“30 días de oscuridad”, la película, de David Slade

Tenía curiosidad por ver esta película desde que leí hace años el cómic de Steve Niles y Ben Templesmith en que se basa, ya que siempre he tenido la sensación que partía de una idea a la que los autores no habían sabido sacarle todo el partido posible y que en su inevitable adaptación al cine un buen director podría aprovechar mejor. Y, vista la película, creo que no me equivocaba.
David Slade es un joven director que con su anterior trabajo “Hard Candy” demostró que sabía dosificar perfectamente la tensión dramática y el suspense manteniendo a los espectadores pegados al asiento. En "30 días de oscuridad", arropado por un guión firmado por Niles junto a Stuart Beattie y Brian Nelson, opta por no realizar la típica película “gore” para adolescentes y, sin renunciar a la acción, sabe alternar los enfrentamientos entre los sanguinarios chupasangres, que invanden el tranquilo Barrow, y sus habitantes, con momentos cargados de tensión psicológica en la que los humanos, escondidos en sus madrigueras, se preguntan desesperanzados a que tipo de terror se enfrentan mientras crece la tensión entre ellos conforme avanza el mes en medio de la oscuridad y sus esperanzas de supervivencia van desapareciendo. Precisamente, este es el punto fuerte que el cómic dejó sin desarrollar y en el que en la película se hace mayor incidencia, el tratamiento de la personalidad de los habitantes del pueblo, que el cómic en el mejor de los casos esbozaba y en la película se plantea como elemento principal para reflejar el drama psicológico del ciudadano corriente ante una amenaza sobrenatural para la que no está preparado y pone en peligro su supervivencia. Así, la referencia obligada a “La noche de los muertos vivientes” de George Romero es inevitable para entender el planteamiento de Slade y aunque cualquier comparación entre la fuerza del blanco y negro de la película de Romero frente al efectismo escarlata blanquinegro de esta película es odioso, hay que reconocer que Slade sale airoso construyendo una de las películas de terror más entretenidas e inteligentes que he visto en los últimos tiempos.
La película de Slade es muy respetuosa con la trama principal del cómic y sólo a través de la manipulación de los subplots, eliminando alguno de los callejones sin salida más absurdos que aparecían en el original y cambiando el sentido de la relación entre los protagonistas (si en el cómic Eben y Estela son una parejita feliz, en la película están a punto de separarse), ya es capaz de dar mayor hondura a la historia y aportarle suficiente contenido para que sus casi dos horas de duración no se hagan pesadas. También el encuentro con el Extraño está mejor tratado que en el cómic y es aprovechado por el director, al inicio de la película, para rendir un pequeño homenaje al “Drácula” de Stoker con una bella secuencia de un barco abandonado en el hielo y el Extraño llegando al pacífico y nevado pueblo de Barrow en un atardecer crepuscular. Slade juega con la estética para dosificar la truculencia al máximo y ofrecer escenarios y ambientaciones en la que las sombras y la amenaza latente del monstruo acechante contrasta con la espectacularidad de unos asesinatos en que la carga sangrienta está medida para no resultar empachosa. En este sentido, destaca la secuencia aérea de un Barrow invadido en el que los vampiros campan a sus anchas en que sobre el fondo blanco del pueblo nevado las notas de color escarlata y amarillo van señalando donde estos van acabando con los pueblerinos.
A nivel interpretativo, la película es más que correcta destacando Danny Huston en su poderosa interpretación del vampiro Marlow al que Josh Hartnett da réplica a duras penas con una interpretación demasiado plana del sheriff Olesson. El resto del reparto poco conocido cumple sobradamente.
En definitiva, una película de terror entretenida y bien contada que no dejará a nadie con la sensación de que le han tomado el pelo y confirma a David Slade como un director inteligente al que seguir.

"30 días de noche" en El lector impaciente aquí.

