Scott Joplin, Chris Ware y Treemonisha.

Chris Ware es todo un personaje y nunca se sabe por donde puede salir. Su penúltimo proyecto ha sido el diseño gráfico de la portada y el libreto de un CD en el que se recoge la opera “Treemonisha”, obra de uno de los padres del Ragtime –género al que parece Ware es muy aficionado- y la música negra norteamericana, en general, como fue Scott Joplin.

La historia de "Treemonisha" y Joplin son de las que le gustan al autor de “Jimmy Corrigan”. A raíz del fracaso que su momento fue “Treemonisha”, Joplin sufrió una depresión por la que tuvo que ser ingresado, contrajo la sífilis en el hospital y falleció en 1917.De lo más deprimente...

Os dejo una pieza de “Treemonisha”

Los Ramones y Daniel Clowes no quieren crecer.

En 1995 se publicó “¡Adiós amigos!” el que fuese último álbum de la mítica banda de punk conocida como Los Ramones y, en consecuencia, su último gran éxito.

La portada del disco estaba inspirada en una pintura de Mark Kostabi llamada “Enasaurs 1984” pero lo que realmente nos interesa es la contribución de Daniel Clowes en la realización del video animado de “I don’t want to grow up” una de las mejores canciones de un disco de por sí excelente. Clowes demostró ser el artista idóneo para animar una canción que habla sobre el paso a la vida adulta y las consecuencias que conlleva, una preocupación rastreable a lo largo de toda su obra en cómics posterior y que llegaría a su máxima expresión con “Ghost World”

Os dejo la canción de The Ramones y el fantástico vídeo de Clowes:

Trailer de “Arrugas”.

Los Reyes Magos nos han traído el trailer de la adaptación animada de “Arrugas”, el excelente cómic de Paco Roca:

• A la carta
• > Estrenamos el tráiler de 'Arrugas'

Carta a los editores magos 2012.

Queridos editores magos:

El año pasado debimos ser unos aficionados muy buenos porque nos trajisteis algunos tebeos olvidados que llevábamos algunas décadas reclamando. Sin embargo, no os durmáis en los laúreles hay muchos tebeos imprescindibles que llevan años sin ser reeditados o algunos que directamente nunca han sido publicados.

Como durante el año 2011 me he seguido portando muy bien y he comprado y leído muchos tebeos, os adjunto una lista de los que no estaría de más traer a nuestras estanterías a lo largo de este año 2012 para hacernos menos duro a los aficionados un año que se prevé complicado:

“Los Micronautas”, de Bill Mantlo y Michael Golden.

“Drácula”, de Alberto Salinas y Robin Wood.


“Evaristo”, de Carlos Sampayo y Francisco Solano López.

“Fulú”, de Carlos Trillo y Eduardo Risso.

“El mundo de Arkadi”, de Caza.

“It Rhymes with Lust”, de Leslie Waller, Arnold Drake y Matt Baker (o directamente un libro recopilatorio del arte de Matt Baker).

“Atmósfera Cero”, de Jim Steranko.

“Manos Kelly”, de Antonio Hernández Palacios.

“Howard, El Pato”, de Gene Colan y Steve Gerber.

“Starlord”, de VVAA.

“Casacas Azules” de Cauvin y Salverius

Podría añadir unos cuantos títulos más, pero mejor los dejamos para el año que viene ya que seguramente seguiremos hablando de tantos y tantos tebeos olvidados…

“Juego de Tronos: Primera Temporada”, de David Benioff, D.B. Weiss y George R.R. Martin.

Debía un comentario desde hace tiempo a la adaptación televisiva de “Canción de Hielo y Fuego”, la famosa serie de novelas de fantasía de George R.R. Martin. La verdad es que al ser seguidor de la serie de antiguo no he tenido demasiada prisa en ver la serie, pero una vez visionados los diez capítulos que componen la primera temporada y que corresponderían con el primer volumen de la serie , “Juego de Tronos”, no puedo más que quitarme el sombrero ante el respeto con que David Benioff y D.B. Weiss han tratado la obra de Martin. Evidentemente, cada lector se habrá imaginado las cosas de un modo diferente pero ninguno negará la fidelidad al original de los adaptadores.

