Vicente Molina Foix en su laberinto.

Supongo que ya andarán todos enterados de las opiniones vertidas por el señor Molina Foix en su columna de la revista “Tiempo”. Si hay algún despistado, aquí puede ponerse al día y mostrar su justa cólera ante el ataque frontal a nuestros queridos garabatos.

El mundillo ha cerrado filas y la sarta de lindezas de don Vicente ha tenido pronta respuesta aquí y aquí. Sin embargo, creo que no es suficiente. La pluma de don Vicente hará daño –poco- y encontrará eco en aquellos que piensan igual, por lo que debería tener pronta respuesta más allá del minoritario círculo de la blogosfera en el ruedo de un medio mayoritario como la revista o el periódico donde regularmente escribe el señor Foix o el crítico al que hace referencia.

Está muy bien que cada uno –yo el primero- exponga su opinión en su blog o la deje en los comentarios del blog de Molina Foix (seguro que gracias a este artículo, el caballero ha aumentado las visitas) pero creo que si la Historieta –o por extensión el mundillo que la rodea- quiere defender su recién recuperado lugar en la Cultura debe hacerlo dónde y cómo corresponde más allá de la lucha de guerrillas de autores, aficionados y críticos que se hayan podido sentir aludidos.

Por lo demás, y a título personal, creo que Molina Foix, con esta columna, no ha hecho más que gala de ignorancia e inmadurez, adoptando la actitud, por desgracia demasiado extendida en estos tiempos, del que opina sin conocer sobre lo que habla (o en este caso, escribe). El Cómic previa y posteriormente a que Molina Foix en su tierna infancia no supiera degustarlo ha dado obras hermosas y conmovedoras (por supuesto, muchas más olvidables, al igual que el cine o la literatura) pero que muchos, cada vez más, aprendemos a apreciar y disfrutamos. Lo único que se requiere para ello es tener la curiosidad y sensibilidad (características que se presuponen a un intelectual) necesaria para acercarse sin prejuicios a aquello que desconocemos o al menos ser capaz de respetarlo, de otro modo, la Cultura no se convierte más que en la munición de datos con la que el “intelectual” pretende ningunear a los que considera inferiores a él. No creo que Molina Foix sea tan tonto como puede desprenderse de su columna ni que realmente le preocupe demasiado el peligro que el Cómic suponga para la obra de Ionesco o Nabokov. Más bien, creo que realmente lo que le preocupa es que en el juego de las subvenciones con la inclusión del Cómic haya menos porción de tarta a repartir. En fin, es lo que tiene ser un intelectual de salón.

Ojalá, aunque no lo creo, Molina Foix, en su próxima columna, sea capaz de rectificar su error (basta con que se pase por una librería especializada en cómics y pida asesoramiento al amable dependiente/a para empezar a disfrutar del medio) o al menos se disculpe con los premios nacionales cuya obra ninguneó aunque viendo la poca humildad que gasta lo dudo mucho. Él se lo pierde.

“Blueberry 49: Apaches”, de Jean Giraud y Jean M. Charlier.

Norma Editorial ha publicado este verano la última entrega hasta el momento de “Blueberry”, un clásico del cómic mundial que cuenta a los lápices con uno de los autores más influyentes -sino el que más- de los últimos cuarenta años, Jean Giraud/Moebius. Y el álbum, que se títula “Apaches”, viene precedido por cierta polémica ya que los autores aprovecharon páginas aparecidas en otros álbumes precedentes (“Mister Blueberry”, “Sombras sobre Tombstone”, “Gerónimo el Apache”, “OK Corral” y “Dust”) para contar el primer encuentro de juventud entre Gerónimo y un Blueberry que, amargado, tras sus experiencias en la Guerra Civil Americana, se incorpora a su primer destino en el Lejano Oeste en Fort Mescalero, narrando unos hechos inmediatamente anteriores a la primera aventura de la serie, “Fort Navajo” (con lo que Giraud aprovecha magistralmente un supuesto refrito para aportar luz a un capítulo oscuro de la biografía de Blueberry y de paso cerrar el círculo abierto en 1963).

En su viaje hacia Fort Mescalero, Blueberry y sus compañeros son emboscados por los apaches. Cuando la cosa está realmente fea, milagrosamente, son rescatados por los soldados de Fort Mescalero que no muestran ninguna humanidad hacia los prisioneros indios entre los que se encuentra el joven Gerónimo. En la guarnición, Blueberry descubrirá cuáles fueron los auténticos motivos que llevaron a los indios a atacarles y deberá tomar una decisión en la que tendrá que elegir entre su humanidad y su deber. No les cuento más.

Más allá del discutible hecho que nos encontremos ante un álbum hecho a base de trozos de otros, hay que reconocer que Giraud hilvana una entretenida historia en la que queda bien disimulada la dispersión de orígenes. No voy a descubrir ahora a nadie a Giraud quien deja constancia de toda su sabiduría acumulada cuidando hasta el último detalle la ambientación de la historia y recreando perfectamente los distintos ambientes (en apenas 64 páginas, llueve, nieva y sale un sol achicharrante, sin apenas transición) en los que se desarrolla la historia. Les invito a que finalizada la lectura de “Apaches” ojeen los primeros álbumes de la colección y comprueben la enorme evolución que ha sufrido el autor desde esas primeras páginas en la que era notoria la influencia de Jijé hasta el dominio de todos los aspectos del dibujo mostrados en esta última entrega de la serie, destacando la amplitud y profundidad de campo que logra en todas sus localizaciones o el cuidado tratamiento de la luz que están al alcance de muy pocos.

