“Batman: ¿Qué le sucedió al Cruzado Enmascarado?”, de Neil Gaiman y Andy Kubert.

Planeta acaba de publicar en un apañado tomito esta historia con la que Didio, a la sazón editor en jefe de DC finiquitó de un plumazo los dos títulos más representativos del Hombre Murciélago durante décadas, “Batman” y “Detective Comics”. Como Didio no es precisamente un entusiasta en eso de la innovación y la originalidad decidió que, para tal ocasión, era necesaria una historia sobresaliente, que supusiera un hito en la historia de Batman sin arriesgar demasiado, fijándose en la fórmula que tan bien funcionara con Superman hace décadas con la fantástica “¿Qué fue del Hombre del Mañana”?. El ilusionado Didio tenía que emcargar la historia a un equipo de campanillas y como el amigo Moore ya es perro viejo que huye como apestado de determinadas chuflas y George Pérez y Curt Swan no debían estar por la labor, Didio puso los ojos en el guionista de campanillas que más se aproximaba al modelo Moore, Neil Gaiman, quién aceptó encantado porque desde chiquitito se pirraba con las historias de Batman, y completó el equipo con un dibujante de relumbrón como Andy Kubert que, además, ya venía encargándose de la colección regular del personaje junto a Morrison. El resultado de tanta inspiración es “¿Qué le sucedió al Cruzado Enmascarado”, una historia irregular, confusa y ambiciosa que a mí no me ha convencido. Les cuento.

Batman ha muerto y los distintos personajes, aliados y villanos, más representativos de su universo acuden a su funeral a velarle y dar testimonio de su muerte. Cada uno de ellos tiene una versión diferente sobre cómo se produjo la muerte de Batman, y el recuerdo que guardan de él. Sin embargo, Batman se mantiene consciente en un limbo indeterminado desde el que es testigo junto a una misteriosa dama a esos sucesos intentando reunir las pistas que expliquen qué es lo que está ocurriendo realmente en el que puede ser el último caso en su exitosa carrera de Detective. ¿Habrá muerto realmente Batman?¿Resolverá el misterio?¿Están todos locos? Tendrán que leerse el tebeo para enterarse.

Gaiman demuestra sus ganas de ofrecer una propuesta original e inteligente con esta historia en la que deja patente que, lejos de su particular universo que le ha dado fama, no se mueve con soltura en el género superheroico, sustentándose la historia en buena medida en el talento gráfico de un Andy Kubert espectacular, capaz de imitar el estilo de algunos de los mejores dibujantes que han pasado por las colecciones de Batman ofreciendo un caótico repaso gráfico acerca de un icono que ha ido transformándose para adaptarse a los gustos del público a lo largo de sus setenta años de historia.

La cosa podría haberse quedado ahí pero como desde la editorial han impuesto a Gaiman y Kubert la odiosa comparación con “¿Qué fue del hombre del mañana?” no voy a escurrir el bulto y les adelanto que esta historia dista mucho de estar a la altura de excelencia del tebeo de aquella. Si la historia de Superman ha marcado un punto de inflexión en la historia de Superman que marcar el paso del Superman precrisis al poscrisis, la historia de Gaiman se erige como un enorme ejercicio de estilo ajeno a la continuidad del Hombre Murciélago y a las convenciones propias del género, un punto y aparte onírico (plano este en el que Gaiman nos ha dado sus mejores obras) que permite dar rienda suelta a Gaiman para mosrar su fascinación por el personaje aun cuando para ello se deja llevar y construya una historia narrativamente confusa en la que despista constantemente al lector con el caótico desorden impuesto por el guionista, enganchando al lector en momentos puntuales, como los testimonios de Alfred y Selina, pero dejando bastante frío al lector respecto al conjunto de la obra al carecer de cualquier clímax dramático obviando la necesaria complicidad del lector en una historia que pretende homenajear a todo un icono de la cultura popular.

Es en el aspecto gráfico, he disfrutado enormemente del dibujo de Andy Kubert, intentado desentrañar los distintos homenajes a los personajes principales y momenos importantes en la evolución del personaje que el dibujante esconde en prácticamente cada rincón de cada página pero precisamente ese despliegue de erudición batmániaca produce cierta extrañeza al lector al asistir sin transición a variaciones sin aparente conexión de los distintos personajes que van apareciendo en la historia.

En cuanto a la edición de Planeta resulta bastante correcta e incorpora todas las portadas de los comic books a tomaño original y bocetos realizados por Kubert acerca del estudio de los personajes, una introducción de Gaiman en la que explica cómo llegó a hacerse cargo del proyecto y un excelente artículo de David Hernando en el que trata de explicar al desorientado lector la maravilla que acaba de leer. Doctores tiene la Iglesia…

Cómic 1- Cine 0, según Alan Moore.

“Una de mis principales objeciones ante el cine como medio es que resulta demasiado aturullante y creo que nos está convirtiendo en una población de autómatas perezosos y faltos de imaginación. Los absurdos extremos a los que llega el cine moderno con sus efectos generados por ordenador para ahorrarle al público la molestia de tener que imaginar cualquier cosa por sí mismo, probablemente estén teniendo un efecto capador para la imaginación del colectivo. No tienes que hacer nada. Sin embargo con un tebeo es mucho lo que has de poner de tu parte. Aunque tengas los dibujos, has de llenar los vacíos entre viñeta y viñeta, tienes que imaginar las voces de los personajes. Es mucho trabajo el que queda en tu mano. No tanto como con un libro ilustrado, pero aún así bastante. Y yo creo que el nivel de esfuerzo que contribuimos al disfrute de cualquier tipo de arte es un enorme componente de ese disfrute. Creo que nos gustan las obras que nos implican, que establecen una especie de diálogo con nosotros, mientras que con el cine te limitas a estar sentado en tu butaca y te dejas llevar. Te cuenta todo lo que necesitas y en realidad no hace falta que pienses demasiado. Hay películas muy buenas que son capaces de implicar al espectador con su narrativa, con sus misterios, con su ambigüedades. En ocasiones nos encontramos con películas en las que gran parte de lo que sucede, sucede en tu cabeza. Probablemente sean buenas películas, pero ya no se hacen demasiadas de esas.”

(Extracto de una entrevista realizada a Moore para la revista “Wired” de la que Óscar Palmer ha traducido una parte que pueden leer aquí. Moore dice cosas interesantes y esto que comenta sobre el cine para mí es una verdad como un puño aunque no englobe Todo el cine sino a un tipo de cine de entretenimiento muy concreto. A propósito, hablando de películas capadoras “Avatar” la estrenan este viernes, ¿no?).

“El extraño caso del Dr. Jekill y Mr Hyde” de Javier Olivares y Santiago Garcia.

La condición dual de la naturaleza humana ha fascinado al ser humano desde el principio de los tiempos. El eterno conflicto entre el Bien y el Mal ha servido de fundamento a religiones y ciencias desde tiempos de Zoroastro formando parte de un imaginario colectivo que se ha ido adaptando a los gustos y exigencias marcadas por la evolución cultural en cada momento y lugar concreto. Precisamente, una de sus manifestaciones más acertadas, y adelantada en varias décadas a los estudios psicológicos sobre la materia, fue la lúcida novela del genial R.L. Stevenson que ha servido de modelo a incontables revisiones y adaptaciones posteriores.