Y es que muchas veces las cosas son más sencillas de lo que parece si se evitan protagonismos gratuitos y, sobre todo, si se cuenta con un material de principio que por su propia estructura facilita la labor de adaptación al estar organizada la novela en capítulos protagonizados por distintos personajes que se pueden ajustar casi como un guante a la organización de los distintos capítulos televisivos a lo que hay que añadir, además, la propia experiencia del propio Martin perfecto conocedor de ambos medios al haber guionizado él mismo series de éxito como “La Bella y La Bestia” y se le dan galones en el proyecto (Martin de hecho es productor ejecutivo y ha supervisado los guiones).

La elección del reparto, la caracterización de los personajes y las distintas localizaciones de los Reinos de Poniente es excelente resolviendo con inteligencia las inevitables carencias y los elementos más peliagudos como la representación de El Muro o Nido de Águilas. Especialmente, han destacado la labor de actores como Mark Addy, Sean Bean, Emilia Clarke o Peter Dinklage quienes bordan sus personajes en un reparto que brilla a gran altura.

Entre novela y novela de Martin, la serie de la HBO se erige como un magnífico remedio para sobrellevar la lentitud del escritor a la hora de acometer la continuación de la saga. Confirmada ya una segunda temporada para 2012 espero que tengamos “Canción de Hielo y Fuego” para rato porque así sí se hacen las cosas.

“Chew: Flambeado”, de Rob Guillory y John Layman.

Cuarta entrega de “Chew” y nueva compra obligada de la que probablemente sea la serie más gamberra, entretenida y original que hay actualmente en el mainstream norteamericano. Ojo, no es la mejor pero sí la que aporta desde su atrevimiento y falta de prejuicios una visión renovada e ironica de las fórmulas más trilladas de la cultura popular.

En el cuarto tomo publicado por Planeta que reúne los números 16 a 20 de la serie original retomamos las andanzas del detective cibópata Tony Chu, su compañero ciborg Colby y la dispar fauna que les rodea. De repente, en el cielo han aparecido unas extrañas letras indescifrables sin que nadie aparentemente conozca su origen lo que conlleva que la gente lo considere una señal apocalíptica y empiecen a comer el prohibido pollo como desesperados. Pero los problemas se le acumulan a Chu cuando se produce una matanza en el instituto de su hija y su jefe en la FDA Applebee le asigna las más peligrosas e imposibles misiones que le llevarán a entrar en el Área 5, invadir la soberanía de países extranjeros o infiltrase en una peligrosa secta de adoradores de huevos.

John Layman construye una trama irreverente, original y adictiva equilibrando las dosis justas de humor, escatología y acción como para mantener atrapado al lector en el deformado mundo distópico por el que se mueven sus extraños y atrayentes personajes a cuál más freak sin empachar.

Con una trama conspiranoica en la que de momento pocas piezas encajan y un montón de subtramas curiosas que no paran de sorprender a quién esté dispuesto a darle una oportunidad a la serie, Layman mantiene el interés de la historia jugando con los tempos narrativos, flashbacks y las distintas posibilidades que un lenguaje tan abierto como el cómic le concede. En este sentido, hay que destacar la labor de Rob Guillory, quién bajo la aparente sencillez de un estilo cartoon, fresco y caricaturesco, se atreve con todo con excelentes resultados.

En definitiva, “Chew” es una de las series más interesantes del momento y una de las pocas que nada más terminar un tomo te deja con ganas de empezar con el siguiente inmediatamente. Esperemos que no se demore en exceso la continuación.

“Fábulas: El Supergrupo”, de Bill Willingham, Mark Buckingham, Eric Shanower y Terry Moore.

Llega una nueva –y última de las publicadas por Planeta- entrega de “Fábulas” que recoge los números 101 a 107 de la serie regular, tomo que uno se lee con toda la precaución del mundo porque últimamente Buckingham y Willingham van alternando arcos excelentes con otros de lo más mediocres que incluso me han llevado a plantearme si dejar la serie. Sin embargo, “El Supergrupo” es un arco que rompe a bueno y es una entretenida entrega que nos devuelve a los mejores momentos de la serie más allá del inevitable agotamiento que acusa una fórmula con más de 100 números.

En este arco de “El Supergrupo” los autores realizan un guiño al género superheroico y nos cuentan como Ozma y Pinocho reclutan a la desesperada entre las fábulas supervivientes un grupo para el enfrentamiento final contra el Oscuro. Tras múltiples preparativos, aparecerá un aliado inesperado que se enfrentará a su enemigo en el enésimo enfrentamiento final.