“El Salón” indecente o Normalización así, no

A través de La Cárcel de Papel me entero que la última obra de Nick Bertozzi (“Houdini, el Rey de las Esposas”) editada por Astiberri, “El Salón” viene marcada por el escándalo.
En un titular sensacionalista y ridículo la edición digital de “El Mundo” informa que un librero yanqui fue denunciado por venderle la obra a un niño de nueve años. Oh, criminal, criminal…
Sin entrar a valorar que la obra sea o no apta para venderse a un público infantil no deja de llamarme la atención que haya periódicos que a estas alturas de la fiesta sigan incorporando noticias sobre cómics si estas cuentan con un elemento morboso o exótico que le otorgue un plus de interés ante la opinión pública más allá de la calidad de la obra en sí. Y no es de extrañar, visto el lamentable amarillismo de los medios de comunicación que padecemos, que se busque en cualquier noticia el elemento morboso y en el Cómic, arte bisoño y maltratado por antonomasia, más, pero que la normalización en su tratamiento por los media suponga que una obra reciba este tipo de publicidad no beneficia en nada a un medio de expresión que debe equipararse con otros por arriba y no necesariamente por abajo.
No nos equivoquemos, el “que se hable de mí aunque sea mal” en casos como este no debería valer ni conformar a nadie.

La noticia de “El Mundo” aquí.

Felicidades…

…A Javier Bardem por el Oscar a Mejor Actor de Reparto en su interpretación del siniestro Anton Chigurh en la excelente película de los hermanos Coen, “No es país para viejos”, que ya les comenté aquí.
Me parece de justicia que Bardem reciba este galardón no sólo por este papel sino por su excelente trayectoria a lo largo de toda su carrera en la que ha dado vida a una enorme cantidad de personajes huyendo siempre del encasillamiento y superándose película tras película. Además, con este galardón la Academia resuelve la injusticia que cometió hace unos años al no concedérselo por su excelente interpretación del poeta cubano Reinaldo Arenas en “Antes que anochezca”.

Lástima que Alberto Iglesias no haya logrado el premio. Esperemos que a la tercera vaya la vencida.

Palmarés y Ganadores aquí y aquí.

“Fabulas: Lobos” de Bill Willingham, Mark Buckingham y Shawn McManuss

En el nuevo recopilatorio que nos ofrece Planeta y que engloba los números 48 al 51 de la edición norteamericana, la serie “Fabulas” llega a la cincuentena de números cerrando alguno de los arcos argumentales que mantenía abiertos y dejando un interrogante acerca del papel que seguirán jugando alguno de sus personajes más emblemáticos en el futuro de la serie.
En el arco “Lobos”, Mowgli sigue el rastro del desaparecido Lobo a través de Rusia y Alaska para encargarle una misión suicida en el país de las Fábulas de la que dependerá su futuro junto a sus hijos y Blanca. Ascendiendo por una alubia mágica, Lobo llegará hasta el Reino de los Cielos, un reino habitado por gigantes desde el que se tiene acceso al país de las Fábulas y transmitirá al Adversario un recadito de parte de las Fábulas rebeldes. En el siguiente episodio, asistimos a las dificultades de Cenicienta para lograr la firma del tratado de alianza entre Villa Fábula y el Reino de los Cielos al padecer el Rey un dolor de oídos y ser su médico poco ducho en su tratamiento.
El número cincuenta parece marcar un punto de inflexión en la serie con el acontecimiento social más esperado de la colección y confirma que Willingham y Buckingham tienen todavía buenas historias en el tintero que contarnos. Willingham es un guionista al que no le ha importado en ningún momento coquetear con la estructura de distintos géneros (espionaje, thriller, romántico) en sus historias para desarrollar a los principales personajes de la serie y su universo de fantasía y en este número parece dejar abierta la puerta a uno más sobre el que profundizar en el futuro, el particular sitcom que puede surgir de la relación entre Blanca, Lobo y su manada.
En cuanto al dibujo, Buckingham realiza un trabajo aseado en un arco en el que se ve obligado a dibujar elementos que no son precisamente su fuerte, como animales y espacios abiertos constantemente, salvando el expediente dignamente y se echan a faltar los elementos con los que suele adonar la páginas y que dotan a la serie de un particular encanto.

El dibujo de Shawn McManus en el episodio titulado “Lo Grande y lo Pequeño” cumple sin demasiado brillo con un estilo disney muy acusado.
En definitiva, quedamos a la espera de nuevas aventuras dejando a los personajes que tan buenos ratos nos han hecho esperar descansando felices. Ojalá Planeta las publique pronto mientras que amenizamos la espera con el spin off, “Fabulas: 1001 noches de nieve”. Si acaso otro día se lo cuento.

Más sobre “Fábulas” aquí y aquí.