Precisamente por todo ello, adaptar de nuevo al cómic una obra tan conocida como la novela de Stevenson es un arma de doble filo, ya que los autores que se atrevan han de enfrentarse al conocimiento previo de los lectores de la historia, lo que obliga a guardar un precario equilibrio entre la inquietud artística de aportar originalidad a la propia versión sin traicionar en exceso la esencia del original granjeándose las iras del respetable ante tamaño atrevimiento del que no todos son capaces de salir bien librados. Una tarea complicada de la que, sin embargo, los osados Santiago Garcia y Javier Olivares salen con bien en un nuevo título de la recomendable línea de adaptaciones al cómic de clásicos de la literatura de de la editorial SM.

En ese sentido, Santiago Garcia intenta liberarse desde el principio del modelo de la obra de Stevenson centrando su versión de la historia en la dualidad del personaje protagonista (o protagonistas) en una titánica labor de síntesis y obviando el misterio de la trama original que en buena medida deja de tener sentido ante el conocimiento masivo de la historia, incorporando elementos que no hacen más que reforzar la fascinación de los autores por la novela original, a través de un prólogo inicial en forma de sueño de Jekill que sirve para ofrecer una pauta al lector sobre lo que le espera en clave simbólica y psicologista, y un epílogo en el que se hace una revisión de la influencia que ha tenido la obra de Stevenson en la literatura y el cine mostrándose ellos mismos como el último eslabón de una dualidad eterna en un genial e irónico guiño final.

Pero, si la labor de Santiago Garcia es meritoria, donde la obra se convierte en un tebeo memorable es en el apartado gráfico en el que Olivares despliega su enorme talento para atrapar al lector más allá de su conocimiento previo de la obra. Olivares demuestra que es uno de los dibujantes más fascinantes y personales del panorama patrio dando sustancia a la narración que Garcia va guiando a través de medidos cuadros de texto en una lograda simbiosis entre texto y dibujo. Se podrá acusarle de ser más ilustrador que narrador gráfico, sin embargo, en esta obra demuestra dominar perfectamente la narración para convertir cada vuelta de página en una elaborada sorpresa visual que hilvana coherente y sutilmente con el hilo narrativo de la historia. Los autores se valen de una composición de página enormemente atractiva a base de grandes viñetas que ocupan dos páginas sobre las que orbitan, matizando y completando, otras más pequeñas que completan el conjunto y en la que incorporan una cuidada caracterización no sólo del dual protagonista, a través del color y la estructura de la viñeta, sino también dotan de un trasfondo corpóreo al Londres donde se desarrolla la historia convirtiéndose en el tercer elemento a destacar de la historia frente al resto de los personajes de la obra de Stevenson que quedan meramente esbozados cuando no suprimidos totalmente.

En definitiva, la versión de Javier Olivares y Santiago Garcia de la obra de Stevenson ofrecerá a los lectores jóvenes la oportunidad de conocer una de las principales obras de la literatura universal picándoles por acercarse a la fuente de primera mano que también es de lo que se trata al tiempo que embelesará a los aficionados al cómic ante la habilidad de un equipo creativo que embelesa con cada una de las páginas y sentirán lástima que el tebeo dure tan poco. No importa, siempre podrán releerlo y apreciar nuevos detalles.

Otras obras de Santiago Garcia en El lector impaciente:

“El Vecino”, aquí y aquí.

Primer trailer de “Robin Hood”, de Ridley Scott.

Pocas historias han dado tanto juego en el cine como la de Robin Hood, el arquero infalible. Hay películas para aburrir aunque para mí las últimas revisiones del mito no daban para gran cosa (mis preferidas son “Robin y Mariam” y “Las aventuras de Robin Hood” protagonizadas por Errol Flynn y dirigidas por Michael Curtiz). El último al subirse al carro ha sido Ridley Scott quien últimamente da una de cal y una de arena (aunque el que tuvo retuvo y sus películas como mínimo no dejan de entretener), que para este proyecto se reencuentra con su muso, Rusell Crowe.

A mí Scott en su anterior película de temática medieval, “El reino de los cielos” me resultó decepcionante (probablemente la película mejorase en la versión extendida del DVD pero la que vi en el cine en su momento no me gustó) aunque el trailer de este “Robin Hood” me parece atractivo en una historia que cuenta con el handicap que la conoce todo el mundo. Habrá que estar atentos a partir de Mayo del año que viene para ver en que queda la cosa.

“George Sprott 1894-1975”, de Seth.

Mientras el canadiense Seth ultima la segunda parte de “Ventiladores Clyde”, ofrece señales de vida tras unos cuantos años de sequía creativa (al menos en España) con “George Sprott 1894-1975”, una obra que originalmente se publicó seriada en “The New York Times”, editada primorosamente por Mondadori. Y es esta una buena noticia porque si “George Sprott 1894-1975” aunque no aporte novedades argumentales dignas de mención dentro del imaginario de Seth sí que gráficamente muestra la evolución de un autor inquieto y comprometido con el medio que ha elegido.

En esta obra, parte de la narración de las últimas horas de vida de George Sprott, un veterano locutor de televisión en una olvidada emisora local de televisión canadiense en la que, durante décadas, realizó un programa sobre la exploración del Ártico, desarrollando, además, a partir de las entrevistas a distintos personajes una visión global de la vida de Sprott, con sus luces y sombras, a través de sus experiencias, los lugares que frecuentó y las personas con las que se relacionó.

Seth es un autor moderno obsesionado con el “tempus fugit” medieval que explora en su obra la reflexión poética ante la melancolía y el Olvido en un delicado equilibrio entre forma y contenido, y manteniéndose siempre a un paso de la depresión. En esta obra en concreto, conceptualmente podemos comprobar como Seth ofrece más de lo mismo en la que es obra más elaborada y sutil , que se convierte en una honda y sensible reflexión acerca del olvido que provoca el paso del tiempo a través de las experiencias de un antihéroe gris, George Sprott, un personaje entrañable con el que el lector simpatizará a pesar de sus flaquezas y al que vamos conociendo conforme avanza la lectura de la obra, a través de anécdotas seleccionadas de su biografía y el testimonio de una variopinta galería de personajes secundarios que de un modo u otro se relacionaron con él o sus vidas se vieron afectadas de algún modo, más o menos directo, por el protagonista. George Sprott aglutina en su persona y certifica con su muerte capítulos de la historia humana – los programas locales de televisión, las salas de conferencias, la exploración ártica- que, una vez superados, están, como su persona (y la de todos nosotros, por otro lado), destinados a desaparecer y ser olvidados perdurando sólo en el recuerdo de los que los conocieron, dejando clara la vocación del autor canadiense por reflejar un pasado superado en su obra.