Probablemente, lo mejor de esta entrega, es que al ser una aventura autoconclusiva no decepcionará a los seguidores fieles de la serie y sirve, además, de estupendo punto de partida para aquellos jóvenes –o no tan jóvenes- que quieran adentrarse en la biografía de Mike Donovan Blueberry, uno de los más atractivoss personajes del cómic mundial o, simplemente, aprovechar para leer una entretenida aventura del Oeste. En cuanto a la edición, bastante correcta, incluye un prólogo de Max Armanet.

Jack Kirby que estás en los cielos

Ya saben ustedes eso que se dice, que la venganza es un plato que se sirve frío, una frase hecha bastante tonta que los herederos de “The King” no han tenido problema en aplicar a rajatabla presentando nada menos que 45 requerimientos contra Marvel, Disney, Sony, Paramount, Universal y 20th Century Fox, solicitando la recuperación de la propiedad y el cese del uso de los personajes creados por Kirby.

Muy astutamente – no en vano se han buscado los herederos el asesoramiento de los mismos abogados que consiguieron para Siegel el reconocimiento de los derechos de explotación de Superman frente a DC y Warner, los herederos de Kirby se inmiscuyen en medio de la operación de compra de Marvel por parte de Disney, y crean en esta una duda razonable sobre si la va a merecer la pena hacerse con la Casa de las Ideas. Y es que si la demanda de los herederos de Kirby prospera –y al parecer es posible que así sea, teniendo en cuenta el precedente del caso Siegel y las peculiaridades de la ley que regula los derechos de autor en EEUU que permite recuperar los derechos cedidos por los autores a las compañías cincuenta y seis años (¿Qué plazo más raro, verdad? Bueno, esto es América) después de la primera publicación del personaje, todos aquellos que quieran publicar un tebeo en el que aparezca el Capitán América, sacar una figurita de Thor o hacer una película de Estela Plateada/Silver Surfer tendrán que obtener primero el visto bueno de los herederos de Kirby, previo paso por caja. Y esto no es todo, ya que si en el juicio se les da la razón a los Kirby, se abrirá la veda para que lluevan las demandas sobre las compañías editoras que durante décadas se estuvieron aprovechando del trabajo de los artistas ninguneándolos en muchas ocasiones.

Los herederos de Kirby han sabido maquiavélicamente esperar pacientemente y le están dando a Marvel una taza de su propia medicina, la misma que llevó a esta a presionar a Kirby, con unas técnicas más propias de la Cosa Nostra que de una empresa, a renunciar a sus derechos en los setenta (la historia pueden leerla detalladamente aquí) y que llevó a Kirby a dejar la compañía que había ayudado a levantar junto a Stan Lee. Kirby acabó harto de Marvel, tanto que en los últimos años de su vida en los que andaba ya delicado de salud no quiso enredarse en pleitos por sus creaciones y que su nombre figurara al lado de Lee en los cómics Marvel. Probablemente, si Marvel en aquel momento hubiese sido más generosa con Kirby no se encontraría ahora con este quebradero de cabeza que, imagino, acabará arreglando a base de soltar una buena pasta a los herederos de Kirby (más allá del romanticismo de blogueros y aficionados aquí lo que más cuenta para unos y para otros es el vil metal).

Si Kirby, un tipo que sólo quiso disfrutar dibujando y creando universos paralelos, está viendo la que han preparado sus herederos a Marvel seguro que estará disfrutando con la jugada. Nuff Said.

Howard Chaykin, el menos talentoso de su generación.

Pregunta: ¿Por qué cómic?

Chaykin: Porque amo todo lo que tiene que ver con ellos: su olor, la sensación que da tocarlos...

Pregunta: ¿Considera que ha habido grandes cambios en su trayectoria?

Chaykin: Soy el menos talentoso de mi generación. Ya trabajaba en el mundo del cómic a principios de los ‘70, pero no era bastante bueno para hacerlo bien. Los primeros siete, ocho años de mi carrera los pasé intentando encontrar una buena idea. Pero ya he descubierto que la única manera para poder estar a la altura de los realmente buenos, es trabajar más que todos...

Pregunta: ¿Qué significó trabajar con artistas como Gil Kane o Neal Adams?

Chaykin: Gil influyó profundamente en mi formación profesional. Yo tenía 19 años y él era tan presumido... pero observándolo trabajar aprendí muchísimo del oficio. Para Neal he dibujado incluso más que para Gil, sin embargo siento que le debo menos...

(Howard Chaykin habla con Elena Ledda sobre su vocación por el cómic e influencias en una entrevista muy interesante que pueden leer aquí).

“Malditos Bastardos” de Quentin Tarantino.