John Byrne y la frivolidad

John Byrne es uno de mis autores maisntream preferidos. En uno de los momentos más bajos del género superheroico supo innovar desde la tradición sesentera de los pioneros para ofrecernos unos cómics inteligentes, frescos y llenos de ideas, ideas muchas de ellas que siguieron siendo explotadas hasta la saciedad por autores posteriores hasta el agotamiento. Sin embargo, Byrne conocedor de sus capacidades y dispuesto a exprimirlas al máximo en una de las industrias del Cómic más conservadoras que existen, tuvo un par -en realidad tres- de momentos de frivolidad memorables, que a la larga acabaron costándole el puesto.
El primero de ellos se sitúa en su etapa de “Los 4 Fantásticos”, una serie en la que realizó la que para muchos – entre los que me incluyo – es la mejor etapa de la serie. En medio de la saga en la Zona Negativa, el amigo John cambió en un episodio la tradicional orientación de página vertical por la horizontal para remarcar el efecto extrañeza que se supone debían vivir los 4F en tan extraña dimensión y transmitírselo a los bisoños aficionados que devorábamos la colección. Los lectores de la época babeábamos con el atrevimiento de Byrne que había conseguido reflotar la serie y situarla entre las más vendidas de la Casa de las ideas. Sin embargo algún editor ya le debía haber cogido ojeriza porque a la siguiente que John quiso salirse de la regla sobre lo que debía ser un cómic-book en una historia protagonizada por Galactus a base de splash-page le fulminaron de mala manera, aunque luego publicaron la historia en la revista Epic bajo el título “La Última Historia de Galactus·.
Sin embargo, aquí no acabó la osadía del autor. En la colección que era su ojito derecho, "Alpha Flight", el grupo canadiense que creó en La Patrulla X, Byrne tuvo la genial idea de narrar una lucha entre Ave Nevada y un elemental de nieve dejando las páginas en blanco e introduciendo únicamente los bocadillos de diálogo. ¿Tomadura de pelo, frivolidad, genialidad? Llámenlo como quieran pero, a la larga, Byrne abandonó también esta serie.
Es difícil valorar pasado el tiempo donde empieza la genialidad del artista y donde termina su excentricidad o divismo. Probablemente, el valorarlo queda al libre albedrío de cada lector pero en este caso creo que la mayoría que leímos (y disfrutamos) estos tebeos en su día todavía añoramos la valentía de este canadiense genial.
Y que Morrison aprenda a ser frívolo.

Más Iron Man…

El otro día les comentaba mis impresiones sobre la nueva película de Iron Man y hoy les muestro el último trailer. Un trailer en el que se da más importancia a la acción y los efectos especiales.

Pinchen y vean.

Sonaste Maneco 13

Si hay una revista “on line”dedicada al cómic consolidada, esa no es otra que “Sonaste Maneco”. Una revista llena de interesantes artículos que llega a su número trece dedicándolo en exclusiva a “El Eternauta” (a propósito, les debo una entrada sobre el tema, a ver si la semana que viene…).

Aprovechen y pinchen aquí para descargársela que, además, es gratis.

Grant Morrison, Batman y la frivolidad

Les contaba hace unos meses por aquí lo interesante que parecía la nueva colección de Batman editada por Planeta con la presencia de dos pesos pesados como Grant Morrison y Andy Kubert. Pues bien, poco después, el amigo Grant interrumpía su participación en la serie dejando la continuidad de los interesantes arcos argumentales que había iniciado en el alero para tomarse unas vacaciones. Durante este tiempo el dueto estrella fue sustituido por John Ostrander y Tom Mandrake que a buena voluntad no les gana nadie pero no me negarán que no es lo mismo.
Pues bien, en el número 9 de la edición de Planeta se ha producido la reincorporación del amigo Grant a la serie después del descanso, así te compras el cómic y al abrirlo, paf…de repente te encuentras con algo sorprendente. No hay tebeo, ni continuidad ni nada. El amigo Grant se sale por peteneras y nos obsequia con un relato en prosa ilustrado por John Van Fleet. ¿Qué ha podido pasar? Que Andy Kubert estuviera en otro proyecto y no le diera tiempo a reincorporarse a la colección en este número, con lo que Morrison y DC se han buscado una solución de emergencia. Un cuentecito firmado por el amigo Morrison que total, como es guionista, seguro que se le da bien eso de escribir.
Pasado el susto inicial y leído el relato, la verdad es que uno no se recupera. Morrison es un gran guionista de cómic –sobre todo un guionista “de ideas”- pero en el medio literario demuestra ser un más que discreto escritor. La historia que nos cuenta acerca del enésimo enfrentamiento Batman-Joker está bastante mal narrada, carece por completo de ritmo y el estilo resulta pesado, reiterativo y cargante. Si tras el primer capítulo de los diez en que se divide, no lo han dejado supongo que serán capaces de resistir hasta el final y descubrir el nuevo giro que Morrison quiere darle a la relación entre el Joker y Harley Quinn, pero les advierto que se les va a hacer muy duro.
En fin una verdadera frivolidad la que se ha marcado el señor Morrison, no sabemos si obligado o no por las circunstancias. Parece que a partir del próximo número Andy Kubert se reengancha a la serie y podremos correr un tupido velo acerca de este negro episodio en la carrera del escocés.
El número de Planeta se completa con un episodio de Detective guionizado por Stuart Moore y dibujado por Andy Clarke completamente anodino y que, además, queda a medias, pero que tras el impacto anterior casi parece escrito por el Moore bueno (exagero).Un número completamente prescindible. Inténtelo de nuevo el mes que viene.

