombi, el rebaño. ¿Alguien da más emociones en apenas cinco números? Actualmente en el cómic mainstream americano yo creo que poca gente.

Kirkman reflexiona en este nuevo tomo sobre uno de los temas principales de esta larga novela río (¿gráfica? Claro, ¿por qué no?) que no es otro que las taras psicológicas de los supervivientes cada vez más agotados en la lucha diaria por mantenerse ellos y sus seres queridos con vida al tiempo que hacen frente a los remordimientos por las barrabasadas que cometen. El tono de la obra cada vez es más maccarthyano desde la anterior entrega mostrando la desesperanza de unos personajes en un mundo en el que la principal amenaza ya no son las hordas de zombis sino la barbarie de los supervivientes.

Sin entrar en más valoraciones sobre la gran labor de Kirkman a la hora de mantener el interés de la serie a pesar del consiguiente desgaste, si quiero profundizar un poco más en el trabajo de Charlie Adlard que desde hace unas entregas parece estar con el piloto automático. Adlard es un buen narrador aunque resulte algo limitado de recursos a la hora de dotar de expresividad a los distintos personajes pero es que desde hace varios tomos se nota un progresivo desapego de Adlard que le lleva a economizar en exceso sus esfuerzos. Así, el abuso de las secuencias de viñetas repetidas para conseguir ligeros efectos resulta bastante irritante (las dos páginas del anterior volumen en que repetía hasta seis veces la misma viñeta era clamorosa) y se repite cada vez con más frecuencia. No sé si Adlard anda agobiado con las entregas o es simplemente decisión suya pero quizás no estaría de más plantearse un cambio de dibujantes que renovase una serie que gráficamente se ha vuelto anódina.

En definitiva, “Los Muertos Vivientes” mantiene intacto su interés a pesar de Charlie Adlard gracias al buen hacer de Kirkman que es capaz de revisitar los tópicos zombis una y otra vez de una manera coherente y atractiva para los lectores que esperamos nuevas sorpresas y giros argumentales.

Como en los mondos y lirondos tomos de Planeta sigue sin haber hueco para las portadas originales ya las enseño yo que las portadas son lo mejorcito gráficamente de la serie.

Clips de “Tamara Drewe”, de Stephen Frears.

Desconocía que se estaba preparando adaptación cinematográfica del excelente cómic de Possy Simmonds del que ya les comenté por aquí, y menos me imaginaba que a la cabeza del proyecto se iba a poner un director del prestigio de Stephen Frears. ¿Mis primeras impresiones ante los dos clips que se han visto en Cannes y que reproduzco en la entrada? Contradictorias. Por de pronto, el de arriba sí que recoge un momento memorable del cómic mientras que el de abajo es pura inventiva (al menos yo la secuencia esta de la cacerolas no la recuerdo).

Con todo, la peli puede estar bien porque las situaciones que describe el cómic pegan bien con las temáticas que le gustan a Frears, pero me da la sensación que un director tan tradicional se haya ni tan siquiera planteado intentar buscar una adaptación de los recursos concretos que maneja este cómic -con su cuidado equilibrio entre texto y cómic- a imagen real, limitándose a adaptar la historia simplemente.

Habrá que estar atentos.

“Lobezno: Los hombres de adamántium”, de Jason Aaron y Ron Garney.

Ya sabéis los habituales de El lector impaciente que Jason Aaron es de la última hornada de guionistas uno de los que más me gusta. Sigo con entusiasmo esa joyita que es “Scalped” y me gustó mucho “El otro bando”. Por ese motivo, tenía curiosidad por medirle en un cómic superheroico puro y duro y ver de qué era capaz el de Alabama en un género más convencional y rígido que otorga menos autonomía a los autores para desarrollar su creatividad que el sello Vertigo de DC en el que un Aaron encaja perfectamente. La solución la he encontrado en esta primera entrega de la nueva colección de Lobezno, “Wolverine, weapon X” que Panini recopiló hace unos meses en un apañado tomito que recoge los primeros cinco episodios de la colección. Mi conclusión es que el Aaron superheroico cumple, pero no es la mejor versión de Aaron.