Precisamente, a pesar de su evidente gusto hacia el pasado, Seth es un autor enormemente inquieto a nivel formal que se muestra al tanto de las últimas tendencias narrativas dentro del cómic. En ese sentido, la influencia de Chris Ware y su “Jimmy Corrigan” en esta obra resultan evidentes aunque Seth es capaz de imprimir un sello propio a la historia que la distingue y la hace atractiva al lector más allá de la fría perfección formal de Ware (por otro lado, buscada por este en su obra). Seth dota de un intimismo especial a su obra en la descripción de los personajes y los lugares, centrándose en la descripción de los detalles y los pequeños objetos cotidianos a los que dota de una simbología cuya significación queda a la interpretación del lector en un discurso tranquilo y pausado que no busca apabullar al lector y cuidando la recreación de los silencios y las pausas (algo en lo que no hay duda que Seth es un maestro) e intentado evitar efectismos superfluos. Seth construye elegantes composiciones de página en las que pasa con fluidez de pequeñas viñetas en las que apenas introduce ligeras variaciones en la expresión de los personajes a viñetas que ocupan páginas enteras que reflejan la inmensidad vacía de las extensiones árticas sin estridencia en una demostración más de su enorme talento. Seth construye una narración enormemente coherente a pesar del carácter seriado de la serie manejando con habilidad los distintos lapsos temporales en los que desarrolla la obra y mostrando un sentido del humor irónico e inteligente, hasta el momento bastante ausente de su obra, en la que convierte su condición de narrador omnisciente en el principal objeto de la broma que propone al lector contraponiéndolo al dramatismo de lo narrado. Cada viñeta, de este modo, se convierte en “George Sprott 1894-1975” en la tesela de un mosaico sin la cuál el conjunto carecería de sentido mostrando el dominio absoluto de la narración gráfica que pocos autores alcanzan en toda su carrera pero que en el caso de Seth sólo sirve de acicate para esperar con ansia sus nuevas obras.

“George Sprott 1894-1975” es sin duda uno de los mejores tebeos del año, aunque no sea un tebeo probablemente disfrutable para todos los públicos y todas las edades, de un autor en estado de gracia. Ideal para releer en frías tardes de invierno con Leonard Cohen sonando de fondo. Hagan la prueba.

Las diez novelas españolas de la década (según la revista Quimera).

Jaime Rodríguez, director de la revista literaria “Quimera”, me hace llegar esta lista elaborada para el nº 313 de la revista en la que se enumeran las diez novelas más importantes de la década junto a los criterios de elección:

"Quimera ha invitado a veinticinco lectoras y lectores profesionales de literatura española contemporánea a votar las diez novelas más importantes (no tiene sentido hablar de mejores) de esta primera década del siglo XXI. Sobre una lista previa de 100 títulos, en los que se incluían las obras que más eco crítico e institucional (en forma de premios a obra publicada) han tenido en estos años, tanto de autores nacidos en España como de autores con residencia fija en este país que escriben en castellano, la votación ha conducido a una lista final que aquí se reproduce. Finalmente, han participado en la encuesta: Vicente Luis Mora, Javier Moreno, Eloy Fernández Porta, Domingo Ródenas de Moya, Ricardo Martínez Llorca, Miguel Espigado, Antonio J. Gil González, Óscar Carreño, Ramón González Ferriz, Marco Kunz, Roberto Valencia, Juan Trejo, Jaime Rodríguez Z. y Jorge Carrión".

1. Roberto Bolaño: 2666 (Anagrama, 2004).
2. Enrique Vila-Matas: Bartleby y compañía (Anagrama, 2000).
3. Isaac Rosa, El vano ayer (Seix Barral, 2004).
4. Agustín Fernández Mallo: Nocilla dream (Candaya, 2006).
5. Javier Cercas: Soldados de Salamina (Tusquets, 2001).
6. Javier Marías: Tu rostro mañana (Alfaguara, 2007).
7. Juan Marsé: Rabos de lagartija (Areté, 2000).
8. Manuel Vilas: España (DVD, 2008).
9. Belén Gopegui: Lo real (Anagrama, 2001).
10. A.G. Porta: Concierto del No Mundo (Acantilado, 2006).

¿Están de acuerdo? No me parece mala selección aunque no haya leído todas.

Segundo trailer de “The Crazies”, de Breck Eisner.

Este segundo trailer confirma las buenas sensaciones que me dejó el primero del remake de la película de Romero que está preparando Breck Eisner. La suma de las dos entregas promete una película interesante que no desmerezca la original. Ojalá no me equivoque…

Luis Durán y la música

P: A la vista de la complejidad del proceso creativo, ¿qué momento se disfruta más, cuando se busca la documentación, cuando se redacta el guión, cuando se dibuja o cuando se entinta? ¿Cómo realizas estas últimas fases?

R: Durante el entintado es cuando más cómodo estoy porque tengo ya el libro resuelto en los lápices y ya lo peor que puede suceder es que te caiga una gota de tinta sobre una viñeta y tengas que repetirla. O sea, nada. No es como cuando haces los lápices que tienes que estar pendiente de que muchos palos funcionen a la vez para que la cosa valga la pena. O cuando estás haciendo el story o el guión que tienes que estar dándole vueltas hasta que cuaje una idea.

P: Rigoletto, en Nuestro verdadero nombre; La flauta mágica, en Volátil; La Traviata en El mago descalzo; Gauguin, en El Martín Pescador..., ¿hay siempre una ecuación matemática, una música (una ópera, una canción infantil, un villancico), una obra de arte... en cada uno de los libros de Luis Durán?

R: Siempre trabajo con música. Cada vez más. Antes solo escuchaba música cuando dibujaba ahora me pongo los cascos hasta para escribir. Puede que esto tenga algo que ver. Bueno, además siempre he tocado la guitarra. La música de una forma o de otra siempre ha estado ahí. Ahora mismo estoy escuchando un cd de Silvio Rodríguez...

Por otro lado me fascina la contigüidad que se halla en todo. Pensar en música es en cierto modo hablar de color... de matemáticas... Me resulta imposible desligar la magia y la ciencia... hadas de quasares y partículas subatómicas...

(De una completa entrevista realizada a principios de año por Susana, de la indispensable Trazos en el bloc a Luis Durán en la que el autor repasa su obra influencia y planes futuros. Para leerla completa pueden hacerlo aquí).

“La educación de Hopey Glass”, de Jaime Hernández.

Si en los primeros tiempos de “Love&Rockets” parecía que el bueno de la familia iba a ser Beto, en los últimos años el que está demostrando una mayor evolución y convierte cada nueva entrega de sus obras en una delicia es Jaime quien, con la penúltima entrega, “La educación de Hopey Glass”, publicada hace algún tiempo por La Cúpula en una cuidada edición, firma las mejores historias de su alocado universo.

“La educación de Hopey Glass” se puede dividir en dos historias largas protagonizadas por dos de los secundarios principales de la serie, Hopey y Ray, aunque se incluya alguna más, a modo de entremeses, en la que Jaime caracteriza a Ángel, la compañera de piso de Maggie siendo el tema que da coherencia al tomo la conciencia de la madurez, entendida como asunción de las consecuencias de nuestros actos, una reflexión aguda que Jaime realiza a través de las reacciones contrapuestas de sus protagonistas. Así, Hopey y Ray se nos presentan cambiados respecto a los personajes que conocimos en anteriores entregas de “Locas” afrontando la vida de una manera diferente y contrapuesta precisamente al inagotable entusiasmo juvenil de la nueva compañera de Maggie, Angel. En la primera de las historias, “Día a día con Hopey” asistimos a una semana en la vida de la protagonista, y comprobamos como afronta los cambios provocados por su nuevo empleo como ayudante de profesora de primaria. Mientras en las historias protagonizadas por Ray observamos su turbulenta relación con Viv mientras no puede quitarse de la cabeza a Maggie, su gran amor, buscando cualquier oportunidad para retomar su relación ya sea en una convención friqui o en una fiesta equivocada. ¿Lo conseguirá? Tendrán que leerse el tebeo para enterarse.