Como viene siendo habitual, Willingham resuelve de la manera menos épica posible la trama contra el adversario de turno (es decir, el Oscuro) que venía preparando con mimo en arcos precedentes, centrándose en los previos protagonizados por los personajes principales con ocurrentes guiños a los tópicos del género superheroico, hasta el momento completamente ajeno a la serie, antes que en la acción que se supone que es el desencadenante de toda la pesca. Buena parte de culpa de esta aproximación al género de los chicos con mallas seguramente se deba a la influencia kirbiana del dibujante titular, Mark Buckingham, quién en los números que dibuja da lo mejor de sí y realiza en cada una de las numerosas splash pages que aparecen en este arco un homenaje al maestro.

La historia viene cargada con ese punto naif tan característico de la serie y está resuelta con la sobriedad anodina habitual en Willingham, siendo con todo una lectura tan agradable como intrascendente porque a estas alturas ya sabemos que estas fábula son indestructibles y nada malo les pasa con lo que cualquier posibilidad de evolución de los personajes interesantes y apunte dramático de la historia brilla por su ausencia, por lo que la serie queda al golpe de inspiración que en cada momento tengan sus autores para volver sobre lo mismo. En este arco lo están y eso salva su lectura pero supergrupo solo hay uno y se lo inventó Jan hace ya unas décadas.

Como es habitual dada la lentitud de Buckingham completan el tomo dos spin off autoconclusivos realizados por dibujantes invitados, episodios de los que se sirve Willingham para ir adelantando nuevas tramas. Así, descubriremos como Bufkin tras la liberación de la Biblioteca continua con su carrera como héroe en el Reino de Oz (o alrededores) y nos descubrirá cuál fue el destino de la capital durmiente del Adversario. Más allá de en lo que acaben estas tramas hay que destacar por distintos motivos la labor gráfica de sus respectivos dibujantes, Eric Shanower ("Edad de Bronce") y Terry Moore, realizando el primero un trabajo espectacular que ha logrado que su versión de “El mago de Oz” vaya a subir muchos puestos en mi pila de lecturas pendientes, mientras que Terry Moore se limita a cumplir con oficio en una historia poco adecuada a sus características, mejor en “Strangers in Paradise” o “Echo”.
Veremos como siguen desarrollándose las nuevas entregas de “Fábulas” ya que parece que tenemos serie para rato. Si eso ya os cuento.

Cerrando el 2011 con unas impacientes reflexiones.

Dada la enorme pila acumulada de lecturas y entradas pendientes este año más que destacar un único cómic, libro y película como venía haciendo otras veces, me apetece dejar mi percepción, que no análisis, sobre lo que ha sido el 2011 en torno al Cómic y alrededores.

Ha sido este un año como no podía ser de otro modo marcado por la crisis a todos los niveles en el que paradójicamente las ventas de cómics han aumentado, aunque ese aumento no ha beneficiado a todos por igual y las pequeñas editoriales, la mayor parte de los autores patrios y las librerías se las han visto y deseado para mantenerse. En ese sentido, no todas lo han conseguido y librerías emblemáticas y veteranas como Enigma Cómics o El Aventurero, en Madrid, y hermosos proyectos como Pictografics, en Barcelona, han visto como tenían que cerrar sus puertas.

A nivel editorial, la gran noticia ha sido la perdida /renuncia de los derechos de los cómics DC por parte de Planeta a favor de la desconocida ECC, empresa tras la que se encuentra el antiguo packager de Planeta, El Catálogo, S.L. A priori, ECC anuncia nuevas ideas a la hora de editar los tebeos DC y una apuesta por las ediciones económicas. De momento, habrá que darles el beneficio de la duda y confirmar que las ilusionantes expectativas que supone un nuevo proyecto se cumplan.

Tras el gran bombazo, la otra gran noticia destacable a nivel editorial ha sido la desvinculación de Glénat España de la empresa madre francesa. Joan Navarro explicó casi el día a día a través de su blog los pasos que iba dando para salvar su editorial mostrando que no es oro todo lo que reluce tras los grandes titulares de prensa.

Acuciadas por la crisis, parece que desde las editoriales más grandes empieza a hacerse caso a las demandas de los aficionados con lo que las publicaciones estrella de este año han sido las reediciones en formato económico o la publicación de material clásico en formato de lujo.