En este primer arco titulado “Los hombres de Adamantium”, Logan está decidido a evitar que la multinacional Roxxon, que se ha hecho con la documentación para reproducir el proceso por el que le implantaron su esqueleto de adamantium que le convirtió en el mejor en su oficio, firme con el gobierno norteamericano un contrato para crear un ejército de nuevas armas X. Para lograrlo, Lobezno cuenta con aliados como una perspicaz periodista dispuesta a destapar los trapicheos de Roxxon en Colombia y con su antiguo compinche, Maverick. Sin embargo, Logan y sus aliados tendrán que enfrentarse con todo un pelotón de hombres X dispuestos a evitar que alcancen su objetivo.

“Los hombres de adamántium” es un cómic entretenido sin más, en el que Aaron lejos de innovar ofrece un cómic de acción trepidante que se limita a cumplir sus objetivos de evasión sin profundizar demasiado ni en la psicología de los personajes ni en una historia cuya única finalidad no va más allá que hacer pasar el rato sin, eso sí, insultar la inteligencia del lector. Aaron ofrece una versión bastante arquetípica de los personajes sacando partido del carismático protagonista aun cuanto el enfrentamiento con los hombres de adamántium resulta un tanto descompensado dada la falta de entidad como villanos de estos.

Con todo, y aun tratándose de una historia tan tópica, Aaron es capaz de sacarla adelante con oficio gracias a su habilidad como dialoguista y las hábiles chinitas que convierten el tebeo en una lectura superior a la media dentro del géero superheroico como la critica subrepticia a los cuerpos de seguridad paralelos al ejército tan de moda en el momento de publicación de la obra en Estados Unidos (las similitudes entre Blackguard y Blackwater no es baladí) o las referencias literarias que perlan la obra y demuestran que es un autor despierto a otros medios más allá de la mera autoreferencia superheroica que otros autores tanto gustan de explotar y tanto limitan al género.

En el aspecto gráfico, Ron Garney demuestra que es un dibujante molón con un uso aceptable de la narrativa como ya demostrara en su etapa en “Capitán América” aunque no acabe de convencerme demasiado su visión de Lobezno (¿Es necesario que desde las películas todos los dibujantes pretendan sacarle a Logan parecido a Hugh Jackman?) ya que su personaje es demasiado pesado e hipermusculado.

En definitiva, “Los hombres de Adamantium” es un divertimento ligero que no insulta la inteligencia de lector y debe permitirle a Aaron pagar las facturas al tiempo que se divierte pero realmente se encuentra bastante alejado del nivel mostrado en obras anteriores por el autor y es de esperar que en entregas posteriores la cosa mejore. Calidad tiene para ello.

Trailer de “Splice”, de Vicenzo Natali.

Esta historia de unos científicos que desarrollan saltándose todas las leyes de la ética una quimera tiene tantas posibilidades de ofrecer un rato entretenido como de aburrir al más ducho haciendo un repaso por todos lugares comunes reconocibles de otras muchas películas.

El trailer no me despeja las dudas y la presencia de Adrien Brody tampoco. Si se llega a estrenar en España quizás la dé una oportunidad, claro que quizá no. Ya veremos…

Vía: Uroloki.

“Matadero Cinco o La Cruzada de los niños”, de Kurt Vonnegut.

Releer está muy bien pero es una práctica que realizo muy de vez en cuando, por exceso de curiosidad y falta de tiempo, probablemente.

Sin embargo, hay libros que merece la pena recuperar de año en año y comprobar como mantienen su capacidad para sorprender y enriquecernos aun más con cada nueva lectura lo que sin duda los convierte en obras a destacar. Uno de estos títulos excepcionales es “Matadero Cinco” en el que Kurt Vonnegut escribió una de las novelas más originales del siglo pasado, una obra que por desgracia es todavía en exceso desconocida e infravalorada.

En esta novela, Kurt Vonnegut recogió parte de sus experiencias bélica durante la IIGM en la que fue hecho prisionero por los alemanes y fue testigo directo del bombardeo de Dresde que destruyó completamente la ciudad alemana, a través de las vivencias de Billy Pilgrim, un desconcertado ser humano cuyas desconcertantes experiencias seguiremos a través de los años.

“Matadero Cinco” es una novela atípica y sorprendente que escapa a toda clasificación en la que, a través de un estilo sencillo Vonnegut construye una novela compleja en la que la ficción y la realidad, la cordura y la locura, el humor y el drama, la filosofía y la escatología, conviven en perfecto equilibrio a través de una estructura abierta y porosa que le permite incorporar diversos hilos narrativos que se suceden en distintos momentos temporales de la vida del protagonista consiguiendo que la novela funcione a distintos niveles y sea accesible a cualquier lector, desde el mero relato de humor hasta la reflexión irónica sobre la indefinición del hombre contemporáneo.