Vaya por delante que yo siempre he sido tarantinista y que pienso que si este hombre no existiera habría que inventarlo por bien del cine. Sin embargo, una vez hecha, procesión de fe también debo admitir, usando el símil deportivo, que como esos magos del balón que vuelven tras un largo retiro Tarantino en “Malditos Bastardos” ha perdido el toque mágico con el que nos sedujo a sus seguidores en sus grandes títulos y su última película resulta decepcionante, más allá de contados momentos puntuales, que los tiene.

En su particular aproximación al género bélico, Tarantino nos cuenta como durante la II Guerra Mundial un comando infiltrado tras las líneas nazis en la Francia ocupada, compuesto por soldados americanos de origen judío conocido como Los Bastardos, intenta atentar contra Hitler y su plana mayor en el estreno de una película al tiempo que la dueña del cine, una judía que ha perdido a toda su familia a mano de los nazis, planea paralelamente su propio plan de venganza. ¿Quién conseguirá acabar con los malos antes?¿Ó acabarán los malos con los buenos? Tendrán que ver antes la película para enterarse.

En “Malditos Bastardos”, Tarantino vuelve a mostrar esos recursos que tan popular le han hecho, guiones trabajados y cargados de referencias cinematográficas presentados en un cuidado montaje a base de capítulos unitarios coherentes y autónomos que confluyen en un conjunto armonioso, con una banda sonora cuidada y un grupo de actores comprometido que declaman con eficacia los largos e ingeniosos diálogos ideados por el guionista y director. Sin embargo, en “Malditos Bastardos”, esas piezas artesanales pulidas hasta el extremo y que conforman una buena película de Tarantino ajustan mal y el resultado es una película irregular, carente de ritmo y pesada, que deja en evidencia a un Tarantino menos seguro de sí mismo en su domino y conocimiento del género, en este caso el bélico, que disimula coqueteando en demasía con la parodia y la comicidad y prescindiendo completamente de la acción que se presupone a una película de guerra, quedando la película en una tierra de nadie que deja bastante indiferente al espectador sino le repele directamente con un abuso un tanto sádico de la violencia explícita y gratuita. No logran salvar la película en este caso ni sus estupendos primero y último capítulo ni la gran interpretación en general del reparto internacional que participa, destacando especialmente un Christoph Waltz que borda su papel de nazi cazador de judíos y un Brad Pitt que disfruta tatuando frentes.

En definitiva, “Malditos Bastardos” no convence y aburre y me dejo la sensación que Tarantino imitaba a Tarantino –por no gustarme no me gustó ni la banda sonora que me pareció un refrito- y eso es lo peor que le puede pasar a un director tan personal como el amigo Quentin. Esperemos que sólo haya sido un constipado y en próximos proyectos nos dé la de cal. Yo sigo apostando por él.

Otras películas de Tarantino en El lector impaciente:

“Death Proof”.

Yoshito Usui (1958-2009)

La montaña finalmente se ha llevado a Yoshito Usui, el veterano mangaka creador del popular Shin Chan. Más allá del éxito cosechado con la narración de las travesuras de este niño travieso e imaginativo que se convierte en la pata japonesa de una imaginaria mesa en la que se podrían incluir el Calvin de Watterson, el Charlie Brown de Schulz y la Mafalda de Quino, Usui había realizado otras series de menor calado como “Mix Connection”, “Unbalance Zone”, “Scrambled Egg”, “Supper Mix” y “Office Lady Ami” (todas ellas inéditas en castellano).

Aquí tienen un buen artículo de Jordi Costa sobre Usui y su obra más conocida.

D.E.P.

Dave Gibbons y los cordones de las botas en “Watchmen”.

Pregunta: ¿Qué le llevó a hacer sus propios guiones?

Gibbons:Cuando me encontré con los cómics por primera vez pensaba que la persona que los dibujaba y escribía era la misma. Fue más tarde que descubrí que había un guionista, un dibujante, un rotulista y un entintador. Así que las primeras muestras de trabajo fueron historias que yo mismo escribí, dibujé y rotulé, pero para empezar los editores estaban más interesados en el dibujo que en cualquier otra cosa que yo supiera hacer. Afortunadamente el que se me asociara con Watchmen significó que mi nombre tuviera una especie de estatus comercial, así que me dejaron escribir algunas cosas; sólo por la conexión con Watchmen, sospecho. La mitad de las cosas que escribí fueron bien recibidas y yo disfruté haciéndolas. También fue importante para mí que escribiera para otros artistas al principio, de modo que pude sentir que estaba vendiendo los guiones sin aprovecharme de la fuerza de mi dibujo. Creo que me he demostrado esto a mí mismo y ahora ya puedo empezar a escribir y dibujar mi propio material.

Pregunta: Siempre me llamó la atención que el calzado de los personajes de Watchmen es del mismo tipo, botas atadas con un elástico. ¿Era por vagancia o una broma?