Más Batman en El Lector Impaciente aquí y aquí.

“El Hereje” de Miguel Delibes

Miguel Delibes ("Los Santos Inocentes", "El disputado voto del Señor Cayo") es uno de los autores vivos más importantes de la literatura española contemporánea. Por eso, no dejaba de ser un riesgo que realizase una incursión en la ninguneada novela de género, con “El Hereje”, una novela histórica en toda regla. Si la novela salía mala, probablemente algún sesudo crítico en seguida saltaría, diciendo que Don Miguel estaba mayor y lo mejor de su obra ya se había publicado, pero si salía buena, el mismo crítico mordaz comentaría que un literato de su calibre no debería malgastar su talento en bagatelas vulgares. Sin embargo, “El Hereje” es una demostración de virtuosismo y cómo desde los géneros pueden hacerse obras que los trascienden y engrandencen.
“El Hereje” se sitúa en el Valladolid del siglo XVI y novela un hecho histórico poco conocido, la existencia de grupos reformistas en la católica España de Carlos V a través de la peripecia vital de uno de sus miembros, Bernardino Salcedo. Estructurada en tres partes, en la primera, Delibes se centra en la infancia y juventud de Salcedo, quien nace el mismo año que Lutero colgó la Dieta en la Iglesia de Wittemberg, que provocaría el cisma de la Iglesia Romana, y pasa su infancia y juventud marcada por la ausencia de sus padres. En la segunda parte, Delibes nos narra sus experiencias como acomodado comerciante intelectualmente curioso que, debido a su inquieta espiritualidad y mente abierta, traba conocimiento con los movimientos reformistas de Valladolid, lo que provoca qu,e en la tercera parte de la obra, sea ajusticiado por el Santo Oficio poniendo en peligro su patrimonio y su vida en defensa de sus convicciones y fe.
Delibes haciendo derroche de conocimientos y sapiencia se acerca a un género alejado sólo aparentemente de sus temáticas habituales para construir una novela conmovedora por momentos, documentada siempre y excelentemente planificada. A través de la vida de Dionisio, asistimos a uno de los momentos más interesantes y desconocidos del reinado de Carlos I, así como a las prácticas habituales en la intrahistoria de los habitantes de la España de la época a la que el vallisoletano nos transporta mediante la prosa parca, pulcra y eficaz a la que nos tiene acostumbrados. Una obra que es al tiempo alegato contra la estupidez de las mayorías y los fanatismos en un tiempo en el que pensar o creer en algo diferente a la postura oficial se pagaba con la hoguera.
En definitiva, una excelente novela que llevó a su autor a ganar por segunda vez el Premio Nacional de Literatura en 1999.
Y es que no hay género pequeño sino pequeños escritores…