Existen notables influencias en “Matadero Cinco” con otras obras y autores trascendentales del siglo pasado, siendo quizás las de “Viaje al Fin de la Noche” y “Mientras Agonizo” las más evidentes y su influencia en la novela norteamericana posterior ha sido trascendental (que se lo digan a Auster, por ejemplo).

En definitiva, “Matadero Cinco” es una obra que debería de ser de obligada lectura en colegios e institutos siendo su mensaje tan vigente y actual como en el momento de su publicación y es que pocas cosas hay más claras que el canto de un pájarillo. Amén.

Planeta, seis años no es nada.

Una semana pasada estresante, que me dejó completamente agotado me impidió comentar la que para muchos ha sido la gran noticia del Salón de Barcelona: la renovación del acuerdo entre Planeta y DC para continuar editando y distribuyendo la primera los tebeos de la segunda en España e Italia durante seis años más. Aquí, aquí y aquí los compañeros han comentado, opinado y debatido sobre el tema y aunque parece que alguno con la noticia se ha metido en la bañera dispuesto a abrirse las venas creo que la cosa no es para tanto e incluso siendo moderadamente optimista creo que este acuerdo puede ser beneficioso para todos.

Lo primero, ¿había otras editoriales dispuestas a arrebatarle este material a Planeta y ha existido una verdadera competencia por él? Creo que no. Pienso que, las pequeñas por diversos motivos no están interesadas en hacerse con el material (y las que podría interesarle no creo que estén en condiciones de realizarle una oferta atractiva a DC) ni que esta estuviese dispuesta a poner en manos de Panini sus series teniendo en cuenta que publica Marvel en Europa. Las únicas opciones reales serían Planeta y Norma y, francamente, creo que comparando cómo editó Norma el material DC en su momento y el mal recuerdo que dejó entre los lectores el continuismo de Planeta, por eliminación, era la única opción.

A pesar a los errores cometidos y que todos conocemos, Planeta ha realizado una aceptable labor en líneas generales durante estos años y ha sabido rehacerse a la perdida de los derechos marvelitas que le supuso además la perdida de colaboradores y packagers con los que llevaba trabajando años. No debió ser nada fácil sin contar con ese know-how recomponer toda su organización y empezar a publicar un material que, salvo la línea Vertigo y Batman y Superman, no tiene el mismo tirón en España que los cómics Marvel. En estos años, se ha publicado más material DC del que esperabamos los aficionados, reeditándose la mayor parte de lo que publicó Zinco y que sólo los más veteranos conocíamos y ofreciendo los últimos macroeventos de la editorial americana y las principales colecciones Vertigo a un ritmo regular. Teniendo en cuenta que esto se ha realizado prácticamente partiendo desde cero la cosa no ha estado tan mal y es de esperar que en los próximos seis años mejore la publicación de DC con equipos de articulistas y traductores con más experiencia.

Por otro lado, los temas realmente peliagudos y que más han chirriado han sido las críticas a los formatos y los errores de traducción y edición.

Respecto a los primeros, creo que realmente tampoco se le puede achacar demasiado a la editorial que ante todo es una empresa que como todas busca el máximo beneficio económico, por lo que los aficionados debemos adoptar una actitud madura y antes que pasar por caja y posteriormente patalear si no estamos de acuerdo con el formato o el precio simplemente lo que hay que hacer es no comprar que ya se cuidarán en la editorial de acertar más adelante.

Respecto a los errores que han sido de todo tipo y condición sí que hay que exigirle a Planeta un salto de calidad. No puede ser que mes a mes surja algún error en alguna serie que probablemente se hubiera solventado simplemente con que dos personas se hubieran molestado en comprobar el material. Este tipo de errores son los que realmente están estropeando su imagen y provocando la desconfianza en los aficionados. La editorial no debería hacer oídos sordos y tomar medidas al respecto (seguramente recuperando la figura del corrector buena parte se reducirían).

Sobre la línea editorial no espero grandes novedades y seguramente asistiremos a una política continuista, apostando por los macroeventos regulares y aprovechando la publicidad que generen las películas que se realicen sobre personajes DC (en este sentido, como en otros Planeta juega en desventaja respecto a Panini ya que no existe un proyecto cinematográfico coordinado de trasladar a los principales superhéroes DC a la gran pantalla como se está realizando con el Universo Marvel) y tampoco estaría de más, además, que se potenciase la publicación de material clásico en condiciones –estoy pensando en la etapa Kirby completa, por ejemplo.

