Mujeres de Papel: Kriss de Valnor.

Si la semana pasada destacaba a Aaricia, no puede faltar en esta sección dedicada a mis personajes femeninos del cómic favoritos, una entrada dedicada a su contrapartida, Kriss de Valnor, la ambigua mercenaria que en más de una ocasión se las hizo pasar canutas a Thorgal y su familia a la que unía una adictiva relación de amor y odio. Van Hamme en Thorgal caracterizó a la perfección los roles femeninos de dos personajes antitéticos que enriquecieron enormemente la serie.

Si Aaricia representa a la familia y la estabilidad no exenta de carácter, la espectacular Kriss es la mujer libre e indómita, (auto)destructiva y fatal, una mercenaria de oscuro pasado (parece ser que ahora están dispuestos a romper el encanto desvelando el misterio de su origen en una nueva serie) dispuesta a tentar una y otra vez a Thorgal cruzándose en su camino con aventuras alejadas de la rutinaria vida doméstica que desea vivir en una relación que, salvando las distancias, se asemeja a la de esa otra gran mujer de papel que es Elektra (de la que ya hablamos aquí).

Disfrutemos de Kriss en todo su esplendor gracias al gran trabajo de Rosinski.

Antoni Guiral, un superviviente.

P: Diriges colecciones, editas una historia del cómic, haces prólogos, escribes biografías, libros sobre la historia del cómic, das conferencias, participas en los salones, ¿se puede vivir del cómic en España sin ser dibujante o guionista?

R: Buena pregunta. De entrada creo que hoy mismo como historietista exclusivamente muy pocos viven de la historieta en España, a no ser que añadamos a quienes trabajan para editoriales extranjeras. En mi caso sí vivo sólo de la historieta, ésa sí ha sido una opción personal. Tal vez por egoísmo, por escoger vivir de aquello que te gusta, de lo que disfrutas, lo que crees que haces mejor. Vivir, se puede vivir haciendo todo lo que tú has expuesto en la pregunta (y más cosas), pero te aseguro que más bien se sobrevive; trabajo muchísimas horas y ese trabajo no me rinde a título económico. Siempre he tenido muchos problemas para subsistir, sólo puedo aspirar a la supervivencia, al día a día, y la verdad es que eso agota y, de alguna manera, te quema. Trabajas mucho y no ves rendimiento económico, ni siquiera creo que mi labor despierte mucho eco social, mucho interés, ni entre la misma profesión, la verdad. Tras casi 30 años de profesional, todavía hay mucha gente en el mundillo que no sabe qué hago, aunque sepan quién soy. Más de una vez me he planteado dejarlo e intentar vivir de otra cosa. De hecho, siglo planteándomelo.

P: ¿La novela gráfica te parece ya un formato suficientemente asentado? ¿Terminará por imponerse al álbum tradicional de corte europeo?

R: Parece que es así. Muchas de las novedades que aparecen mes a mes pertenecen al formato “novela gráfica”, muy entre comillas, porque algunos de ellos no son realmente novelas gráficas. Pero da la sensación de que es lo que vende, es un sello comercial que se aplica a muchos productos, buscando un lector si no nuevo, al menos interesado sencillamente en la lectura, en general. No sé si terminará por imponerse al álbum europeo; la sensación, hoy, es que podría hacerlo, Y, sinceramente, creo que sería una lástima perder esa opción, porque no deja de ser otra opción comercial, un producto de menos páginas pero también más económico, que puede ofrecer otro tipo de historieta, tanto adulta como infantil y juvenil.

P: ¿La crisis está haciendo mucho daño al mercado español?

R: La crisis sí parece que se empieza a notar. Hay menos lanzamientos, las tiradas bajan y, por tanto, las editoriales pagan menos a los colaboradores (autores, técnicos) por los productos, y en general se lo piensan mucho más a la hora de invertir (lo que es lógico). En general, la sensación que tengo yo es que no sabemos muy bien a dónde vamos, que damos tumbos, y que todo el mundo está “observando” mucho pero “actuando” poco. Con todo, también es cierto que hay “movimiento”, “inquietud”, que algunas obras funcionan muy bien, y que la novela gráfica está aportando títulos de mucha calidad. Estamos, creo, en un momento de impasse.