Antes que nada, una advertencia. Si no han leído nada anterior de Jaime Hernández es mejor que no empiecen por este tomo. La obra de JH es una “novela-río” en la que desarrolla las vidas de una serie de personajes de humanidad desbordante que evolucionan casi a la par que su autor, por lo que si se inicia la lectura de la obra sin un conocimiento previo de lo anterior se perderán buena parte de la historia. Dicho esto, “La educación de Hopey Glass” es, probablemente, la obra de madurez de Jaime Hernández, una obra de apariencia sencilla pero enormemente compleja, en la que el autor nos reencuentra con unos personajes vitales y llenos de flaquezas que escapan a cualquier estereotipo clásico, personajes que, en el universo construido por el autor se encuentran y desencuentran mutan, radical o sutilmente, para mantener atrapado al lector que se convierte en un voyeur de una intimidad que el autor y los protagonistas muestran sin ningún pudor.

Manteniendo en todo momento, una exigente composición de seis u ocho viñetas por página, JH opta por distintas vías a la hora de mostrar los cambios en sus personajes. Si en la historia protagonizada por Hopey no encontramos cuadros de apoyo y opta por un plano medio desde el que seguir las peripecias de la protagonista, en aquellas que Ray es el protagonista convierte a este en el narrador único de la historia construyendo el discurso introspectivo del personaje dentro de una trama más compleja argumentalmente en la que se incorporan subtramas de género negro. Dos vías distintas de las que se vale además el autor para reforzar la caracterización de la personalidad de los personajes, a la indómita Hopey frente al reflexivo Ray. En el aspecto gráfico, Jaime ha evolucionado enormemente dando un mayor contraste y peso a sus volúmenes y sombras sin que por ello la narración no pierda fluidez y sus personajes expresividad a pesar de mantenerse fiel a su característica economía de trazo que le permite dotar como pocos de significado los silencios de los personajes.

En definitiva, “La educación de Hopey Glass” es un magnífico tebeo que deja con ganas de seguir disfrutando de las peripecias futuras que la vida (JH) depara a los estupendos personajes pergeñados por un autor inspirado. Impaciente espero nuevas entregas.

Expocomic calienta motores

…Pues eso, que a puntito de abrirse las puertas del Pabellón de la Casa de Campo se acumulan las noticias referidas al Salón con la publicación de la lista de los premiados. Felicidades a todos los premiados aunque esta lista poco tendría que ver con la mía, pero es lo que hay. Ahí les dejo la lista y aquí un enlace donde les informarán de todo, todito, todo…

Mejor Obra Nacional
El Juego de la luna (Enrique Bonet y José Luis Munuera; Astiberri)

Mejor Guionista Nacional
Enrique Bonet (El Juego de la luna; Astiberri)

Mejor Dibujante Nacional
Rafa Sandoval y Roger Bonet (El Increíble Hércules: Invasión Sagrada; Panini Comics)

Mejor Obra Internacional
Los Muertos Vivientes 8: Creados para sufrir (Robert Kirkman y Charlie Adlard; Planeta DeAgostini)

Mejor Autor Revelación:
Salva Espín (WWH: El Día Después Control de Daños; Hércules, Lobezno Primera Clase; Panini Comics)

Mejor Fanzine
Adobo 3

Mejor Comic On Line
Pardillos http://perdidos-comic.blogspot.com/

A propósito, este año sí me pasaré el viernes por la tarde. Si acaso nos vemos, ya les saludaré …

(Actualización: Debido a una urgencia familiar al final no he podido ir al Expocomic el viernes y como el fin de semana lo tengo también complicado me temo que este año no habrá Expocomic para mí. Si acaso, ya me cuentan que les ha parecido.Sniff...)

Primer trailer de “The Sorcerer’s Apprentice” de John Turteltaub

…Ó “El aprendiz de brujo” como supongo se traducirá por aquí. Como el asunto es buscar la referencia a lo que sea para mover a los nostálgicos a pasar en taquilla, Disney se ha sacado de la manga para el próximo verano esta película basada –supuestamente- en el clásico de animación “Fantasía”. Claro, que cualquier parecido entre la película de Mickey y del viejo Walt y esta de imagen real protagonizada por nuestro querido Nicolas Cage (dos películas en un año, pronto recuperaremos los castillos a este paso…) será mera coincidencia. Por el trailer, mucho efecto especial y acción con peleas entre hechiceros, aprendices, dragones y demás fauna mística. Pinta a cine de entretenimiento sin pretensiones y si no se tiene algo mejor que hacer puede ser una buena oportunidad para visitar el cine con los calores o para hacerse con la “Fantasía” original que seguro que sacan alguna edición especial de ese peliculón. No saben nada estos de Disney…

“El Soldado Desconocido”, de Garth Ennis y Kilian Plunkett

Garth Ennis es uno de esos guionistas que no dejan indiferentes. Se le ama o se le odia, pero lo que puedo asegurar es que no he leído ninguno de sus tebeos que no fuese como mínimo entretenido. El penúltimo ha sido la miniserie de cuatro números que escribiera sobre El Soldado Desconocido, uno de esos desaprovechados personajes del Universo Bélico DC al el que nunca nadie ha sabido sacarle partido hasta que encargaron a Ennis y del meritorio Kilian Plunkett esta historia para reactualizarlo dentro de ese batiburrillo llamado “Vertigo Visions”, que en su momento publicara Norma Editorial en un par de prestigios y que Planeta ha reeditado en unos meses en un único tomo. Les cuento.

El agente Clyde es un bicho raro dentro de la CIA ya que a pesar de su patriotismo y su brillante hoja de méritos es un tipo con conciencia, lo que le hace poco fiable a ojos de sus jefes. Sin embargo, Clyde es un sabueso que no deja un caso por investigar y cuando en su ordenador alguien empieza a añadir a una lista de sospechosos que no deberían estar ahí, Clyde no sabrá mirar para otro lado. De este modo, Clyde le hincará el diente a uno de los secretos más oscuros y sucios de la historia de los servicios secretos norteamericanos desde la II Guerra Mundial. La existencia del tipo encargado de ensuciarse las manos en aquellos trabajos que nadie más quiere hacer cuya existencia es sólo conocida por unos pocos elegidos. La existencia del Soldado Desconocido. Si quieren saber más, tendrán que leerse el tebeo.