Así, por un lado, hemos visto como Panini consolidaba sus dos grandes líneas “Marvel Heroes” y “Extra Superhéroes” al tiempo que saldaba los criticados BoME, mientras, por otro, Norma ha publicado la imposible “American Flagg” y reeditado otros como “The Black Kiss” o “The Rocketeer” y apostaba paradójicamente por ediciones “lujosas” y para regalar de éxitos como “Planetary”. Y, también hay que alegrarse que una pequeña editorial como Ponent Mon continue adelante con la publicación de "Cerebus" en castellano. Sin embargo, la noticia del año ha sido la aparición de “La Gran Colección de Astérix”, una edición que por fin hace justicia al talento de Uderzo y Goscinny.

Las editoriales más pequeñas han reducido el número de novedades y han apostado, en ocasiones, por las reediciones de valores seguros, y han surgido proyectos innovadores como Caramba a los que habrá que seguir de cerca. Y es que la impresión general es que el cómic en papel tiene los años contados y el digital es imparable con lo que editoriales como Norma o la librería Koomic empiezan a posicionarse.

A nivel autoral, no ha sido un gran año. No se puede considerar que haya habido una gran obra que haya destacado por encima del resto. El nivel medio ha sido bastante alto, eso sí, pero no ha habido ningún autor que me haya deslumbrado aunque gente como Valenzuela, Rubín, Roca, Blain o Craig Thompson han dejado tebeos más que interesantes. Sin embargo, si hay un autor que se ha prodigado en cantidad y calidad ha sido Bastièn Vivès, el futuro es suyo.

Finalmente, la blogosfera comiqueril resiste. Y eso por sí solo, comprobando el auge de las redes sociales y la inmediatez que proporcionan, ya es una noticia… Algunos pesos pesados no se han prodigado tanto como nos tenían acostumbrados pero hay nuevas páginas y blogs dispuestas a sumarse a la fiesta lo cuál siempre resulta enriquecedor y ayuda a la divulgación. Lamentablemente, lo más triste han sido algunos rifirafes en torno al cansino y poco constructivo debate novela gráfica sí, novela gráfica no en el que no ha ganado nadie y hemos salido perdiendo todos.

A nivel particular, El lector impaciente ha resistido otro año, centrándose el blog prácticamente en el cómic y en la literatura, en menor medida. El cine, un poco por falta de tiempo y otro por falta de enamoramiento con un año que ha dejado poco de rascar ha visto su cuota sensiblemente reducida. Volverá, seguramente, porque la mía con este medio es una relación de amor-odio pero de momento me resisto. Por otro lado, me he atrevido incluso con alguna traducción lo cuál me ha resultado gratificante y he abierto la puerta a comentar series, pero este tipo de entradas seguirán teniendo una importancia marginal porque El lector impaciente es un blog esencialmente dedicado al Cómic y la lectura. También he colaborado con otros medios lo que no ha dejado de ser una experiencia tan estresante, en ocasiones, como bonita. Desde aquí agradecer a todos los que me propusieron participar en maravillosas y locas aventuras –aceptase o no- el haberse acordado de mí.

¿Seguiré en 2012? Hoy por hoy, sí, mientras la salud y mis prioridades afectivas y laborales lo permitan. Y es que El lector impaciente solo trata de mis aficiones que no importan, amigos, pero buena parte de lo importante en la vida es precisamente lo que no importa.

¡ Feliz e Impaciente 2012!

“The Rocketeer”, de Dave Stevens.

Norma ha reditado en una cuidada edición la obra magna de Dave Stevens, “The Rocketeer” que ya fuese publicada en su momento por la añorada Ediciones Zinco. Stevens fue un primoroso dibujante legendario por una lentitud que garantizaba espectaculares resultados convirtiendo las escasas dos historias que realizó sobre “The Rocketeer” en una obra de culto que incluso contó con una temprana y correcta adaptación cinematográfica a cargo de Joe Johnston.