Gibbons: ¿¿Vagancia?? (muchas risas) La idea central de Watchmen es cómo sería el mundo si hubiese superhéroes en él, y esto implica desde el equilibrio de poder mundial hasta la ropa que viste la gente de la calle. Así que la moda en Watchmen son chaquetas con doble abotonamento y zapatos que en vez de cordones tienen un elástico. No se nos ocurrió por vagancia, aunque cuando anduvimos mal de tiempo al final yo estaba ciertamente contento de no tener que dibujar todos esos cordones.
(De una entrevista realizada a Gibbons para "El pequeño Nemo" en el año 2000 por Jordi Juanmartí, Javier Riva y Pedro Terán y que pueden leer completa aquí).

Jack Kirby trabajaba para niños pequeños, según Kyle Baker.

Pregunta: Tienes fama de ser un tipo con opinión sobre casi todo en una industria donde los tipos con opiniones, gente como Peter David o John Byrne, son considerados como bocazas. ¿Piensas que, incluso en un medio artisticamente industrializado como el del tebeo es necesario que los autores expresen a las claras sus opiniones?

K.B.: Creo que sí. Quiero decir… no me considero un tipo con opinión. Creo que actualmente estoy un poco fuera de contacto con la industria del cómic. Porque como te he dicho, la industria del cómic no es para niños. Cuando empecé en esto sí que lo era. Es lo que me confunde. Llevo en esto veinte años. Mi primer trabajo fue Spiderman, en Marvel, y hacíamos tebeos para niños y el jefe nos lo decía, decía “haced tebeos para niños”, y tenían reglas. Los tebeos tenían que valer 50 centavos porque ese era el precio de las chucherías… Cosas así. Las cosas tenían que ser fáciles de entender incluso sin leer los diálogos. Como en los tebeos de Jack Kirby. Podías leer un tebeo de Jack Kirby sin saber inglés, porque él trabajaba para niños pequeños y los niños pequeños no saben leer.

Pregunta: Y entonces, ¿Cómo se entiende que un tebeo de Jack Kirby te cueste, digamos, veinte minutos de leer, y uno de hoy en día, un tebeo de superhéroes, que se supone que es más complejo, lo puedes despachar en cinco minutos? ¿Por qué esta diferencia?

K.B.: Lo que no entiendo acerca de los comics de superhéroes actuales es a quién van dirigidos. Por ejemplo, no sé por qué no puedo comprar un tebeo de Wonder Woman o Supergirl que sea apropiado para mi hija de siete años. Si Wonder Woman no es para niñas, ¿Para quién es? (risas) Y si no sé para quién estoy trabajando… me gusta trabajar para todo tipo de públicos. Hago cosas para adultos también, me encantan el sexo y la violencia. Compro un montón de tebeos para adultos y cosas así, y si me contratas para hacer algo de ese estilo, lo puedo hacer, pero si trabajo para alguien, normalmente conzoco la situación, sé cuales son las reglas. Si trabajo para la televisión, me dicen “no puedes decir esto” o “no puedes hacer aquello”, porque es la tele, y te dicen para quién haces las cosas, “esto es para adolescentes”, “esto es para niños”, “esto es para niñas”, pero cuando preguntas en DC Comics a quién va dirigido lo que haces, lo cual yo siempre hago cuando empiezo un encargo… Por ejemplo, con Plastic Man, les dije “¿Esto a quién va dirigido, es para niños, o mi audiencia es gente mayor?” y nadie lo sabe ya.Pero cuando haces un tebeo como Identity Crisis –es un buen ejemplo- ese libro está dirigido a gente que ha estado leyendo tebeos toda la vida. Un tebeo en el que el punto de partida es que la mujer del Enlongated Man es violada y asesinada… El Enlongated Man no ha tenido su propio tebeo desde hace treinta años. Nunca sale en los tebeos. No es un personaje importante. Así que la única gente a la que le va a importar que le pase algo a su mujer, ni siquiera a él mismo… No sé, si me dijeras que van a matar a Wonder Woman, o a Robin, estaría muy interesado. Pero me estás contando que la mujer de un personaje que no ha salido en un tebeo en cuarenta años (risas). A la única gente que le importa es a gente mayor que yo. Hay una escena en ese tebeo. Green Arrow sale sin disfraz, con lo que no sabes que es Green Arrow. Y, por cierto, Green Arrow no dispara ni una sola flecha en toda la serie. ¿Por qué va disfrazado como Robin Hood si nunca va a disparar una flecha?¿Qué sentido tiene un tebeo de Superman en el que sólo habla?Lo he visto, ¡he visto tebeos enteros donde se sientan y hablan! No tengo nada en contra de hablar, he hecho comics en los que se habla, pero si compro un tebeo con Superman, quiero verle volar. Si compro uno de James Bond, quiero ver chicas guapas y coches. Bueno, pues eso, Green Arrow no lleva su uniforme y se va a un cementerio y va a visitar al fantasma de Green Lantern, que está muerto y tampoco lleva uniforme. Así que tienes a dos tipos hablando y ninguno de los dos va en uniforme y se llaman el uno al otro “Hal” y “Ollie”. Y estan de charla, hablando de esto y lo otro, y no están hablando de nada en especial y, de repente, dicen “adios” y se van cada uno por su lado. Esta escena sólo es interesante para ti si sabes que estos tíos son Green Lantern y Green Arrow y tienes que saber que solían ser amigos… hace treinta años (risas). Esa serie salió en los setenta. ¡Lo que quiero decir es que a la única persona que le va a importar eso es a alguien que era fan de esa serie en los setenta! ¡Eso es alguien más mayor que yo! ¿Por qué hacemos tebeos de superhéroes para gente de cincuenta años? No tengo problemas con los comics para gente mayor. Pero no ves que intenten hacer crecer a Winnieh The Pooh. Cuando veo Winnieh The Pooh es igual que antes. Hacen películas nuevas pero no hacen que el osito se ponga a beber, y el tigre no se pone a matar gente… no lo entiendo. Creo que los tebeos de superhéroes son para niños, y deberían serlo. Al menos, esa es mi opinión, pero estoy solo en ella (risas).