Iron man, iron man, que miedo das…

Pues sí, miedo me da la enésima adaptación al cómic de un héroe Marvel. Y no, precisamente, por lo poco que pueda parecerse la adaptación a los personajes originales que la cosa salvo alguna honrosa excepción (“Spiderman”), ha ido de lo cómico (“Los 4 Fantásticos”) a lo surrealista (“Hulk”) porque a estas cosas uno ya está acostumbrado. No, más bien, mi miedo radica en que por fin la adaptación esté a la altura de las expectativas creadas ya que el trailer invita a la esperanza.
Iron Man desde sus orígenes en Tales of Suspense 39 ha sido el superhéroe más conservador y reaccionario de la historia de la Marvel (aunque luego las fama se la llevase el pobre capi, tan correcto y crítico con el sistema como siempre ha sido él). Bajo la frívola apariencia de “play boy” se escondía todo un halcón conservador que en sus inicios lo mismo zumbaba vestido de brillante armadura a los "charlies" que a la amenaza comunista en forma de Dinamo Escarlata, Hombre de Titanio o similar mientras que de paisano hacia gala del más pragmatico neoliberalismo proveyendo de armamento y tecnología a las principales agencias de espionaje (que se lo digan a SHIELD). Vamos, el adalid yanqui de la Guerra Fría llevada al Cómic y que, en los últimos tiempos guionistas como Millar han sabido actualizar en sagas como “Civil War”.
A lo que iba, que visto el trailer, la interpretación del estupendo Robert Downey Jr. ("Zodiaz") puede hacerle justicia al viejo Tony, con una versión del personaje adaptada a la situación mundial, en la que Tony Stark es un halconcito conservador y neoliberal dispuesto a acabar con unos enemigos con un aspecto sospechosamente árabe.
Y es que en el fondo, hay algunos por los que parece que no pasan los años…



Página oficial de la película aquí.

“Sweeney Todd: el barbero diabólico de la calle Fleet” de Tim Burton

El domingo me acerqué a ver la última película de Tim Burton (“Ed Wood”, “Big Fish”) protagonizada por su “alter ego” en la pantalla, el talentoso Johnny Depp y, debo decir, que me gustó, aunque me temo que la película sea demasiado irregular y sangrienta para el espectador medio por los comentarios de mis vecinos de butaca.
“Sweeney Todd” está basada en un exitoso musical de Stephen Sondheim, y nos traslada al Londres del XIX para contarnos la historia de Benjamín Baker (Johnny Depp), un barbero londinense, condenado injustamente por el malvado juez Turpin (Alan Ricman) para poder seducir sin trabas a la bella y fiel esposa de Baker. Al volver a Londres, tras quince años de condena, Baker descubrirá que su mujer fue envenenada por Turpin y su única hija se ha convertido en la pupila del juez con la que éste planea casarse. Baker, trastornado, jura venganza y bajo la identidad de Sweeney Todd, el barbero diabólico, se dedicará a rebanar el pescuezo a sus clientes proporcionándole de ese modo a su cómplice, la sra. Lovett (Helena Boham Carter) el ingrediente principal para sus empanadas de carne, mientras espera que alguno de sus enemigos se decida a traspasar la puerta de su barbería para proporcionarle un “afeitado apurado”.
Parece que tras los musicales en animación “Pesadilla en la Noche de Navidad” y “La Novia Cadáver”y el coqueteo de “Charlie y la Fábrica de Chocolate”, Burton le ha cogido definitivamente el gusto al género y se ha animado con un “musical gótico” excesivo, poderoso e irregular.
Burton, con una puesta en escena espectacular, recrea perfectamente un sórdido y siniestro Londres decimonónico con la solvencia que ya demostró para las ambientaciones góticas y oscuras en “Sleepy Hollow”, con la que “Sweeney Todd” guarda más de una similitud formal. “Sweeney Todd” cuenta con secuencias tremendamente impactantes y brillantes de las que ya nos tiene acostumbrados este director, con buenos números musicales incorporados para que la narración avance e interpretados por un excelente plantel de actores involucrados con la película entre los que hay que destacar, aparte del camaleónico Johnny Depp (“Piratas del Caribe”, “Ed Wood”), a la excelente Helena Bohan Carter (“Poderosa Afrodita”, “Regreso a Howards End”), que en más de una ocasión eclipsa al mismísimo Depp y sigue demostrando ser una de la actrices más versátiles de su generación, junto con un siempre solvente Alan Rickman (“Sentido y Sensibilidad”, “El Perfume”) y un sorprendente Sacha Baron Cohen (“Borat”) como Pirelli , quienes cumplen sobradamente con la papeleta de dar el cante. Sin embargo, a pesar de todos esos elementos positivos, la historia avanza a trompicones y deshilvanada debido a la imposibilidad de resumir un musical de tres horas en las aproximadamente dos que dura la película. De este modo, hay demasiados personajes que pululan por la película escasamente caracterizados y el desenlace resulta excesivamente apresurado y embarullado dejando al espectador con la sensación de que quedan demasiadas cosas por contar.
En definitiva, una película que los fanáticos de Burton y Depp sabrán disfrutar pero en la que el director alterna aciertos y errores y que al espectador medio incapaz de seguir el cuento planteado por Burton crispará o dejará indiferente. Ellos se lo pierden.