Ennis demuestra en este cómic porque es, en mi opinión, uno de los mejores guionistas del cómic “mainstream” sin discusión. En apenas cuatro números, redefine y actualiza uno de los mohosos personajes de DC y abre un atractivo abanico de posibilidades a explotar por otros guionistas en posteriores trabajos en una historia absorbente, oscura y atractiva en la que a través de la investigación del protagonista, el agente Clyde, Ennis realizará un rápido recorrido por el lado más polémico de la política exterior americana con visitas a Irán, Nicaragua o Vietnam en las que sitúa a su desquiciada y ultracon visión del soldado de invierno hasta el espeluznante desenlace. Ennis construye un tebeo en el que equilibra perfectamente la acción con la dosificación del misterio en una trama a medio camino entre “Apocalypse Now” y “El Corazón del Ángel” sustentada por su reconocida habilidad a la hora de construir los diálogos entre sus personajes, logrando en conjunto un tebeo realmente entretenido.

En el aspecto gráfico, Kilian Plunkett cumple sobradamente demostrando su capacidad como narrador al servicio de la historia pergeñada por Ennis, mimetizando su estilo con el del irritante Steve Dillon, aunque demuestre un mejor acabado que este, tanto en la recreación de atmósferas como en la utilización del color para introducir elipsis temporales o a la hora de caracterizar a los personajes y dotarles de expresividad. También hay que destacar la labor de Tim Bradstreet en la realización de las impactantes portadas que son reproducidas en la edición de Planaeta.

En definitiva, “El Soldado Desconocido” es un tebeo que asegura un buen rato centrado en un personaje a la medida de Ennis y en el que vuelve a demostrar una vez más que a pesar de sus excesos – en este tebeo, está muy comedido- siempre se muestra como un valor seguro. Ustedes mismos.

Otras obras de Garth Ennis en El lector imapciente:

“Hitman”

Primer teaser trailer de “Harry Potter y las Reliquias de la Muerte”.

Bueno, ahí tienen las primeras imágenes del principio del fin…Qué las disfruten los fans, que yo no le he cogido el tranquillo al amigo Harry (a ver si me leo los libros...)

“Viajero: Futuro 3”, de Stalner y Boisserie.

“Viajero” es una de esas series que no entran por los ojos ni ha recibido demasiado reconocimiento pero que, álbum a álbum, ha ido ganando en interés merced a una cuidadosa dosificación de la tensión que logra mantener el interés del lector y un apartado gráfico que va mejorando álbum a álbum. Planeta acaba de publicar el tercero del primer ciclo y la cosa mantiene el interés. Les cuento.

La acción se traslada a 2087, cuatro años después del ataque en la Soborna, y los jóvenes protagonistas poseedores del gen cuántico, Fish y Lou, han organizado gracias a sus poderes de teleportación un equipo dedicado a sabotear los planes de Markovic. Sin embargo, los dos chicos tienen caracteres contrapuestos siendo Fish, al que todos consideran como la futura encarnación de Vedder, mucho más irreflexivo y pasional que el discreto Lou quien se mantiene a la sombra de este. Sin embargo, la cosa se complicará cuando Lou descubra que también puede viajar en el tiempo como Fish y descubra el origen de su mentor, Issa. Por otro lado, Markovic está determinado a recuperar a los dos chicos y poder sacar provecho a sus poderes a cualquier precio.¿Cuál de los dos chicos está llamado a convertirse en Vedder?¿Logrará Markovic hacerse con los chicos?¿Aparecerá Vedder? Tendrán que leerse el tebeo para enterarse.

La tercera entrega de “Viajero” nos muestra a unos autores mucho más seguros de lo que hacen, con una trama que Boisserie va desarrollando con la suficiente habilidad para mantener interesado al lector con las revelaciones que nos ofrece a plazos medidos, y unos personajes que ganan en atractivo conforme avanza la historia. Boisserie construye una historia de ciencia ficción correcta, en la que los saltos temporales de momento no resultan el elemento central de la historia centrada, por el momento, en mostrar una sociedad que ha agotado los recursos naturales y es gobernada directamente por las grandes corporaciones y las peripecias del grupo de fugitivos. Es en este tercer álbum donde parece que Stalner da un salto adelante en el apartado gráfico atreviéndose con viñetas más grandes para mostrar localizaciones más detalladas e interesantes. De todos modos, aunque es un correcto narrador gráfico, me parece un dibujante bastante discreto al que le cuesta estar a la altura de la elaborada aventura pergeñada por el guionista.

En definitiva, “Viajero” es una serie más que interesante para todos aquellos que sean aficionados al género de la ciencia ficción y, aunque no encontrarán propuestas excesivamente originales, se encontrarán con un cómic de género correcto y entretenido que maneja perfectamente el “continuará” para mantener la atención del lector. Esperemos que no se demore demasiado la próxima entrega con la que finaliza el primer ciclo. Las portadas de Guarnido, bastante chulas.

Más “Viajero” en El lector impaciente:

“Futuro 1”
“Futuro 2”

¡El Día del Cómic!, ¿y por qué no?

Ya imagino a todos enterados de esta iniciativa que un grupo representativo (¿?) de los variopintos estamentos del mundillo del cómic (autores, libreros, distribuidores, bibliotecarios y editores) reunidos en Lérida en la II edición de Set De Cómic, han tomado para promocionarlo.

La cosa está todavía un poquito en pañales pero empieza con aparentes buenas intenciones, recabando iniciativas y teniendo en cuenta a los aficionados a través de un blog que se ha abierto al efecto donde pueden adherirse estos y los profesionales. Sin embargo, ya he leído por ahí algún comentario que no ve necesario un Día del Cómic existiendo ya un Día del Libro, suponiendo erróneamente, en mi opinión, que este engloba a aquel.

Más allá del formato –libro, revista, Internet- el Cómic es un lenguaje que no hay que confundir ni con sus soportes ni debe entenderse, error muy común, como un género literario. La literatura es literatura y el Cómic es Cómic. Por tanto, no deberían confundirse -emparentados, por supuesto, pero diferentes- aunque todavía este sea un error común incluso entre los aficionados y por eso quizás la existencia de un Día que lo explique no esté de más.

Por otro lado, a mí eso de los Días para todo no me acaba de entusiasmar. Es una especie de recordatorio que ha venido a sustituir al antiguo santoral y ahora prácticamente los 365 días se celebra o reivindica algo, para solaz de los medios quienes siempre tienen así algo a lo que echar mano para rellenar algo de espacio y olvidarse de ello los 364 restantes. Por otro lado, habría que buscar un consenso para determinar qué Día es el elegido para lo que habría que echar mano de los historiadores de la Historieta española (¿Toni Guiral, Manuel Barrero, Jesus Cuadrado, estáis ahí?) para elegir un día que realmente simbolice algo.

En fin, quizás sería más interesante a la hora de promocionar de verdad el Cómic el buscar soluciones para ajustar los precios y que de este modo vuelva a ser una manifestación cultural accesible para la mayoría de la población y no un bien de lujo o la manera de que todos los creadores reciban salarios dignos por sus obras. Pero, me temo, que estos problemas son más complicados de acometer…

De todos modos, es un primer paso. Yo me voy a adherir. A ver que se decide.

“Dr. Slump 1”, de Akira Toriyama.