“The Rocketeer” está ambientada en 1938 y cuenta las peripecias de Cliff Secord, un joven piloto de un circo aéreo que se hace por casualidad con un cohete aéreo autopropulsado. A Cliff no se le ocurre mejor idea que sacar partido al cohete en su espectáculo para conseguir dinerillos con los que engatusar a su escultural novia Betty a la que ronda un taimado fotógrafo que intenta convencerla sobre su potencial como estrella holliwoodiense. Sin embargo, todo se complicará cuando un atribulado Cliff se vea constantemente perseguido por los dueños del cohete y unos espías nazis que pretenden robarlo.

“The Rocketeer” sigue siendo una lectura tremendamente agradable por su carácter naif y retro que nos sumerge de lleno en la ingenuidad de una época en la que todo era bastante sencillo. Stevens caracteriza perfectamente a los personajes para desarrollar divertidas historias inspirándose en los seriales e historias pulp que devoró en su niñez plasmando su esencia en su obra, llena de referentes y melancolía. Con ser una lectura agradable, realmente lo más atrayente de "The Rocketeer” es disfrutar del enorme talento gráfico de Dave Stevens, que nos sumerge directamente en la idealización de los años treinta siendo probablemente junto a otro gran autor retro como Mark Schultz los grandes herederos de los grandes dibujantes de aquella época. Stevens, claramente influido por su maestro Russ Manning, fue un magnífico narrador gráfico y dominó como pocos la figura y expresión humana, especialmente la femenina, siendo uno de los grandes culpables que las pin ups de los cincuenta y su principal exponente Bettie Page volviesen a ponerse de moda. Sin embargo, Betty Page no fue la única actriz en la que se inspiró Stevens estando su obra llena de referencias y homenajes escondidos al viejo Hollywood en particular y a la cultura popular de la época -las ferias, los pulps y los circos aéreos- desgraciadamente todo eso ha pasado ya a la historia.

La edición de Norma Editorial es muy buena a pesar del recoloreado de Laura Martin, quién aun mostrándose muy respetuosa con los lápices de Stevens le da inevitablemente un estilo más moderno que no acaba de cuadrar del todo. Completa la edición una exhaustiva selección de material complementario de todo tipo (hay casi más material complementario que cómic en sí) que los admiradores de Stevens sabrán agradece.

“The Death-Ray”, de Daniel Clowes.

Para cerrar la querida sección Tebeos Olvidados por este año (la semana que viene nueva carta a los editores magos con los Tebeos Olvidados que iré reseñando a lo largo del 2012), he dejado adrede para el final quizás el olvido más fácilmente subsanable por los editores al ser un tebeo de anteayer -2004-, de un autor contemporáneo con prácticamente el resto de su obra editado ya en España y bendecido por la alta cultura como es Dan Clowes y tratarse de un tebeo reeditado a lo largo de este año precisamente en Estados Unidos…. Y, sin embargo, la que es la mejor obra de Dan Clowes, “The Death-Ray”, continúa injustamente olvidada en España. ¿Por qué? Muy sencillo, porque nadie vio negocio en hacerse con sus derechos y editarlo en su formato grapa original.

“The Death-Ray” cuenta la historia de Andy un chaval de diecisiete años que descubre que cuenta con una enorme fuerza desde que empieza a fumar. Asesorado por su gran amigo Louie y armado con una pistola que desintegra a la gente, Andy intentará convertirse en un auténtico superhéroe para descubrir que la realidad es muy distinta a como la pintan en los cómics.

Aparecido en el último número de “Eightball”, el 23, “The Death-Ray” es el tebeo en el que Clowes mejor presenta todas sus preocupaciones –la incomunicación, la amistad, la insatisfacción adolescente…- manipulando para ello las convenciones más asentadas del género superheroico, adaptando a su manera las notas más significativas del "Spiderman" original de Lee y Ditko. Clowes disfraza una historia claustrofóbica, intensa y llena de simbolismos y detalles bajo la inocente apariencia de un cómic book juvenil ofreciendo una visión entre descarnada y satírica del mismo al modo en que Pychon realiza en sus novelas.

Pero, no nos equivoquemos, “The Death-Ray” nada tiene de literario es pura y esencialmente cómic y en el mismo Clowes vuelca sus extraordinarias dotes en cada detalle, con un cuidado esmerado de la elipsis y el ritmo narrativo para lograr sostener durante toda la historia un monólogo abierto en el que busca la implicación directa de cada lector, un tête a tête impropio en el que Andy/Clowes desnuda sus experiencias para intentar –y lograr- salvar quizás como en ninguna otra de sus obras ese abismo de ambigüedad existencial que le es tan característico.