(Recupero la polémica opinión de Kyle Baker sobre Jack Kirby aparecida en una completa entrevista realizada por el excelente blog Culpable y Perdedor en 2006 y que pueden leer aquí. Que conste que no estoy de acuerdo con Baker y creo que un cómic de Kirby se puede “leer” sin necesidad de conocer el idioma simplemente porque es un gran narrador gráfico).

“La guerra del profesor Bertenev” de Alfonso Zapico.

Dolmen Editorial ha recuperado estos días la primera obra de Alfonso Zapico, “La guerra del profesor Bertenev”, quien ya se diera a conocer en nuestro país de la mano de Astiberri con la recomendable “Café Budapest”, y que por esas cosas de la industria comiquera nacional permanecía inédita desde su publicación en 2006 en Francia y a pesar de haber recibido premios como Prix BD Romanesque en el FestiBD Ville de Moulins en el 2007 o la “Recommandé par iddbd le blog BD 2008". Y lo cierto es que esta primera obra nos confirma a Zapico como uno de los jóvenes autores españoles a los que hay seguir de cerca.

“La guerra del profesor Bertenev” es una historia costumbrista ambientada en la Guerra de Crimea inspirada en la lectura por parte del autor de la fantástica “Ana Karenina” de Leon Tolstoi y en ella encontramos algunas inquietudes del autor que ya aparecían reflejadas en “Café Budapest” como la manifestación de la cultura y la amistad como refugio y salvación del individuo en situaciones límite. Si en esta, el protagonista encontraba en la música un refugio ante los enfrentamientos entre palestinos y judíos, en esta nueva obra el apocado y pacífico protagonista, Leon Bertenev, encuentra en el teatro y la enseñanza un medio para abstraerse de la difícil situación en la que vive. Bertenev, un antiguo profesor obligado a enrolarse en el ejército ruso contra su voluntad para luchar en la Guerra de Crimea contra franceses e ingleses, deserta para salvar la vida y es hecho prisionero por el ejército inglés. Gracias a su conocimiento de distintos idiomas, recibirá en el campo de los prisioneros un trato privilegiado por parte de sus supuestos enemigos lo que le convertirá en blanco de las iras del resto de los prisioneros rusos que no le perdonan su cobardía en el campo de batalla.

“La guerra del profesor Bertenev” es una obra realmente original en la que el autor ya deja muestras de su buen hacer como narrador y sus ganas de contar historias propias, sacando buen partido de la estructura clásica del álbum europeo y siguiendo la estela de autores como Blain a la hora de subvertir las convenciones del género para contar historias centradas en los personajes. Con un dibujo caricaturesco y naif, que recuerda bastante el de Larcenet pero cuidando el detalle y la documentación en la caracterización de los personajes (algo indispensable en una obra de corte histórico), Zapico muestra su habilidad para reflejar el paso del tiempo a través de los cambios físicos en los personajes (especialmente los prisioneros rusos y el protagonista Bertenev que a lo mejor son cosas mías parece inspirado en Robin Williams) deja evidencias de su facilidad para el gag visual y aprovecha los recursos dramáticos propios del cómic. Quizás se trate de una obra en la que al autor se le note más remiso que en “Café Budapest” a la hora de experimentar con la distribución de viñetas mostrando una organización de la página más clásica en la que en ocasiones pueda parecer que abusa de las cartelas y los cuadros de texto aunque generalmente estas cumplen su función y no resultan redundantes respecto a la información ofrecida en su dibujo. Como novedad, Zapico se muestra como un gran colorista, cuidando con mimo el color de la obra a base de colores suaves y logrando estructurar perfectamente los distintos lapsos temporales en los que se desarrolla la historia, mostrando, además, especial habilidad en retratar el distinto estado psicológico de los personajes a lo largo de la historia con cuidadas transiciones.

“La guerra del profesor Bertenev” anuncia las buenas maneras de un Alfonso Zapico que ya se confirmaron en “Café Budapest”. Esperemos que no se demoren demasiado las nuevas obras del autor. Finalmente, destacar la cuidada edición por parte de Dolmen a la que nada se la puede objetar y que incluye un prólogo realizado por el autor.

Otras obras de Alfonso Zapico en El lector impaciente:

“Café Budapest”.

Mike Mignola y el lastre del demonio.

Pregunta: ¿Qué le ha influenciado al crear a "Hellboy": folklore, literatura, cine, comics...?