Será interesante ver cómo evoluciona Planeta en estos seis años que son bastante tiempo y permitirán que la editorial realice una planificación sensata y con tranquilidad a largo plazo -algo que parece ha venido faltando en los últimos tiempos- que satisfaga a los aficionados y permita a la editorial recuperar el liderazgo entre las editoriales españolas. Esperemos estar por aquí para verlo y comentarlo.

“Murena 7: Vidas de los Fuegos “.de Jean Dufaux y Philippe Delaby.

Esperaba con ganas la publicación por parte de Planeta de la continuación de la serie “Murena”, una de las mejores series europeas que se vienen publicando en España y una vez leída la esperada séptima entrega de “Murena” sólo puedo decir que la espera ha merecido la pena y felicitar a Planeta por la edición ya que esta resulta bastante cuidada y además no se va de precio que lo cortés no quita lo valiente...

En “Vidas de los Fuegos”, nos encontramos con un Lucio Murena, caído en desgracia en la corte que regresa a Roma a pesar de la prohibición de Nerón tras la muerte de Acté. En compañía de Balba, el proscrito Murena sólo cuenta en Roma con el apoyo de sus viejos amigos y se ve obligado a recurrir a los recursos de Balba para sobrevivir al tiempo que intenta esquivar a sus enemigos. Mientras, Nerón llora aislado en la corte la muerte de su hija, cada vez más impredecible e influenciable a los consejos de sus cortesanos en el verano más caluroso en la historia de la ciudad eterna. ¿Cómo reaccionará Nerón cuando descubra la presencia de Murena en Roma?¿Acabará quemando toda la ciudad para terminar con su antiguo amigo? Tendréis que leeros el tebeo para enterarse.

La espera ha valido la pena y Dufaux y Delaby firman un magnífico álbum en el que el segundo ciclo de la serie alcanza finalmente su clímax. Partiendo de una exhaustiva labor de documentación, Jean Dufaux logra ir incorporando a los hechos históricos las intrahistorias de los personajes que pueblan las páginas de Murena que hemos ido conociendo en anteriores entregas de la serie al tiempo que ofrece una versión más realista y alejada del tópico de la figura de Nerón, aun cuando se muestre respetuosa con la visión que autores anteriores ofrecieron del loco emperador romano, es original y más cercana a la ofrecida por los historiadores. Dufaux, desarrolla la trama principal perfectamente, dosificándola perfectamente para dejar la serie en el punto más emocionante, pero donde demuestra ser un guionista de altura es en la habilidad con la que va incorporando las vivencias de los personajes que aparecen en este álbum a través de los que refleja como debió ser la vida en las distintas capas sociales de la ciudad, personajes mucho de ellos cuya presencia no irá quizás más allá en la historia pero que ayudan a enriquecer el conjunto sin que en ningún momento la lectura se resienta o se torne confusa.

De todos modos, buena parte de esa claridad expositiva que caracteriza este álbum, la tiene Philippe Delaby, un dibujante sobresaliente que con su trazo sencillo y minucioso es capaz de dar en todo momento con la solución más eficaz. Delaby a diferencia de otros dibujantes más populares y efectistas se centra en el desarrollo de la historia reforzando el retrato minucioso de los personajes y haciendo especial hincapié no sólo en la descripción física de los mismos sino en su retrato psicológico. Así, sólo a través de los rasgos en primer plano de un personajes podemos ser conscientes de cómo evoluciona un combate o podemos percibir los constates cambios en el humor de Nerón.
Además, Delaby es un narrador notable capaz de convertir al elemento sobre el que gira todo el álbum (y que no en vano le da título), en un recurso a través del cuál realizar elegantes transiciones o incorporar el uso de onomatopeyas hábilmente sin caer en la tentación del abuso. En este sentido, hay que resaltar también la labord del colorista Jeremy Petiqueux que logra dar siempre con el tono adecuado tanto para reflejar los distintos juegos de luces tanto en las localizaciones interiores como en las exteriores.

También en el caso de Delaby es notable el trabajo de documentación ofreciendo reproducciones muy atractivas de localizaciones de la antigua Roma menos conocidas por el lego como el templo de Vesta o el Monte de los Cantaros en la zona baja de la ciudad.