Aconsejando…

…Que se pasen por la interesante +QueCómics y le echen un vistazo a la entrevista que publican en su sección +QuePromesas al amigo Adriano Viedma Peláez (adr). ¿Por qué? Bueno, principalmente, porque es amiguete pero también porque su trabajo (¿?) merece la pena ser conocido y muchos de ustedes que tienen la ilusión de ganarse la vida alguna vez en esto de pintar monigotes se sentirán recoconocidos en sus experiencias.
Y, si quieren ver más muestras del trabajo de Adr o de su colega, Mojonshon, no dejen de visitar Neotako, a ver si por casualidad se les ha ocurrido actualizar la página.

Rectificando o primeras imágenes de “Batman: Gotham Knight”

Rectificación a la que me obliga el amigo NachoMG. Resulta que el trailer que les puse ayer de “Batman: The Dark Knight” era más falso que un bolso de Gucci comprado en el top manta así que les subo ahora el bueno, aunque imagino que a estas alturas de la fiesta ya lo conocerá todo el mundo.



Y para compensarles otro realmente friqui que se ha montado el amiguete Keshen con las figuritas de LEGO. Es muy divertido.



Ah, y todavía hay más, amiguitos. Desde la Warner han encargado a diferentes equipos de animación una serie de capítulos que aclaren los puntos oscuros entre los sucesos de “Batman Begins” y “Batman: The Dark Knight” al estilo de los que se realizaron para “Las Guerras Clon” del George Lucas o la trilogía "Matrix" de los hermanos Wachowski. Aquí tienen un adelanto sobre diseños, personajes y demás junto a entrevistas (en inglés) a Didio, Levitz, Bruce Timm y demás involucrados en el proyecto. Sencillamente, espectacular.

Espero que me acepten la rectificación...

“Criatura Maldita” de Hideshi Hino

Hideshi Hino (Manchuria, 1946) es considerado como uno de los principales referentes del manga de terror junto a Maruo (“La sonrisa del vampiro”) o Ito (“Uzumaki”) pero mientras que estos autores se les puede considerar más escabrosos y escatológicos, Hino ha desarrollado un sentido sutil en su tratamiento del terror que le hace único dentro del género.
En “Criatura Maldita”, publicado el año pasado por La Cúpula, Hino nos cuenta la historia de dos hermanas separadas al nacer. Una de ellas, es un precioso bebé mientras que la otra es un ser deforme que se alimenta de sangre únicamente. El padre, espantado, abandona al bebé monstruoso en un vertedero donde muere. Sin embargo, debido a un demoníaco encantamiento, resucita e inicia una lucha por su supervivencia que la llevará a convertirse en la reina del vertedero (sic.). Pasados los años y guiada por un oscuro instinto filial, la criatura intentará buscar a su familia, dejando por el camino una estela de cadáveres. Cuando al fin se produce el encuentro con su hermana, los demonios que la resucitaron le plantearán a la criatura un dilema entre su supervivencia y su humanidad.
Hino en “Criatura Maldita” construye un cuento rico en lecturas que van desde el clásico relato de terror hasta la parábola social. A través de una estructura narrativa sencilla y fluida, en la que todo el peso de la narración recae en una técnica de dibujo sólo aparentemente simple, el tebeo se lee con rapidez despertando en el lector sensaciones contradictorias ante un relato tan extraño y perturbador. Hino reduce el texto al mínimo imprescindible dejando que el peso de la narración recaiga en su dibujo y jugando hábilmente con el tamaño de las viñetas y el diseño de página para aumentar ó disminuir la tensión.
Hino inocula en el lector un sentimiento de simpatía por la monstruosa criatura protagonista, un ser que por su aspecto no ha podido tener una oportunidad en la vida, al tiempo que se regodea en el horror del que la criatura es capaz de provocar en la búsqueda de su familia.
Y es que la naturaleza del terror que plantea Hino en este relato no radica tanto en la naturaleza infernal de la criatura sino en la reacción visceral de la sociedad ante ella.
Ni el planteamiento de la historia ni su moraleja son originales. La anónima criatura entronca con el concepto romántico de monstruo explotado hasta la saciedad por la literatura gótica y el cómic: seres malditos que añoran una humanidad que las rechaza, al igual, por ejemplo, que "La Cosa del Pantano" de Berni Wrighton y Len Wein. Sin embargo, lo que si resulta original en el tratamiento de la criatura es su absoluta perplejidad ante lo que ocurre a su alrededor y la amoralidad con la que actúa. La criatura infernal no es buena ni mala, sino que en su salvajismo asilvestrado, ingenuo y superviviente entronca con los niños salvajes del XIX que tan bien describiera Truffaut en su película “El pequeño salvaje”, y desarrolla, conforme avanza la historia, su propia humanidad más auténtica, tierna y real, quizás, que la de los seres humanos “normales”. Es esta mezcla entre ternura y terror, patetismo y escatología, ingenuidad y perversión, lo que hace de “Criatura Maldita” un cómic diferente y a Hino un autor a seguir. Búsquenlo.