(Antoni Guiral, teórico e historiador del Cómic en una entrevista para Siglo XXI ofrece una lúcida opinión sobre la crisis, la novela gráfica y el cómic en España. Para leer completa, aquí).

Escenario de Cómic de Getafe 2011.

Poniendo mucha ilusión y ganas, el amigo Angux (Autores en Obras) se ha liado la manta a la cabeza y junto al Ayuntamiento de Getafe anda inmerso en la organización de un nuevo festival para difundir y hacer más accesible a todo el mundo todo lo relacionado con el Cómic.

Se trata del ESCOGE (EScenario de CÓmic de GEtafe) que se celebrará en la ciudad madrileña los días 30 de Abril y 1 de Mayo. Un festival con vocación popular (la entrada será gratuita) y cultural (habrá charlas y exposiciones en torno al mundo del cómic y algunos bonitos homenajes que no pienso destripar), y que contará, además con iniciativas destacables ,pensadas para que todo el que quiera pueda participar, como los concursos de Creación Rápida, el Premio Nacional de Cómic o el que premiará el mejor artículo relacionado con el el Cómic publicado en un blog durante el año 2010.

Las bases de los concursos las podéis consultar aquí.

Mucha Suerte

El trailer del “Captain America: The First Avenger”, de Joe Johnston.

Visto el trailer de la peli de “Captain America: The first Avenger”. Aunque la historia no parece que vaya a sorprendernos demasiado a los familiarizados mínimamente con el personaje (probablemente, si lo hiciese sería para mal a estas alturas) hay que admitir que la caracterización y la imaginería parece bastante correcta, sustituida la fórmula del supersoldado (niños, drogas no) por un pedazo maquinón que parece un minisubmarino y con detalles como incorporar a los entrañables Comandos Aulladores.

Quizás el único pero que le pongo a priori más allá de lo que ya comenté en su momento acerca del aspecto de CA (muy a lo Brian Hytch retromoderno, no sé si me explico) sea cierta obsesión en Johnston por una luminosidad demasiado oscura que ya fue excesiva en la fallida “El Hombre Lobo”.

Habrá que ver si el veterano director con esta acierta. Desde luego, presupuesto una vez más no parece que le vayan a faltar…

“Julia: Los ojos del abismo”, de Giancarlo Berardi, Luca Vanninni y Corado Roi.

Confieso que cuando me enteré del inicio de la publicación por parte de Aleta de “Julia” me quedé un tanto indiferente ya que mis referencias acerca de este personaje eran más bien escasas. Sin embargo, como estoy dispuesto a darle una oportunidad a cualquier nuevo personaje que venga de la editorial italiana Bonelli –la de Dylan Dog, Tex, Dampyr y un largo etcétera- pues me lancé a por el primer volumen, “Los ojos del abismo” con ganas. Y lo cierto es que no me ha decepcionado.

Julia Kendall, una guapa e inteligente profesora universitaria de criminología de brumoso pasado, colabora ocasionalmente con la policía en sus casos más complejos. Cuando empiezan a aparecer mujeres acuchilladas, entre ellas una de sus alumnas, Julia volcará toda su capacidad deductiva y sus numerosos recursos en la captura de un asesino escurridizo tan inteligente como ella.

Empezamos con los defectos. La edición de Aleta que reúne dos episodios de la serie italiana no cuenta una historia completa que el creador y guionista del personaje Giancarlo Berardi (el cocreador de "Ken Parker" junto a Ivo Milazzo)estructura en tres episodios italianos con lo que presumo que en ninguna de las entregas de Aleta vamos a disfrutar de una aventura completa quedándonos con la intriga pendiente entrega a entrega. Pero, salvado este detalle, “Julia” se me antoja una agradabílisma noticia para los aficionados al género policiaco y a los aficionados al tebeo dada la corrección de Berardi a la hora de estructurar y desarrollar las tramas.