Quizás el gran puñetazo sobre la mesa que da Clowes en este sencillo e inofensivo cómic que tantas verdades esconde para el que quiera encontrarlas es algo que los aficionados al cómic, en general, y al género de superhéroes en particular, ya sabíamos de siempre. Que bajo la apariencia del más banal y pueril de los tebeos de entretenimiento hay un espacio para la reflexión y la profundidad, que el continente no es la medida del contenido sino exclusivamente el talento del autor que hay detrás. Algo que tipos como Ditko y Lee ya descubrieron hace décadas y a Clowes no se le caen los anillos en recordar a su genial manera.

Como digo, hay disponible actualmente en Estados Unidos una bonita edición tipo álbum así que espero que algún avispado editor se anime a lo largo de 2012.

El que quiera entender, que entienda.

El lector impaciente en los premios 20Blogs.

Este año me ha dado por participar no sé muy bien el porqué en la historia esta de los premios 20Blogs englobado en la categoría de cultura y tendencias.

A la derecha, hay un banner por si alguien tiene a bien votar por este su humilde blog.

El plazo para poder votar es hasta el 3 de Febrero.

Ya sabéis…Busquen, comparen y si encuentran algo mejor, vótenlo.

“Cerebus” al cine con Santiago Segura.

Toma, toma toma, como diría el otro. Bomba informativa.

Los designios de Dave Sim son inescrutables y si siempre había mostrado su rotunda oposición a la adaptación cinematográfica de su obra magna al parecer ha cambiado de idea vistos los espectaculares beneficios económicos de otras recientes adaptaciones y las mejoras tecnológicas de los últimos tiempos. Sin embargo, el gran valedor del proyecto al parecer ha sido el director y actor español Santiago Segura. Segura gran aficionado al cómic y admirador de “Cerebus” ha logrado convencer a Sim de las posibilidades del proyecto y hacerse con los derechos para la futura película de la que será director y protagonista.

Al parecer todavía se están barajando nombres para completar el reparto de una superproducción que empezará a rodarse en 2012. En los comentarios, se anuncia la productora que finanicará la película.

La causa del pueblo de Stan Lee contra Marvel.

Genio y figura hasta la sepultura, el bueno de Stan The Man Lee tras el éxito de su demanda contra Lionsgate por la adaptación del personaje de “Conan, El Bárbaro” (al parecer lo poco que ha recaudado la peli va a ir a parar a la buchaca de Lee) ha decidido continuar haciendo valer sus derechos y ha presentado un órdago a la grande en forma de demanda conjunta contra la Casa de las Ideas, Disney y las diversas productoras que encargadas de la producción de las ya numerosas adaptaciones cinematográficas de los superhéroes Marvel.

Al parecer lo que reclamaa Lee es el pago de los salarios por los numerosos cameos que realizó en casi todas esas películas y que hasta ahora habíamos supuesto que eran gratis y un guiño a los aficionados.

“Es de justicia. Yo no soy ningún aficionado”- declaró The Man.

Si su demanda prospera, Lee ha anunciado que destinará sus salarios a una institución benéfica que prefiere guardar en secreto.

(ACTUALIZACIÓN: He averiguado la institución a la que Lee va a hacer el donativo Por motivos legales, solo la puedo publicar en los comentarios).

“Las aventuras del Capitán Torrezno: Plaza Elíptica”, de Santiago Valenzuela.

Supongo que una de las muchas clasificaciones del mundo puede ser entre torreznistas y antitorreznistas aunque al parecer, tras el otorgamiento a Santiago Valenzuela del Premio Nacional del Cómic 2011 por "Plaza Elíptica", la de momento última entrega de "Las aventuras del Capitán Torrezno", estos últimos son una especie en extinción vista la cantidad de loas y parabienes que la obra de Valenzuela ha ido acumulando en los últimos tiempos que ha venido a acallar sus defectos. Yo, torreznista convencido desde casi los inicios aunque por esas cosas de las relecturas no hubiera traído el análisis de su obra todavía al blog, no voy a ser menos así que antes que acabe el año comento “Plaza Elíptica” que dada la cohesión de la obra magna de Valenzuela es casi extensible al resto de la serie.