Andamos desde hace unos días la chiquitina, la mamá y el que les escribe hechos unas caquillas (literal) como consecuencia de unos virus que la peque se cogió a su regreso a la guardería (mira que le tenemos dicho que no coja nada de desconocidos pero ella ni caso), con energías cero y turnándonos en el trono de nuestro hogar con el consiguiente menoscabo de energía. Quizás por eso, se impone una lectura revitalizadora que nos anime a ver si positivizándonos recuperamos en algo la salud. Una lectura como “Dr. Slump”, de Akira Toriyama, que Planeta ha empezado a reeditar aprovechando una nueva edición realizada en Japón hace un par de años.

“Dr Slump” narra las disparatadas aventuras de Sembei Norinmaki, el Dr Slump del título, un estrafalario científico treinteañero y solterón que, como un moderno Geppeto, decide construir el robot más perfecto del mundo, Arale, un róbot con apariencia de niña de diez años que actúa con absoluta independencia y pone a su inventor en las más comprometidas situaciones. El Dr. Slump y Arale vivirán todo tipo de estrafalarias y rocambolescas aventuras en las que conoceremos a nuevos habitantes de Villa Pingüino, el peculiar villorrio en el que viven, o viajarán por el mundo –y por el tiempo- probando los increíbles inventos del chabacano doctor.

Akira Toriyama es popularmente conocido por ser el creador de “Dragon Ball” pero yo, como muchos otros, creo que “Doctor Slump” es su mejor obra, un manga desenfadado y divertido como pocos en el que el autor da rienda suelta a su fabulosa imaginación y a su portentoso talento para la caricatura. Partiendo de influencias que van desde el omnipresente Tezuka y su “Astro Boy” (Alane quiere volar como Astro Boy) o las películas de monstruos radioactivos japoneses hasta llegar al “underground” americano más gamberro de Robert Crumb, Toriyama crea un particular universo de personajes entrañables, conscientes en todo momento de su condición de héroes de papel con licencia para todo en un “totum revolutum” lleno de un humor surrealista, escatológico e infantil al que resulta difícil resistirse.

Toriyama es un mago de la caricatura y del gag cómico convirtiendo el argumento de cada una de las aventuras protagonizadas por Arale y Slump en una mera excusa para incorporar en cada página una miríada de bromas y referencias en forma de personajes secundarios sorprendentes y extraños en constante diálogo entre ellos y el lector, no dudando el mismo Toriyama en convertirse en un personaje más de las historias que nos relata, permitiendo que el lector se pierda desentrañando cada uno de los detalles con los que Toriyama caracteriza a sus personajes y los distintos niveles de lectura que el autor va interponiendo a sus lecturas sin más objetivo que el de divertir y divertirse pero en una narración fluida y ágil absolutamente adictiva.

“Dr. Slump” es un cómic genial y Toriyama se coloca con esta obra a la altura de los Vazquez, Tezuka, Crumb y demás autores capaces de arrancar una sonrisa en cada una de sus páginas. La edición de Planeta resulta espectacular para tratarse de un manga con un precio la mar de apañado. No hay excusa para no probar.

“En defensa de los derechos fundamentales en Internet…”

1º.- Los derechos de autor no pueden situarse por encima de los derechos fundamentales de los ciudadanos, como el derecho a la privacidad, a la seguridad, a la presunción de inocencia, a la tutela judicial efectiva y a la libertad de expresión.

2º.- La suspensión de derechos fundamentales es y debe seguir siendo competencia exclusiva del poder judicial. Ni un cierre sin sentencia. Este anteproyecto, en contra de lo establecido en el artículo 20.5 de la Constitución, pone en manos de un órgano no judicial -un organismo dependiente del ministerio de Cultura-, la potestad de impedir a los ciudadanos españoles el acceso a cualquier página web.

3º.- La nueva legislación creará inseguridad jurídica en todo el sector tecnológico español, perjudicando uno de los pocos campos de desarrollo y futuro de nuestra economía, entorpeciendo la creación de empresas, introduciendo trabas a la libre competencia y ralentizando su proyección internacional.

4º.- La nueva legislación propuesta amenaza a los nuevos creadores y entorpece la creación cultural. Con Internet y los sucesivos avances tecnológicos se ha democratizado extraordinariamente la creación y emisión de contenidos de todo tipo, que ya no provienen prevalentemente de las industrias culturales tradicionales, sino de multitud de fuentes diferentes.

5º.- Los autores, como todos los trabajadores, tienen derecho a vivir de su trabajo con nuevas ideas creativas, modelos de negocio y actividades asociadas a sus creaciones. Intentar sostener con cambios legislativos a una industria obsoleta que no sabe adaptarse a este nuevo entorno no es ni justo ni realista. Si su modelo de negocio se basaba en el control de las copias de las obras y en Internet no es posible sin vulnerar derechos fundamentales, deberían buscar otro modelo.

6º.- Consideramos que las industrias culturales necesitan para sobrevivir alternativas modernas, eficaces, creíbles y asequibles y que se adecuen a los nuevos usos sociales, en lugar de limitaciones tan desproporcionadas como ineficaces para el fin que dicen perseguir.

7º.-Internet debe funcionar de forma libre y sin interferencias políticas auspiciadas por sectores que pretenden perpetuar obsoletos modelos de negocio e imposibilitar que el saber humano siga siendo libre.

8º.-Exigimos que el Gobierno garantice por ley la neutralidad de la Red en España, ante cualquier presión que pueda producirse, como marco para el desarrollo de una economía sostenible y realista de cara al futuro.

9º.-Proponemos una verdadera reforma del derecho de propiedad intelectual orientada a su fin: devolver a la sociedad el conocimiento, promover el dominio público y limitar los abusos de las entidades gestoras.

10º.-En democracia las leyes y sus modificaciones deben aprobarse tras el oportuno debate público y habiendo consultado previamente a todas las partes implicadas. No es de recibo que se realicen cambios legislativos que afectan a derechos fundamentales en una ley no orgánica y que versa sobre otra materia.

Pues eso, no hay que añadir mucho más (aunque si alguien lo necesita mascado, aquí se lo explican)…

Francisco Ibáñez, encantado de conocerse.

Pregunta: ¿Cuándo decidió que su vocación era la de dibujante de tebeos? Porque eso siempre ha sido algo un tanto mal visto por la gente.

Ibáñez: Yo, ante todo, quería pintarrajear. En cualquier trocito de papel, en cualquier pedacito de la pared de casa… una cosa lleva a la otra. Alguna vez he comentado, que yo publiqué mi primer dibujillo a los cinco o seis años en una revista que se llamaba Chicos, de Madrid, que tenía una última o penúltima página que era la típica de colaboración de los lectores, que te publican el dibujito y te lo premian, ahí fue el primer sitio donde aparecí publicado. No sé si me dieron cinco duros, que solucionaron el hambre familiar durante una semana. Y entonces empecé a publicar alguna historietilla, que entonces la dificultad no estaba en hacerla, claro, sino en cobrarla. Pero bueno, entonces lo de cobrarla era lo de menos, la cuestión estaba en ver las cositas publicadas: “Oye, qué bonito”, “Soy yo, eh, que soy yo”, lo hacía por eso.

Pregunta: Entonces, ¿usted cuál considera que es la Edad de Oro de Bruguera? ¿Desde qué momento hasta qué momento cree que se produce el apogeo tanto artístico como comercial de Bruguera?