El primer episodio de “Julia” tendría que ser de obligado estudio para cualquiera que quiera guionizar una serie. Con enorme habilidad, Berardi presenta de un modo natural al personaje, dotándole de un contexto, unas relaciones y un pasado en apenas treinta páginas al tiempo que presenta el caso que la ocupa. A pesar de ser un tebeo con más de una década a la espalda, resiste bastante bien la lectura, ajustándose como un reloj suizo a las convenciones del género policiaco con lo que el lector va a encontrar exactamente lo que ha de esperar en una obra de estas características que como mínimo ha de garantizar un buen rato al lector. A partir de esa premisa, Berardi se muestra como un guionista lleno de recursos y documentado, que sabe sacar partido de las posibilidades del lenguaje del cómic para ofrecer al lector distintas perspectivas a la historia que de ese modo se ve enriquecida.

En el aspecto gráfico, “Julia” cuenta con dos buenos dibujantes de la escuela Bonelli -Luca Vannini y Corado Roi- que ante todo se muestran como es habitual en Bonelli como dos narradores con oficio y cumplidores que no renuncian a los guiños cinematográficos - Julia toma como modelo a Audrey Hepburn y su criada a Whoopi Goldberg- inspirándose, al mismo tiempo, en grandes obras y maestros del cómic policíaco y de intriga como el “Rip Kirby”, de Alex Raymond, o la “Modesty Blaise”, de Jim Holdaway.

En definitiva, espero que “Julia” haya llegado a España para quedarse y podamos seguir disfrutando de sus excelentes tramas policíacas. Si es así, los aficionados al género nos lo vamos a pasar pipa.

A Todd McFarlane le gusta Korn y “Follow the leader”.

Todd McFarlane es una de las figuras más controvertidas del Cómic Norteamericano de las últimas décadas.

A finales de los ochenta y principios de los noventa, el McFarlane artista modernizó gráficamente a “Spiderman” (bien) y creó a “Spawn” (vale, también bien), dignificó la figura del dibujante (bien) lo que llevó a convertir a algunos de ellos en estrellas desnortadas (menos bien) que provocaron un empobrecimiento global en recursos narrativos y contenidos argumentales del género superheroico y la inclusión de nuevas técnicas narrativas que todavía hoy padecemos (fatal). El McFarlane hombre de negocios se enfrentó a las todopoderosas grandes editoriales (bien) y se hizo un hueco en el mercado creando su propia editorial Image, abriendo nuevas vías de negocio ajenas pero relacionadas de un modo u otro con el cómic.
Entre sus múltiples actividades, este brillante dibujante y hombre de negocios ha colaborado con distintos grupos. Especialmente destacable me parece su contribución junto a Greg Capullo para el grupo californiano de Nu Metal, Korn, realizando la portada y contra de su disco más reconocido, “Follow the leader”. Se trata de una hermosa y terrible portada doble, alejada de los motivos habituales del Heavy, en la que un grupo de inocentes niños siguen a su líder hacia un juego de rayuela pintado en el suelo que termina en un precipicio.

Aparte de la portada, McFarlane contribuyó con la animación del fantástico video de la gran “Freak on a Leash” que completa la historia. Que lo disfrutéis.

“Djinn: Las Treinta Campanillas”, de Jean Defaux y Ana Miralles.

Retomo el repaso de “Djinn”, la excelente serie publicada por Norma Editorial del francés Jean Defaux y la española Ana Miralles, con “Las Treinta Campanillas”, el segundo álbum de esta saga que mezcla como pocas el erotismo con la intriga y la aventura.

“Las Treinta Campanillas” retoma la historia de Kim Nelson y su antepasada Jade. Mientras Kim siguiendo la pista de misterioso Abu Sarki acaba convertida en el objeto de placer de los mercenarios del esquivo personaje en su inexpugnable ciudadela del desierto, en la Estambul de 1912 Lady Nelson, seducida por Jade, se ha convertido en la nueva concubina del harén del sultán Murata quién pretende utilizarla como una pieza más en su precaria y peligroso juego de estrategias frente a los británicos y alemanes. Mientras Kim, en el presente, demuestra ser una concubina con carácter, en 1912, Lord Nelson penetra en el prohibido harén de Murati para recuperar a su antigua mujer.