En la séptima entrega de la serie, Valenzuela vuelve a retomar la historia del mundo de fantasía localizado en el bajo de una comunidad de vecinos de Madrid en el que el castizo Torrezno se vio atrapado no sé sabe muy bien por qué tras una noche de parranda. Convertido en héroe a su pesar de la liberación de la Ciudad Santa de Deenein y la retirada de los tártaros, Torrezno se volverá de nuevo envuelto en las intrigas político religiosas de las autoridades de la Ciudad Santa que quieren pasar a la ofensiva para recuperar los territorios perdidos e instaurar de nuevo su propia versión de la Fé única.

Lo primero de todo, “Las aventuras del Capitán Torrezno” es para mí una de las series más personales, ambiciosas y originales que ha dado el cómic español en décadas por lo que me parece de justicia la obstención del premio. Valenzuela construye una obra multirreferencial en la que pasa por la túrmix de su imaginación las más variadas referencias culturales – de la alta a la baja, pasando por la popular, la de derribo o la de bar aunque sea perfectamente aplicable cualquier calificativo que a bien tengáis acompañar- para montar un relato satírico fantástico a la vieja usanza en el que caben ecos tanto a la obra de Swift como la de Dave Sim y en la que a modo de totum revolotum vale todo. Dicho esto, a lo largo de los cuatro capítulos que componen “Plaza Elíptica” aparecen claramente las dos tendencias antitéticas que marcan en general la obra de Valenzuela. Si en el primer capítulo es un farragoso pseudo ensayo filosófico religioso que solo salvan las magníficas viñetas que lo ilustran, en los siguientes retoma, lo que mejor se le da y por lo que ha conseguido tantos seguidores, la saga épico-humorística de las aventuras bélicas del antiheroico Torrezno sumergido en un mundo de intrigas y batallas que retoma el hilo de la historia donde quedó tras el fin del primer ciclo.

A Valenzuela se le ha afeado sus desbordantes y literarias cartelas y diálogos eternos, pero a mí me parecen tan connaturales a su estilo como sus oníricas y surrealistas ilustraciones y sin ellos no estaríamos hablando precisamente de un autor con un estilo propio. Textos que a pesar de su pesadez no suelen pecar de innecesarios y enriquecen la novela río en que se ha ido convirtiendo la serie, por lo que incluso sus capítulos más áridos y crípticos acaban teniendo –como en la obra de Sim- su razón de ser en el conjunto final. A nivel gráfico, Valenzuela se muestra como un dibujante tan personal como efectivo que da lo mejor de sí en la descripción de los portentosos escenarios en los que se desarrollan las aventuras de sus personajes y que tanto recuerdan los de Schuiten.

En definitiva, “Plaza Elíptica” no deja de ser más de lo mismo dentro de “Las Aventuras del Capitán Torrezno” y, más allá del nominal cambio de ciclo, no muestra grandes novedades respecto a lo que venía siendo la serie antes de su parón con lo que, pasada la algarabía de los premios, no dará nuevos argumentos ni a sus defensores ni a sus detractores aunque, respetando las filias y fobias de cada cuál, su éxito debería servir de ejemplo a los jóvenes autores sobre como modificar convenciones y apostar por las ideas propias más que por las modas y tendencias para lograr cuadrar el difícil circulo de agradar tanto a los que solo buscan un cómic evasivo y de entretenimiento como a los defensores de la obra de autor. Solo por ello Valenzuela y su Torrezno tienen bien merecido el premio, en mi opinión.

Joe Simon y la perspectiva.

P: ¿Cómo se os ocurrió adquirir los derechos del Capitán América?

SIMON: Cuando tenía 24 años, lo que intentaba hacer era ganarme la vida. Yo era un producto de aquellos tiempos. Era una época muy mala, eran los tiempos de la Depresión y me encontraba muy feliz ganándome la vida. Todos lo éramos. Todos nosotros éramos una especie de vagabundos, éramos felices con casi nada. La gente dice: “Bueno, los Shusters y los Siegels, y los Simons y los Kirbys fueron estúpidos. Lo regalaron todo.” Pero nosotros nunca pensamos de esa forma.