Quiero ver esto…

Viendo el primer trailer de “Indiana Jones y el Reino de la Calavera de Cristal” la cosa promete…



Y, respecto a esta, tengo más reservas pero también la tengo ganas.



Seguiremos pendientes...

La blogosfera es cosa de hombres…Ó el Big Culo Day todavía culea

A cuarenta y ocho horas del Gran Día del Culo, el tema todavía culea y creo que alguna conclusión interesante podemos sacar al respecto revisando la galería que el Ornitorrinco Enmascarado se ha currado en Picasa con casi todas las aportaciones al evento. Por ejemplo, que la blogosfera comiqueril es cosa prácticamente de hombres (salvo honrosas excepciones) viendo los pocos culos masculinos que han sido seleccionados por los blogueros para celebrar este día (Jotace, para próximas ediciones deberías extender el tema a todo el fin de semana para no llevarte tanto sofoco). Cosa lógica, sin embargo, teniendo en cuenta que nos guste o no, el cómic durante décadas ha sido un negocio por y para hombres y sólo, en los últimos tiempos, se ha empezado a frenar esta tendencia, incorporándose la mujer de una manera lenta pero constante al mundillo a todos los niveles. Esto no quiere decir que el Cómic - ni la blogosfera - sea un guetto de machismo ni nada por el estilo sino, simplemente, que durante años se han repetido los modelos sociales imperantes a pequeña escala con lo que el Cómic no ha hecho más que reflejar las ideologías y comportamientos dominantes socialmente.
De los casi doscientos blogs que informaba Jotacé que hemos participado en el evento no creo que lleguen ni al cinco por ciento aquellos que han incorporado un culo masculino. En definitiva, que como ellas también tienen derecho a disfrutar y a participar de tan señalado homenaje y, desde El Lector Impaciente, se defiende la igualdad entre sexos les subo un culo masculino que he encontrado por ahí para que también lo disfruten.

La blogosfera hoy va de culo

Tras el marasmo existencialista provocado por el amigo Pons en toda la Blogosfera tebeil en lo que tenía que haber sido una tranquila tarde de domingo con sus preguntitas, Jotace ha propuesto una interesante iniciativa para que todos volvamos a tomar tierra y nos centremos en aquéllas cosas que realmente importan: que todos los blogueros, comiqueros de pro, dediquemos, en un bello gesto de hermanamiento, un calvo al éter y afrontemos el futuro desde un único punto de consenso, democrático, unificador e igualitario: el elogio al Culo, ya sea propio o ajeno.

Un culo lo tenemos todos y todos, los culos, más allá de su forma, afrontan abnegados las más sacrificadas y sucias funciones corporales, callados y serviciales, pudiendo proporcionar, además, secretos placeres a sus dueños. No nos engañemos, el Culo como el Uróboros, es Principio y Fin, Alfa y Omega, que resume nuestra existencia y nos acompañará fiel hasta el Fin, así que unámonos a Jotacé y su momento de inspiración, mostrando un bello culo al mundo. En concreto, el de Valentina, la sensual fotógrafa creada por el maestro Crepax y que tantas ensoñaciones adolescentes ha protagonizado.

Que lo disfruten.

Iniciativas a destacar

Dos en concreto:

Uno: Manuel de Caldas llega a su cuarto número de la edición ¿definitiva? de “Príncipe Valiente” en español con los mismos problemas para su distribución en librerías que tuvo con el tercero. A mí no me parece de justicia así que si quieren colaborar con él y su labor pueden ponerse en contacto con Manuel aquí.