A partir de la costumbre de las treinta campanillas con la que los señores adiestraban a sus concubinas, Dufaux hilvana esta historia de tramas paralelas encadenando entre una y otra las experiencias de las dos protagonistas en una aventura que se lee con agrado a pesar de revisitar todos los tópicos propios de las aventuras exóticas, compensando perfectamente ambas tramas y narrada con el suficiente oficio como para cumplir con las expectativas perfectamente y dejando un recuerdo agradable en el lector que le lleve a continuar la historia en un nuevo álbum

En el aspecto gráfico, Ana Miralles cumple sobradamente reflejando el exotismo de las localizaciones en que se desarrolla la historia a través de un dibujo delicado, limpio y armonioso que se ajusta perfectamente a las necesidades de la historia de Dufaux, encadenando una trama con otra a partir de elegantes transiciones y aunque en ocasiones las caras de sus personajes hubieran requerido una mayor expresividad aprueba con nota en una historia ideal para su lucimiento.

Más “Djinn” en El lector impaciente:

“La Favorita”.

Liz Taylor (1932-2011)

Esta tarde me ha sorprendido la noticia de la supuesta muerte de Liz Taylor.

Noticia quizás esperada según oí en las noticias desde hace tiempo pero que a mí me ha costado aceptar, quizás porque la imagen de la Liz Taylor que admiro y amo está bastante alejada de la Elizabeth anciana que en los últimos años veía dando tumbos de un hospital a una clínica de desintoxicación del brazo del malogrado Michael Jackson, acudiendo a eventos benéficos o cambiando de marido en busca quizás de una juventud efímera que hacia tiempo la abandonó.

No, esa Elizabeth de carne que ha muerto en paz, según dicen, no es la actriz de belleza ultraterrena que me conquistó con su talento en tantas y tantas películas míticas del Hollywood de antaño ni la que se forjó una leyenda de excesos fuera de las pantallas tan tormentosa como solo se pueden permitir las más grandes.

Puede que Elizabeth haya muerto, anciana y débil en la cama de un hospital, pero Liz vive, inalcanzable e inmortal por siempre en cada una de sus maravillosas películas.

D.E.P.

“Mujercitas”

“La Gata Sobre el Tejado de Zinc Caliente”

“Cleopatra”

¿Quién teme a Virginia Woolf?

Alan Moore y Jack Kirby.

TJKC: Probablemente una de las mejores cosas que te pasaron al llegar a Estados Unidos fue poder conocer a Jack Kirby en persona. ¿Qué impresión te dio? ¿Qué te dijo?

ALAN: Fue algo muy breve. Hubo un poco de tensión porque todo ocurrió mientras estábamos en ese estrado en el que estábamos hablando sobre que Marvel debía devolver a Kirby su trabajo. Por lo que mi encuentro con Kirby fue algo que duró muy poco, antes o después de aquella charla, pero todo lo que puedo recordar es ese aura que le rodeaba. Esa clase de persona pequeña de color de la nuez, con una ramillete de pelo blanco y esos rasgos cincelados a lo Kirby. Su fuerte complexión. Recuerdo que estaba charlando con Frank Miller y conmigo y nos decía con esa especie de voz rasgada: “Chicos, creo que sois grandes. Chicos, lo que estáis haciendo es maravilloso. Realmente quiero agradecéroslo.” Me resultó casi embarazoso ver a Jack Kirby agradeciéndome algo. Estoy seguro de que yo debería ser el que le diera las gracias, por todo lo que me había aportado. Tenía algo que resplandecía a su alrededor. Era alguien muy, muy especial.

(Frog2000 en su impagable labor de traducción y recuperación nos ofrece una nueva entrevista de Alan Moore concedida en 1999 a George Khoury. Aparte de su relación con la obra de Kirby desde niño, Moore habla de sus inicios en el mundo del cómic. Imprescindible. La podéis leer aquí).

De editores, formatos, integrales, vampiros y vacas.

Últimamente ando desencantado con el mundo editorial del cómic en España y lo acabo vertiendo en entradas que soy consciente que para poco van a servir más allá del desahogo que supone compartir mis impresiones con otros aficionados que podéis pensar cosas parecidas.

La penúltima gracia que me ha causado mala sangre ha sido la de Glénat España que más allá de la labor de recuperación de autores patrios impulsada por su editor jefe y cabeza pensante Joan Navarro está sorprendiendo últimamente con discutibles iniciativas comerciales que no acabo de entender demasiado bien.