Fue idea mía la de llegar a un acuerdo sobre los porcentajes del Capitán América. El jefe de contabilidad de Timely era Maurice Coyne, un chico que hizo que lo consiguiese, porque a ellos [a la editorial] no les gustaba mucho la idea. Maurice estaba allí desde el principio, pero también formaba parte de los que llevaban Archie Comics, así que conocía al resto de la MLJ. Maurice era la “M” de “MLJ”. Era un gran tipo, soltero. Fue idea suya que de alguna forma yo dispusiera del 25% de beneficio por la colección. Le di a Kirby una parte, pero no mucho. Un día Maurice me llevó aparte y me dijo que iban a pagar todos los gastos de oficina, los salarios y todo lo demás, con la colección del Capitán América.

(Frog2000 vuelve a dar en el clavo y nos ofrece la primera parte (de cuatro) de una jugosa entrevista realizada al recientemente fallecido Joe Simon para “Alter Ego”. Esta primera parte no tiene desperdicio y Simon analiza sus inicios en el negocio de los cómics en Timely, su relación con Jack Kirby y las primeras impresiones que le causó un muchachito llamado Stan Lee. Todo esto lo debéis leer aquí).

“Los Mundos de Thorgal: Kriss de Valnor ¡Yo no olvido!”, de Yves Sente y G. de Vita.

Norma Editorial se ha animado a iniciar la publicación de “Los Mundos de Thorgal”, el spin off de “Thorgal”, una de las series más longevas y atractivas de la BD más comercial gracias al buen hacer durante años de sus creadores Van Hamme y Rosinsky. En principio, las aventuras de esta nueva serie están protagonizadas por distintos secundarios de la serie principal e intentarán aclarar puntos oscuros de sus biografías en un planteamiento interesante y que ha dado resultados satisfactorios en series similares como “XIII Mystery”. Sin embargo y a pesar de iniciarse la serie con el que se supone en principio debería ser un plato lo suficientemente atractivo para cualquier aficionado como es conocer el origen de la carismática Kriss de Valnor el resultado es enormemente decepcionante.

Tras su muerte, Kriss de Valnor despierta entre las walkyrias cuya reina la someterá en juicio para decidir cuál será su destino final. Para aclarar la ambigüedad de sus acciones la reina Freija pedirá a Kriss que rememore su pasado antes de cruzarse por primera vez con Thorgal Aegirsson, desde su primera infancia junto a una madre débil y su compañero maltratador hasta sus primeras aventuras de juventud tras dejar su aldea y su encuentro con un saltimbanqui al que ayudará a rescatar a su hija prisionera de un señor feudal y su deforme hija.

Está claro que el cómic no deja de ser también una industria en la que hay que asegurarse las habichuelas como sea, pero hubiera sido un detalle por parte de una editorial tan poderosa como Dargaud y unos autores tan contrastados como Van Hamme y Rosinsky el haberse pensado dos veces romper el misterio en torno a los orígenes de una de sus más atractivas creaciones, la mortal y seductora Kriss de Valnor, explicando su pasado. Siempre es conveniente dejar algo a la imaginación del lector, un reclamo que mantenga el hechizo y no romper la magia si no es con una historia que esté a la altura de la expectación generada.

El encargado de afrontar el reto es un guionista de la experiencia de Yves Sente que también se ha hecho con los guiones de la serie principal tras el abandono de Van Hamme. Sente se encuentra con un auténtico marrón al tener que contar a las primeras de cambio los orígenes de un personaje tan significado y que para más inri ha desaparecido en la serie principal tras lo narrado aquí y aun cuando tira de oficio y de mitología nórdica para explicar su reaparición no puede evitar que su solución resulte forzada e insatisfactoria y acabe lastrando todo el desarrollo de una trama tan correcta como pobre, convencional e innecesaria en la que evoca con poco tino tiempos mejores del universo thorgaliano.

Tampoco ayuda la elección en el apartado gráfico de un Giulio de Vita que sufre al intentar adaptar su propio estilo al de Rosinsky. De Vita no posee ni de lejos el talento del francopolaco y resuelve la papeleta como mejor puede sin alcanzar en ningún caso el nivel requerido resultando más dolorosa la comparación al estar la sombra del polaco presente en cada página y en cada viñeta.
Por mucha tapa dura que en Norma le pongan, este “¡Yo no olvido!” no deja de ser demasiado burda y elmental, lo que no anima a seguir el desarrollo de una serie que merecería una mayor implicación e interés a todos los niveles. Y es que los responsables de este despropósito deberían tener en cuenta que los lectores tampoco olvidamos.