Dos: los chicos de Pammhg, probablemente el mejor foro sobre cómics en la actualidad llega al tercer número de su revista digital. Un número especialmente emotivo en el que rinden homenaje a Sebas, uno de sus colaboradores tristemente desaparecido. La revista merece la pena y no tiene nada que envidiar a alguna otra más “profesional”. Si quieren descargársela y comprobarlo por ustedes mismos pinchen aquí.

Lector de manga, lector de segunda.

Nadie duda hoy en día de la preponderancia del cómic japonés (manga) como el más leído y seguido en todo el mundo ganando terreno al de otras nacionalidades, como el norteamericano o el europeo, supuestamente más arraigados.

El manga, hoy en día, cuenta con una legión de seguidores, que viven con entusiasmo su afición, como queda patente si se pasan por cualquier festival o Salón donde comprobarán que los que animan el cotarro son grupos de aficionados, jóvenes, en su mayoría, que no tienen ningún pudor en disfrazarse de sus personajes favoritos, cantar en japonés o lo que les echen, con tal de disfrutar de una manera sana y activa de su afición, llegando a tener sus propios salones exclusivos. A este fenómeno mundial, no ha sido ajeno nuestro país, de modo que junto a las grandes editoriales que rápidamente se posicionaron, han surgido algunas más pequeñas, capaces de competir abiertamente con ellas birlándoles el derecho de más de una serie importante, lo que ha provocado que en España contemos con una gran cantidad de publicaciones todos los meses, que amplían rápidamente el fondo editorial, aunque, claro está, el ansioso lector siempre demande más. Sin embargo, en este idílico escenario en el que las editoriales han encontrado su pequeño paraíso en el que casi todo lo que se publica, se vende bastante bien, hay alguna nube en el horizonte. Por un lado, la falta de crítica de la mayor parte de los aficionados al manga, en su mayoría jóvenes que se iniciaron desde el anime, que ha permitido se asuman con total normalidad ediciones lamentables.

El manga, no nos engañemos, tradicionalmente se publica en su país de origen en ediciones destinadas a un consumo rápido y desechable, pero no parece de recibo que esas prácticas deban importarse también. En España el manga se edita mal, muy mal, en comparación a como se editan los cómics norteamericanos por no entrar ya en las “lujosas” ediciones de cómic europeo. Probablemente, esta aceptación como natural de tan malas ediciones se deba a una cuestión cultural del aficionado. El lector de cómic norteamericano y europeo está acostumbrado a ediciones cuidadas y, aunque las cagadas se produzcan igualmente, suelen ser menos clamorosas y la editorial procura, como mínimo, disculparse llegando en algún caso hasta a retirar ediciones enteras. Buenas ediciones de mangas a mí se me ocurren a bote pronto un par, las de Norma con “Akira” y la de Glénat de “Golgo 13” pero de pifias relacionadas con la edición de manga que pasan prácticamente sin una queja se encuentran ejemplos todos los meses (sin ir más lejos las ediciones que realiza una editorial especializada únicamente en manga cuyas colecciones son prácticamente fotocopias encuadernadas) y en todas las editoriales, auspiciadas por unos aficionados que tragan con todo con tal de contar con la colección de sus sueños a un precio asequible. De modo que la editorial de turno se encuentra ante el escenario soñado: aficionados entusiastas que se hacen prácticamente con cualquier cosa que les quieran publicar y no se quejan demasiado. La situación ha llegado al extremo que desde el blog de una editorial se rían abiertamente de aquéllos que religiosamente les dan de comer en un gesto lamentable del que deberían avergonzarse.

Probablemente, en algún momento la gallina de los huevos de oro se muera y las editoriales decidan cuidar más a aquellos que las mantienen dejándose sus dineros, pero, mientras tanto, de qué preocuparse si estos tragan con todo. Lo que les digo, lector de manga, lector de segunda. Y así nos va.

El Día de Charles Schultz

Resulta que ayer con la muerte de Gerber se me pasó el aniversario de la muerte de Schultz (ocho años ya) y, aprovechando que me entero por aquí que hoy sus seguidores celebran el día de este genio de la tira, no quiero pasar sin rendirle mi pequeño homenaje a un hombre capaz de resumir en sólo cuatro viñetas esas verdades que sesudos filósofos necesitan más de un libro y una vida para definirlas peor.

No se me ocurre mejor homenaje de un autor que leerle. Así que si pueden, no se queden en la anécdota de la mercadotecnia y échenle un vistazo a sus tiras. Y sonrían.

La página oficial de Peanuts aquí.