A uno de tanto repetirle por un lado y por otro el argumento de la imposición de las grandes superficies -¿realmente se venden tantos tebeos en la Fnac?- que ha llevado a las editoriales a editar en formato Novela Gráfica (jibarizado 17 x 24 cms) obras que originalmente aparecieron en otros formatos hubo un momento que acabé creyendo y opté por el “mal menor” de comprar algunos integrales publicados en ese formato reducido siendo consciente era complicado verlos publicados en otros más adecuados en años sucesivos. Tebeos como los integrales de “Ranx”, “Frank Kappa”, “Onírica”, “Jan Europa”, “El Tercer Testamento” o “El Príncipe de la Noche”.

En algunos casos, se justificaba la reducción por los propios autores que la aprobaban y veían con buenos ojos, en otros era decisión de la editorial para llegar a más público o la mencionada imposición de las grandes superficies y, aun cuando los aficionados se dirigían a la editorial para saber si iba a ver una futura edición que les permitiera disfrutar de esas obras desde esta se aseguraba que no iban a publicarse esas obras en otros formatos. Aquí podéis ver de qué os hablo.

Menos de dos años después de haber pasado por caja para hacernos con las ediciones jibarizadas, Glénat España anuncia a bombo y platillo nuevas ediciones integrales en formato deluxe (formato álbum) de “El Príncipe de la Noche” y “El Tercer Testamento” que ponen bajo sospecha todo el castillo de argumentaciones con los que nos han vendido la jibarización de distintas obras y el dichoso formato Novela Gráfica. Toma castaña y pedrada en la frente al esforzado aficionado que todavía se deja los dineros a lo largo del año en ediciones en español.

Quizás me equivoco pero en el mercado del libro, el consumidor sabe que primero se publica la edición cara y seis meses o un año después la barata. En algunas editoriales del rastrero mercado editorial del cómic español la política es la contraria: publicar primero la edición “barata” (24 Euros no es barato) y un par de años después sorprender con la “cara” (45 Euros) con la intención de que alguno de esos aficionados tan primos pique y se deje 70 eurillos para contribuir a sacar de la crisis el mundillo.

A mí esta nueva política editorial me recuerda algo que leí u oí hace tiempo –creo que en “Los hijos del Capitán Grant” o quizás en algún documental de La 2- sobre las costumbres alimenticias de los vampiros. Resulta que los vampiros en Argentina o Chile chupan la sangre al ganado noche tras noche hasta que, si el ganadero no pone remedio, la dejan medio desangrada o directamente acaban con ella. Los editores vampiro deberían tomar nota porque los aficionados que compran tebeos durante todo el año de los que luego se quejan tanto porque no compran los tebeos que les hacen el favor de publicar no somos vacas y sus decisiones acaban beneficiando o perjudicando a todo un sector del que también dependen los autores y los libreros. Que cada cuál saque sus propias conclusiones y obre en consecuencia pero que luego no se quejen si no se venden tebeos.

Y la mejor saga de Los Vengadores es…

"La Guerra Kree/Skrull", de Neal Adams, John y Sal Buscema y Roy Thomas con 20 votos (33% del total).

A alguna distancia seguida por “La Saga de los Amos del Mal” y “La Saga Korvac” con 14 y 12 votos, respectivamente, mientras que con seis cierra el cuarteto de las propuestas “Vengadores Desunidos”. En los comentarios, la saga de "La Madonna Celestial "ha obtenido también dos votos.

Todo bastante lógico, en mi opinión. A partir del orden establecido en la encuesta, iré comentando estas sagas (y alguna más) en próximas entradas. La encuesta la podéis consultar, aquí.

Finalmente, esta entrada solo puede acabar con un...

¡¡ Vengadores, Reunidos!!

“Tóxico”, de Charles Burns.

Esperaba con mucha curiosidad la última obra de Charles Burns, “Tóxico” que acaba de publicar Mondadori. Una obra, en principio, llena de alicientes dado el tiempo transcurrido desde la aparición de su anterior obra, la sobresaliente “Agujero Negro”, y las sugerentes noticias que llegaban con exasperante lentitud -una evocadora portada del universo Tintin, el anuncio que iba a ser la primera obra en que un maestro del blanco y negro como Burns iba a introducir el color, etc…-, que convertían este tebeo en una obra a priori indispensable.