Ibáñez: La Edad de Oro se empezó a vislumbrar cuando se empezó a publicar Mortadelo, fue subiendo con Mortadelo y llegó al súmmum con Mortadelo. Dirán “Éste qué coño está diciendo aquí”, pero es que hubo un tiempo en que Bruguera prácticamente vivía de Mortadelo. Tenía pérdidas por todas partes y en cambio lo de Mortadelo era un río de oro continuo, y con aquello tapaban distintos agujeros que tenía la empresa. La Edad de Oro de Bruguera fue Mortadelo, y Mortadelo coincidió con la Edad de Oro del cómic. Serían los años 60-70. Estoy seguro de que si yo hiciera Mortadelo ahora, pasado mañana estaría en una esquina limpiando parabrisas. Ahora ya no hay tiempo para hacer crecer un personaje. Éste, como ya llegó a la fama hace mucho tiempo, es quizás el único que se va manteniendo. Pero vamos, que yo podría crear ahora un personaje que fuera una maravilla, y la salida sería pero que muy dudosa, porque le faltaría un medio, un medio de sustentación. Antes los personajes se hacían un nombre en la clásica revistita semanal. Se hacía una página cada semana, aquello gustaba, se hacía una doble página, gustaba, se hacían cuatro páginas, etc, etc. Existía ese soporte. Y a partir de ahí se pasaba a los álbumes y a todo lo que tú quieras. Esas revistitas semanales han desaparecido por completo. No queda ni una. Ni aquí ni tampoco fuera. No queda ni una. Falta ese soporte. Entonces, si creara un personaje bonito tendría que arriesgarme a lanzarlo como álbum, y para lanzarlo como álbum tendría que tener un soporte de publicidad tremendo, carísimo, y hoy en día eso es arriesgadísimo.

Pregunta: Y mirando hacia su larga carrera ahora, ¿se arrepiente de algo? ¿Se siente especialmente orgulloso de algo?

Ibañez:Me siento orgulloso de toda la carrera en general. La doy por muy bien empleada. He conseguido una meta que muchos se han propuesto y no han llegado, que es la de ser el primero durante muchísimos años, el primero en ventas, el que más ha llegado a muchísimos rincones del país, el que más lo han estado leyendo. Eso lo he conseguido y no ha sido cosa esporádica, de un año de éxito y luego haber caído. Han sido muchos años, muchos, muchos. Y al llegar este momento pienso que todo tiene un principio y un fin. Estoy muy orgulloso de lo que he hecho. Mucho, mucho.

(Extractos de una completísima entrevista realizada por Santiago Garcia, Joan Navarro y David Múñoz a Ibáñez para “U, el hijo de Urich” y que pueden leer aquí. De lectura obligatoria).

Paul Naschy (1934-2009).

Resulta paradójico que de un tipo tan peculiar como fue Paul Naschy en vida, en el día de su muerte resulte tan fácil caer en el tópico certero. Se podría decir que “no fue profeta en su tierra” y sería verdad porque Naschy, a pesar de su larga carrera como actor, director y guionista de cine fue durante décadas ignorado en España hasta prácticamente los últimos años de su vida; donde gracias a la labor abnegada de unos pocos y fieles seguidores y su fama en el mundo anglosajón logró el reconocimiento de los medios y los políticos.

También podría decirse que fue “un francotirador”, uno de esos tipos geniales que suelen surgir en España que se adelantó en varias décadas al por entonces titubeante cine español más preocupado por lucir cacha con el destape o por mirarse el ombligo con películas de autor que iban de lo soporífero a lo sonrojante (con honrosas excepciones, claro) practicando un género “menor” como el terror al que se dedicó en cuerpo y alma, haciendo suyo a uno de sus iconos, el hombre lobo, a través de la serie de películas protagonizadas por su gran alter ego, Waldemar Daminski, películas la mayoría de ellas realizadas con escasos medios y en la que se suplían estos con imaginación y guiones bien hilvanados.

Sin embargo, creo que lo mejor que se puede decir de Jacinto Molina/Paul Naschy es que vivió como quiso haciendo lo que realmente le gustaba hasta prácticamente el final de sus días. Y eso no es poco…

D.E.P.

Entrevista a Paul Naschy.



Repaso a su carrera.

Esto sí que da miedo.

Y dirán que es un cumulo de casualidades, un caso excepcional y lo que quieran. Pero, dentro de unos días, nadie se acordará de este caso ni se habrá depurado ninguna responsabilidad pero a ese chico le han destrozado la vida (y cuidadín que nos puede pasar a cualquiera...). Si la prensa y la clase política son los garantes de la sociedad, apañados vamos...

Escolar lo explica bastante bien, aquí.

“Planeta Extra” de Diego Agrimbau y Gabriel Ippóliti.

Hoy tenemos por aquí un cómic con pedigrí. En concreto, el de haber sido galardonado con el I Premio Internacional de Historieta de Planeta que dada la dotación económica del premio no es moco de pavo y al que se presentaron gran cantidad de obras, lo que siempre despierta el recelo sobre si la ganadora era la mejor. Yo, como no fui miembro del Jurado, no lo sé pero, tras leer “Planeta Extra” no tengo dudas que estamos ante un buen cómic con suficientes méritos como para llevarse el gato al agua. Les cuento.

En un futuro cercano, la Tierra debido a la contaminación y el hacinamiento de población se ha vuelto un lugar difícil donde vivir y en el que –como no – los que tienen dinero y recursos suficientes se pagan el viaje de dos años para emigrar al paraíso de Luna Europa, la luna de Júpiter. A pesar de tan triste situación, Ernesto y, su cuñado, Toti, son felices trabajando como transportistas en su flamante camión volador rojo trasladando los bienes de los afortunados a las plataformas de despegue y disfrutando de la tranquila vida familiar. Sin embargo, la sencilla vida de Ernesto se empieza a torcer cuando su hijita le presente a su novio, un tipo que podría tener su edad, con el que le anuncia en medio de la comida que pretende marchar a Europa. Ernesto lo intentará todo para que la niña de sus ojos no se separe de la familia, incluso endeudarse hasta las cejas e implicarse en negocios un tanto turbios. Si quieren saber más, tendrán que leer el tebeo.

Diego Agrimbau, como ya demostrara en “El muertero Zabaleta”, es un guionista que domina los resortes de la ciencia ficción reivindicativa entroncada con la denuncia social y el género negro que enlaza directamente con grandes guionistas del cómic argentino como como Carlos Trillo o Carlos Sampayo. En esta ocasión, Agrimbau logra una equilibrada mezcla de costumbrismo cómico frente a la crudeza con que denuncia las injusticias sociales y ecológicas con el que ambienta el entono por el que transitan unos personajes bien caracterizados por Gabriel Ippóliti, un excelente dibujante formado en el mundo de la publicidad y cuyo estilo me recuerda al de Altuna, que crea un futuro bastante oscuro en el que la tecnología convive con electrodomésticos que ya eran antiguallas cuando éramos pequeños. Ippóliti logra recrea bastante bien la suciedad en el ambiente de una Tierra contaminada en la que conviven junto a personajes con una gran dosis de humanidad como Ernesto y su familia, tipos sin escrúpulos como Mandarina, o los sin hogar que aparecen en sus viñetas, recreando un universo muy coherente e hilvanado. Quizás el único pero que pueda ponerse al álbum sea cierta precipitación en su desenlace que permitiese dejar toda la historia aún más trabada.
En definitiva, estamos ante un Premio merecido y una lectura la mar de entretenida. Yo que ustedes no me la perdería. La edición de Planeta más que correcta.