Mignola: Todo, porque sabía que era un tipo de personaje en le que podría meterlo todo, todo lo que me gusta y me interesa. Lo que quería con "Hellboy" era hacer una historia de fantasmas, combinada con una producción de serie B, una mezcla divertida.

Pregunta: ¿Cómo fue el pasar de trabajar para las grandes editoriales, Marvel y DC, a tener los derechos de tu personaje? ¿Cuál es la relación que se establece al compartir su creación con otros artistas?

Mignola: Lo que más lamento es que he tenido que dejar de dibujar muchas cosas debido a "Hellboy". Empecé siendo dibujante para Marvel y DC y lo que no esperaba es haber seguido ese proceso, meterme en el negocio de escribir y dibujar. Me di cuenta, cuando me empezaba a involucrar en la película, que me estaba distanciando de la mesa de dibujo y si no encontraba a otro dibujante para colaborar con él, no podría seguir. Ahora lo que pretendo hacer alejarme un poco de la escritura y volcarme más en el dibujo.

(De una entrevista corta, pero jugosa, realizada por José Luis Vidal al creador de “Hellboy” para Freekmagazine que pueden leer completa, aquí).

“The Winter Men” de John Paul Leon y Brett Lewis.

Llámenme exagerado pero se ha levantado en los madriles estos días una rasca invernal que me viene al pelo para ambientarme y comentarles la lectura de esta miniserie publicada por DC bajo el sello Wildstorm y que Norma editó hace unos meses en nuestro país en un cuco volumen unitario. Se trata de “The Winter men”, un curioso pastiche entre el género superheroico y el negro, una historia ambientada en la corrupta Rusia posoviética.

Kamelov es un antiguo agente del ejército soviético cuyo matrimonio va a pique y que en la nueva Rusia trabaja al servicio del alcalde de Moscú que debe resolver un caso relacionado con la desaparición de una niña a la que se le había realizado un trasplante de hígado. En su investigación, Kamelov descubrirá que el caso guarda oscuras conexiones con su pasado en el ejército soviético cuando pertenecía a un cuerpo de antiguos soldados motorizados ideados como contrapeso al cuerpo de superhombres soviéticos. El melancólico Kamelov tendrá que contar con la ayuda de sus antiguos camaradas de armas cuando debe enfrentarse a las nuevas mafias rusas compuestas por antiguos miembros del ejército soviético y a los políticos corruptos que las controlan quienes extienden sus redes a nivel internacional.

“The Winter Men” es un buen ejemplo de tebeo lleno de buenas ideas mal desarrolladas que a mí, personalmente, me ha dejado bastante frío –valga la redundancia- debido a la dificultad de una trama enrevesada y confusa, plagada de diálogos absurdos, que se hace muy difícil de seguir. Siguiendo la moda de la mezcla de géneros que tan de moda está en los últimos tiempos, Lewis construye un thriller negro clásico, con un punto de critica social hacia la corrupta sociedad soviética que es lo más salvable de una historia en el que se realiza un recorrido por las contradicciones de la Rusia possoviética, sin saber muy bien hacia donde quiere llegar el autor con la trama e incorporando a la historia elementos superheroicos que realmente no aportan demasiado al conjunto que queda desdibujado por los continuos bandazos y soluciones ilógicas ideadas por Lewis. Seguramente, al trabajo de Lewis le afectó la azarosa publicación de la serie –la idea original era su publicación como miniserie de ocho números para Vertigo y acabó en seis dentro de Wildstorm- pero eso no es atenuante suficiente para justificar un tebeo decepcionante argumentalmente.

Sin duda, Lo más destacable de este cómic, más allá de los despropósitos del guión, es el excelente dibujo de John Paul Leon, un dibujante con un estilo realista muy definido y que se sitúa en la línea de gente tan notable como Michael Lark o Sean Phillips y en el que la influencia de Howard Chaykin resulta bastante notoria. Paul Leon sabe dar a la historia el tono sucio que requiere a través de un estilo aparentemente descuidado y expresionista que casa a la perfección con la atmósfera decadente de la invernal Rusia. El color de Dave Stewart, basado en una paleta de tonos apagados y colores fríos, refuerza esa cualidad del dibujo de Leon aun cuando viendo las páginas originales sin color creo que la historia hubiera ganado mucho si se hubiera publicado originalmente en blanco y negro porque en ocasiones las elecciones cromáticas de Stewart no hacen más que aumentar la confusión de una historia que Lewis complica demasiado.

La edición de Norma está bastante bien reproduciendo al final de la obra las portadas originales a menor tamaño aunque se echa a faltar algún artículo de fondo que sirviera para contextualizar el cómic en la Rusia posoviética.

Aviso de Robo

A John Paul Leon, el excelente dibujante de "The Winter Men" o "Tierra X", le han robado el original que reproduzco arriba perteneciente a la portada de "DMZ #37" en la pasada Comicon de San Diego. Nunca se sabe con los Internets donde pueden teniendo en cuenta la desregularización del mercado global de originales, así que les pongo sobre aviso por si algún aficionado descubre el original a la venta por ahí.

Si alguien descubre algo, puede ponerse en contacto con John Paul Leon a trávés de su página web, aquí.

El camaleónico Michael Golden.