Leído el álbum y más allá de la decepción que supone quedarme con la miel en los labios ante la ausencia de desenlace –a la espera de la continuación de la obra en la anunciada continuación, “La Colmena”-, “Tóxico” ha respondido a todas mis expectativas con un Burns en plena madurez, capaz de involucrar como nadie al lector en su historia. Un autor que incorpora en un “totum revolotum” caótico y ordenado al tiempo un repaso a toda la temática que ha ido apareciendo en su obra desde sus primeras historias cortas en “RAW” hasta la mencionada “Agujero Negro” en un cómic organizado siguiendo la estructura clásica del álbum francobelga.
Burns construye una historia caleidoscópica en la que los planos oníricos y real del protagonista se solapan, rompiendo constantemente la estructura temporal lineal de la historia para presentar unos hechos aparentemente inconexos que exigen la implicación del lector que debe ordenar y rellenar los huecos de una historia de la que prefiero no adelantar demasiado, pero en la que confluyen en rápida sucesión buena parte de las obsesiones de Burns quién ofrece a lo largo de la obra claves y pistas más o menos crípticas aun cuando a uno se le antojen que estas puedan no ser más que pistas falsas para enriquecer una propuesta que básicamente no deja de ser un curioso viaje al país tóxico de las maravillas de Serie B, habitado por mutantes que comen gusanos con cara y alienígenas verdes que almacenan extraños huevos de colores, protagonizado por un Tintin inverso en bata que – en lugar de Milú persigue a un gato- incapaz, como el lector, de entender lo que ocurre a su alrededor.

Más allá de la importancia a la referencia beat a William Burroughs que aparece explícita en la propia obra, Burns maneja otros referentes de modo más o menos implícito más cercano al universo de directores de cine con los que se retroalimenta como David Cronemberg, David Lynch e incluso Orson Welles sin renunciar por ello a claves de géneros como el thriller clásico o el cine de terror de serie B sin renunciar a temáticas como las enfermizas relaciones interpersonales o los miedos juveniles.

A nivel gráfico, el anunciado paso al color – no en vano la portada de “Tóxico” está inspirada en “La estrella misteriosa” de Hergé, el álbum que marca el paso al color de la serie protagonizada por el reportero belga- no supone un cambio radical en el estilo de Burns sino un requisito formal para adecuar la obra a las características del cómic francobelga emparentando directamente a Buns con el malogrado Chaland. Burns juega constantemente con el aspecto del protagonista ofreciendo distintas versiones del mismo a lo largo de la historia siendo más o menos realista en función del plano real u onírico en que cada momento se sitúe la historia en un proceso de transformación que no deja de ser otra de las claves de la obra de Burns en general y de esta en particular.

“Tóxico” se presenta en una cuidada edición bastante ajustada en la relación calidad-precio en comparación con otras a la que quizás habría que achacar como único defecto el haber optado por la traducción de un título-X’Out- originalmente intraducible perdiéndose de este modo alguna de las posibles claves de la obra.

En definitiva, “Tóxico” tergiversa y manipula las convenciones clásicas del cómic francobelga y la temática anterior de la propia obra de Burns para reinventar la propia percepción de la (i)realidad y del yo de un autor genial y único a través de un universo en constante transformación, tan corrupto y decadente como el nuestro, en el que nuevas sorpresas se esconden a cada página. A posteriori, indispensable.

Más obras de Charles Burns en El lector impaciente:

- "El Borbah"

Mujeres de Papel: Aaricia.

Aaricia es uno de esos personajes de cómics nacidos con un rol marcadamente secundario que se hace querer hasta el punto de robar el protagonismo al protagonista.

Aaricia, la esposa de Thorgal Aegirson, el vikingo más popular y famoso que ha dado el cómic europeo y si en sus inicios emulaba a la Aleta fosteriana poco a poco Van Hamme la dotó de una atractiva personalidad propia marcada por el amor ciego a su familia y a su marido que la llevan a arrastrar todo tipo de peligros y humillaciones.