Alan Davis, " es una mala idea hacer sólo cómics raros para adultos".

P: Entonces vuelve usted a Excalibur como responsable completo. Es una parte que me encanta, pura locura, muy divertida y muy bien contada. ¿Qué pretendió usted con su vuelta a esta colección?

Davis: No creo haber pretendido nada en particular, sólo hacer comics divertidos, lo que yo encontraría interesante si tuviera diez u once años. Una de las cosas que repito continuamente, casi hasta parecer un pelmazo, es que lo malo de los comics actualmente es que estan siendo escritos por y para adultos. Parece que a la gente le da vergüenza decir que hace comics para niños. Yo hago comics para adultos que son jóvenes de corazón, pero también para niños. Creo que nuestra principal audiencia debería ser la gente más joven. Me parece una mala idea hacer sólo comics raros para adultos. No es que esto sea malo, por ejemplo ahí esta la línea Vertigo o comics como Dark Knight o Watchmen, me parece esencial, pero creo que es todavía más esencial tener comics que los jóvenes quieran leer.

P: Se nos acaba el tiempo y debemos ir terminando, así que hablemos un poco de su estilo. Opinamos que con el paso de los años su forma de dibujar se ha ido estilizando. ¿Ha llegado ya a donde pretendía?

Davis: No creo que el estilo sea algo consciente, es como la caligrafía: se aprenden las formas pero luego cambia y cambia y cambia y se convierte en tu forma de escribir, no tienes control sobre ello, a no ser que te preocupe la forma. Creo que el estilo se desarrolla por accidente, no es algo planeado. Cuando dibujo pienso en la historia, en como contar la historia, no en el estilo del dibujo, eso es secundario.

P: Su forma de narrar es muy sencilla, fácil de leer, sin experimentación alguna; nos recuerda a algo que Paul Smith mencionó el año pasado en Gijón, en el sentido de que él quería que el lector entendiera lo que él estaba intentando decir, y no obligarle a pensar en cómo leer la historieta.

Davis: Éso es. Como dije antes refiriéndome a los comics para adultos y para niños, ésa es una división muy brusca, porque no creo que el comic tenga que ser para unos o para otros... Con los adultos, no queda mal hacer experimentos sofisticados, pero con los niños... Si hablas a un joven no usarás la palabra "serendipia", porque no la entendería. Así que cuando haces un comic tienes que pensar en quien va a leerlo; del mismo modo, cuando dibujas tienes que asegurarte de que la persona que lo mira pueda entenderlo.

Es como con los presentadores de noticias en Gran Bretaña. En las noticias de los centros regionales hay personas de cada región, hablando cada una con su propio acento; pero para las noticias en las emisoras nacionales, que son vistas por todo el país, tienen a gente que habla el inglés más estándar, el Queen's English, que no tiene acento. Así es como yo lo veo en los comics. Si quieres que te entienda todo el mundo, debes usar un estilo que pueda entender todo el mundo.

P: Estamos seguros de que usted ha tenido sus influencias, y de permitírnoslo el tiempo sería bueno hablar de ellas, pero estamos más interesados en saber lo que usted piensa de gente a la que usted ha influenciado, como por ejemplo Bryan Hitch.

Davis: En fin... A mí me han influido mucho Neal Adams, Gil Kane, Barry Smith, Frank Bellamy y cientos más, pero Bryan Hitch no está influenciado por mí, sino que me copia. Esto es otra cosa. Bryan coge uno de mis comics y copia. Eso no es influencia, es... Si te fijas en Rich Buckler verás que copia el trabajo de Neal Adams; a mí me influyó Neal Adams, pero nunca le he copiado. No miro comics de Neal Adams cuando dibujo, pero su estilo está en mi mente, porque cuando yo era niño, era como si asistiera a su universidad cuando leía comics; estudiaba su trabajo una y otra vez, así que se convirtió en parte de mí, y eso es diferente de que yo vea y copie dibujos de Neal Adams.

(Extractos de una interesantísima entrevista realizada por Jordi Juanmartí a Davis en 1998 que pueden leer completa aquí. Davis analiza abiertamente la primera parte de su carrera sin obviar ningún tema y da su opinión sobre qué tipos de cómics deberían hacerse y sobre a quién deben ir enfocados. Opinen, si quieren).

Alguien se mueve en Carmona…

En concreto, Rafael Jiménez y la Asociación “Carmona en Viñetas” que están organizando unos encuentros con autores la mar de interesantes tanto por intenciones como por nombres de los seleccionados. Reproduzco la nota que me ha pasado:

"Huyendo del carácter comercial de estos eventos "Carmona en Viñetas" organiza este ciclo para lectores y autores. Para crear un foro donde puedan conocerse y expresarse con un ambiente relajado fuera de interminables firmas de autores o encuentros perdidos entre mastodónticos salones donde lo de menos es el trabajo del autor y su obra.
Este evento intenta que esos autores que han tomado otras tierras sean orgullo patrio y merezcan el homenaje que merecen.
Los días 22, 23 y 24 de enero del 2010 esta humilde Asociación de este pequeño pueblo intentará ofreceros a todos los lectores y aficionados al comic. Un proyecto digno del medio con los siguientes autores: Rafael López Espí, Irene Rodríguez, Juan José RyP, Laurawant Kjoge, Juan Ramón Biedma, David Baldeón, Mateo Guerrero, Salvador Espín, Paco Najera, Paco Roca, Rafael Sandoval, Núria Peris, Maz!, Jesús Merino, Studio Kôsen, Cris Ortega…
Artistas que tan amablemente han aceptado colaborar con nosotros y embarcarse en este proyecto. Sólo esperamos estar a la altura de ellos y de todos los que deseen acompañarnos en este viaje entre viñetas.
Periódicamente iremos informando de la evolución de este proyecto. Pero todo aquel apasionado por el comic tiene una cita que señalar en el candelario 22, 23, 24 de enero del 2010. Os esperamos. También os podréis informar en. http://www.autoresenviñetas.es/”

Trailer de “A town called Panic”.

Otra película de animación que apuntar para ver con la peque. “A town called Panic”, pelicula belga premiada en Cannes, protagonizada por unos juguetes de plástico que interactúan entre sí. El Vaquero y el Indio deciden dar una sorpresa al Caballo por su cumpleaños, pero las cosas se complican…Esta película es un spin off de una serie de animación emitida en varios países, "Panique au Village", que cuenta las vidas de sus protagonisas en episodios de cinco minutos.

Por el trailer estamos ante una película muy especial que me temo difícilmente la veamos estrenada en España. Una lástima.

Nuevo trailer de “Toy Story 3”.

Para empezar el día con una sonrisa, un nuevo adelanto de la tercera entrega de “Toy Story”. Reconozco que le tengo ganas a esta película. Lástima que mi pequeñaja sea aún demasiado pequeña para llevarla al cine…