Entrevistador: Cuando comenzaste a trabajar con Marvel y DC no parecías especialmente influido por los dibujantes más celebres del momento. ¿Tuviste problemas para ajustarte al modelo?

Golden: Yo venía de la ilustración comercial, no del cómic, y mis dibujos eran bastante ajenos a lo que predominaba por aquel entonces. Cuando me pedían que dibujase con un determinado estilo... sí, siempre está esa parte de ti que se niega a cooperar, especialmente cuando uno ha establecido un estilo propio. Pero al cabo tienes que decidir si vas a acomodarte a las exigencias de editores y agentes. Así que cuando estuve en DC aprendí a dibujar a lo Neal Adams, aunque no me sentía cómodo, porque Neal Adams es un dibujante perfecto, puede hacer cualquier cosa, y yo no soy tan bueno ni de lejos. Me salvaba mi habilidad narrativa: tengo un talento natural para contar historias y eso me dio bastante cuartelillo. No me costó demasiado adaptarme una vez superé mis propios prejuicios de artista ególatra. Porque si te están pagando para hacer algo, o lo haces o no cobras.

Entrevistador: ¿Te sientes satisfecho con los comics que has escrito?

Golden: Con algunos de ellos. Puedo revisar algunos con espíritu crítico y sentirme satisfecho con el trabajo que hice, pero no con la inmensa mayoría, a causa de criterios editoriales a los que tuve que ajustarme y que en mi opinión eran arbitrarios o inapropiados. Pero lo hecho, hecho está. No tiene sentido preocuparse por ello a estas alturas. Ya sabes, el cheque tenía fondos (risas), así que... sigues adelante.

Entrevistador: ¿Afectaron esos compromisos a "The Nam"?

Golden: Me parecía que era absolutamente necesario hacer ese cómic, en un sentido cultural. América había mantenido el tabú durante veinte años hasta que hicimos la serie. Comenzamos con unas pocas historias cortas en blanco y negro en una revista titulada "Savage Tales" ("Relatos Salvajes"), y fueron extremadamente bien recibidas. Mucha gente entendió lo que queríamos hacer y pensaban, como nosotros, que era necesario hacerlo. Eran historias bélicas que no tenían nada que ver con el sargento Rock ni nada por el estilo, y desde luego no estábamos embelleciéndolas. Intentábamos, sin más, contar a la gente cómo había sido aquello. Esa pureza no se pudo trasladar a la serie en color, porque teníamos que movernos dentro de los límites del Comics Code, lo cual implica que no podíamos hablar de drogas y muchos otros aspectos de la realidad... Desde luego, no podíamos mostrarlos. Pero logramos esquivar las restricciones un par de veces. Todas las personas que me han hablado de aquella serie desde entonces piensan que fue un trabajo honesto, justo, y que había que hacer.

(Interesante entrevista realizada por Alejandro Romero al gran Michael Golden para Freekshow en la que comenta esa estupenda serie que fue “TheNam” (¿Cuándo alguna editorial se decidirá a reeditarla?) y que pueden leer completa aquí).

Los Premios de la Crítica, sin picota

Copio y pego de La Cárcel de Papel los premiados en la IX Edición de los premios otorgados por La Crítica especializada. Más allá de subjetividades me parecen unas elecciones ecuánimes teniendo en cuenta lo publicado el año pasado y el peso dentro del mundillo de los premiados y las obras seleccionadas así que ningún pero por mi parte, salvo quizás que no premiaría a Buckingham por el arco de La Gran Guerra y sí por el conjunto de su trabajo en la serie ”Fabulas”.

(¿Estará madurando el mundillo si no se le pueden sacar puntas a unos premios? No creo pero por si acaso les dedico a ese Donald en la picota).

Los ganadores son:

MEJOR DIBUJANTE EXTRANJERO: Mark Buckingham por "Fábulas: la gran guerra".

MEJOR GUIONISTA EXTRANJERO: Ed Brubaker por "Criminal 3"
MEJOR DIBUJANTE NACIONAL: Quim Bou por "Orn: Historia Universal 3"
MEJOR GUIONISTA NACIONAL: Felipe Hernández Cava por "Las Serpientes Ciegas"
MEJOR OBRA EXTRANJERA: "La educación de Hopey Glass" de Jaime Hernández.
MEJOR OBRA NACIONAL: "Las Serpientes Ciegas"
MEJOR OBRA TEÓRICA: "W de Watchmen" de Rafael Marín Trechera
PREMIO TODA UNA CARRERA – AUTOR EXTRANJERO: Moebius
PREMIO TODA UNA CARRERA – AUTOR NACIONAL: Luis García

¡ Felicidades a todos los premiados!

Cameron Stewart y los tres caballeros.

Entrevistador: Has dibujado para tres de las más grandes (en nuestra humilde opinión) firmas en el cómic mainstream del momento: Jason Aaron, Ed Brubaker y Grant Morrison. ¿Puedes ofrecernos una opinión a grandes rasgos sobre sus guiones y de los diferentes enfoques que usabas para dar vida a sus palabras?