Hija díscola de caudillo vikingo, Aaricia se casó con el rebelde Thorgal tras numerosas aventuras, renunciando a su aristocrático linaje para darse a una vida vagabunda de aventuras y penalidades sin fin que la llevan a verse una y otra vez separada de su marido y en peligro junto a sus hijos mientras su marido embarcado a su pesar en aventuras interminables suele tenérselas tiesas con bellas féminas que ponen en peligro su vida y su matrimonio aunque siempre logre regresar al lado de una Aaricia convertida en el norte de un vikingo que tiene el hogar donde ella le espera.

Quizás por todo eso sea un personaje que nos guste tanto.

Sobre Pellejero y los formatos.

Pregunta: - ¿Cómo has visto la edición por parte de Astiberri? Quizás se ha echado en falta la portada del segundo tomo, en lugar de la página en blanco que divide un tomo y otro, no?

Pellejero: A mi me ha gustado. Se echa en falta si ya has visto la portada del segundo tomo en francés, pero desde ese punto de vista también se podría haber puesto una ilustración de las que también se editaron en francés en la edición de tiraje limitado como regalo. Astiberri ha seguido la misma línea que con "En carne viva". Puestos a encontrar un "pero" hubiera preferido que se publicara sin corte de página en blanco o sea toda la historia de continuo. Pero, bueno, tampoco estoy muy encima de la editorial. Yo recibo los archivos con el color y los textos, doy mi repaso y visto bueno y ya está. Con Astiberri (los tiempos han cambiado mucho por supuesto) puedo al menos ver las pruebas de impresión cosa que en las anteriores editoriales no veía ni eso. Claro que eran otros tiempos y la comunicación vía internet no existía como ahora.

Pregunta: - Tus dos últimas obras han sido editadas en nuestro mercado a distinto tamaño que la edición para el mercado franco-belga. Va destinada a un público distinto?

Pellejero: Yo publico en Francia en primer lugar y después se edita aquí. Aquí en formato "novela gráfica" ya que ha sido interés y la línea del editor. Yo no hablaría de destinada a un publico distinto sino que diría más bien destinada a un formato distinto. Yo no dibujo mis álbumes (al menos hasta el momento) pensando en el formato "novela gráfica". Sí hiciese una historia inicialmente para el mercado español, lógicamente esto lo tendría en cuenta. El público de aquí puede leer del mismo modo que el francés las historias que dibujo ya que los temas acostumbran a ser perfectamente exportables de un país a otro. Otra cosa distinta sería, si yo dibujase una historia para el lector de aquí y con una temática muy nuestra, eso quizás no interesaría tanto al publico francés.

(Angux ha realizado una estupenda entrevista a uno de nuestros más talentosos y prestigiosos autores Rubén Pellejero los detalles de su última obra publicada en España, “Un verano insolente”. Me llaman especialmente la atención las respuestas del autor en torno al interés del editor por publicar la obra en formato “novela gráfica”, reducido respecto al tamaño de la edición francesa. ¿A qué obedece ese interés?¿Por qué narices tanta obscecación por calzar realizadas en un formato en otro?¿Aun contando con la supervisión del autor, como en este caso, no resultará a la larga pernicioso para la consideración artística del Cómic y sus autores el primar el formato y los intereses de las editoriales por encima de las obras? ¿Ahora va a resultar que después de darle tantas vueltas al concepto "novela gráfica" simplemente va a resultar que se va a reducir todo a un formato libro? Son preguntas para las que no tengo respuesta pero me gustaría conocer vuestras opiniones. Eso sí, no dejéis de leer la fantástica entrevista a Pellejero aquí acerca de un tebeo que no pienso dejar de leer).

A Uderzo le gusta Richard Gotainer

También el gran Albert Uderzo ha realizado alguna colaboración para algún disco. El cocreador de “Asterix”, junto al gran Goscinny, realizó esta portada para el cantante, compositor y humorista francés Richard Gotainer (poco conocido en España, me temo, pero muy popular en Francia) en uno de sus discos “Vive la Gaule” de 1987 en un álbum en que el cantante homenajea la gran obra de Uderzo y Goscinny.

Como de este disco no he encontrado ningún video, os dejo otra cancioncilla del Gotainer para que veáis cuál es su estilo (a mí no me va mucho, pero si a Uderzo le gusta…).