En definitiva, “Vidas de los fuegos” es una joyita y uno de los mejores álbumes de la serie en que se inscribe, serie que no deja de crecer y que cuenta con unos autores especialmente motivados e inspirados que dejan al lector con la miel en los labios a la espera del octavo álbum con el que finaliza el segundo ciclo y que promete emociones fuertes. Yo, por si acaso, ya voy avisando.

Más “Murena” en El lector impaciente:

“Murena” (1 al 5).
“Murena 6”.

Alfonso Zapico y los Premios.

P: Además de la dotación económica del premio, de 3.000 euros, ¿en qué consiste el galardón «Josep Toutain»?

R: Sin duda lo más interesante es que tendré la oportunidad de realizar una exposición monográfica en la próxima edición del salón del cómic de Barcelona, que se celebrará entre los meses de mayo y junio de 2011. Todavía no he hablado con los organizadores, pero estoy deseando ponerme con ello.

P: No es la primera vez que recibe un premio, ya obtuvo el «Prix BD Romanesque», en 2007, y el «Haxtur». en 2008, entre otros, ¿es necesario tener premios para obtener el reconocimiento profesional?

R: Creo que no. De hecho, hay muchos autores españoles que trabajan en Francia, nunca han tenido reconocimientos en España, y no por eso han tenido menos méritos en su trabajo. El premio se valora porque da notoriedad al álbum publicado e, incluso, ayuda a las ventas, pero insisto en que hay autores muy buenos que nunca han sido premiados. No lo necesitan.

P: ¿Cómo nació su interés por el cómic y la ilustración?

R: He dibujado desde muy pequeño y, más tarde, estudié Ilustración y Diseño en la Escuela de Arte de Oviedo. Cuando acabé esta formación, lo que menos pensaba es que iba a hacer cómics, sino que me iba a dedicar únicamente a la ilustración editorial. Afortunadamente, puedo vivir de la ilustración, pero el cómic me da la capacidad de contar y transmitir mis historias.

(El reciente ganador del premio revelación del Salón de Barcelona deja su opinión sobre la importancia de los premios y otras apreciaciones sobre su obra o el mercado español en esta breve pero completa entrevista que podéis leer completa aquí. A mí las propuestas de Alfonso Zapico me gustan, como ya les comenté por aquí y por aquí en su momento, pero lo que no tengo muy claro es si es un autor revelación o no. Con todo, como a mí no me corresponde aclararlo, mis felicitaciones y a esperar sus nuevas obras que prometen).

(Vía: Entre Cómics).

Gary Panter, la búsqueda del momento.

P:¿Cómo abordas la realización de tus cómics, tanto en términos de escritura como de dibujo?.

¿Crees que existen algunas reglas "universales" de creación a la hora de crear cómics? Algunos músicos (por ejemplo) escriben primero las letras y luego encuentran una melodía, otros lo hacen a la inversa, algunos anotan ideas al azar y más tarde las ensamblan en un todo coherente, otros tienen algo básico que luego elaboran hasta llegar a dar con una historia completa... ¿cómo lo haces tú?

GP: Hay muchas formas de hacerlos y no tengo una única. Escribo muchas notas y borro otras muchas. Realizo muchas más pinturas, esculturas y diseños que cómics. Me gustan los cómics. Normalmente busco los buenos momentos en los que quiero dibujarlos, encontrando la historia que me guíe hacia ellos. Diseño personajes con personalidades fuertes y luego observo lo que hacen. Mi comic mensual para RIDDIM, la revista japonesa de reggae, siempre tiene cuatro viñetas y se lee de derecha a izquierda. Cosas así, que formen parte de una rutina, me ayudan.

(De una interesante entrevista realizada Nick Merzer al polifacético artista underground Gary Panter (“Jimbo, Adventures in Paradise”) en 2008, y que podéis leer completa traducida al castellano por cortesía de Frog2000).

Primer trailer de “Super 8”, de J.J. Abrams.

Si alguien todavía tiene alguna duda que J.J. Abrams y Steven Spielberg saben cómo llamar la atención, aun cuando no cuenten nada, que vea este trailer. De la película se sabe poco pero ya han conseguido que esté interesado y ocupe un sitio alto en la lista de películas que hay que ver el año que viene.

“Arzak Rhapsody 12”

Entrega semanal de la versión animada de "Arzak".