Stewart: ¿Estoy bendecido o algo? Cualquiera de esos tres chicos es una estrella y estoy feliz de considerarlos amigos y colegas. Sus guiones son todos muy diferentes, a diferencia de la industria cinematográfica donde hay unas reglas invariables comúnmente aceptadas sobre la forma de hacer guiones, pero no he visto todavía dos guiones de cómics iguales. Los guiones de Grant, como mencionaba antes, son muy amplios y abiertos para ajustarse después en función del trabajo artístico, pero estar familiarizado con su forma de trabajar me permite a menudo intuir lo que él quiere ver en la página. Los guiones pueden ser también muy imaginativos pero terriblemente complicados –muchas veces cuando leo uno de esos guiones por primera vez me entra un sentimiento de incapacidad, que no seré capaz de representar adecuadamente lo que él ha descrito. La mayoría de las veces soy capaz de lograrlo al final, después de muchos intentos fallidos, pero es un duro proceso.

Ed Brubaker fue el primer guionista con el que trabajé regularmente y sus guiones eran muy ajustados y concisos, con focos de diálogo (¿?). No tuve problemas en trabajar en “Catwoman”, salvo el de colaborar y contribuir en algo en la obra más allá de la labor meramente ilustrativa de lo que Ed había escrito. Esto me condujo a idear y coreografiar mis propias escenas de acción (estaba inmerso en el manga y las películas de artes marciales hongkonesas por aquel entonces) e insertar muchos de mis propios giros en el espacio de la página por lo que por eso parecen tan densas –una página que había sido escrita para contarse en cuatro o cinco viñetas a menudo acababa siendo de nueve o diez viñetas después que yo hubiera terminado el proceso.

El guión de Jason Aaron para “El otro lado” fue tan poderosamente atractivo y evocador que inmediatamente me puse a trabajar en él, y pienso que es una auténtica vergüenza que poca gente fuera de nuestro equipo de producción lo cogiera para leerlo. Jason probablemente sea hasta ahora el más servicial escritor con el que he trabajado – sus guiones están llenos de referencias externas, referencias de libros para desarrollar y entender el contexto, enlaces a fotografías de particulares u objetos para ayudarme en mi trabajo de ambientación (también me envió una enorme caja de tebeos y libros, incluyendo anuarios de los sesenta del campamento de instrucción de reclutas de la Isla Parrish y un cómic sobre el mantenimiento del fúsil M-16 encargado por el Ejército norteamericano y dibujado por Will Eisner). Me entregó un amplio resumen de la historia completa y de cada personaje y los guiones de cada episodio estaban escritos tan vívidamente que las imágenes se me aparecían fácilmente. No sé si ello era debido a la impaciencia, al ser su primer trabajo profesional, pero no puedo imaginar un colaborador mejor para un dibujante y espero volver a trabajar con él en el futuro.

(Llevado por mi entusiasmo hacia “El otro bando”, he traducido parte de una entrevista realizada al dibujante Cameron Stewart para el interesante site Mindles Ones en la que comenta su trayectoria. Stewart comenta su colaboración con tres de los más grandes guionistas del momento destacando su colaboración con Aaron para “El otro bando”. Espero que les guste y si alguien quiere leer la interesante entrevista completa en inglés o terminar de traducirla, aquí la tiene).

“El otro bando”, de Jason Aaron y Cameron Stewart.

Atención, firmes. Cuadrénse todos hasta nueva orden porque Jason Aaron y Cameron Stewart nos ofrecen con en “El otro bando” un tebeo mayúsculo cuya lectura hace olvidar el inexplicable retraso al que le ha sometido la editorial Planeta durante meses. Aaron y Stewart escriben un magnífico cómic sobre la Guerra y renueva el interés sobre un tema tan manido como La Guerra de Vietnam, mostrando la visión del conflicto de los autores a través del relato paralelo de la vida de dos reclutas de los distintos bandos en contienda desde el momento de su alistamiento hasta su encuentro en el campo de batalla.

Jason Aaron es un narrador mayúsculo. Un tipo que demuestra un insultante talento a la hora de construir historias con habilidad y sabiduría a pesar de su juventud sabiendo qué tecla tocar en cada momento para mantener el interés desde la primera a la última del tebeo siendo –en mi opinión- junto a Brubaker el guionista que mejor escribe y maneja los cuadros de texto en el cómic norteamericano contemporáneo. En esta miniserie de cinco números que le dio a conocer, realiza uno de los mejores trabajos de su todavía corta carrera en un proyecto personal en el que se nota pone toda la carne en el asador. No en vano, Aaron es primo de Gus Hastfod, veterano de Vietnam y escritor de la novela –y parte del guión- en que se basó Stanley Kubrick para la magnífica “La chaqueta metálica”. El guionista toma muchos de los episodios de la película y de la novela, con el riesgo que ello acarrea y los hace propios con la pasmosa naturalidad del que los conoce de primera mano, para construir la historia de los dos protagonistas de la historia. Dos reclutas soberbiamente contrapuestos en sus motivaciones y personalidades que permiten atisbar las causas que llevaron a unos y a otros a ganar y perder la guerra pero que comparten un mismo trasfondo humano que los acerca al lector. Aaron cuida especialmente el elemento introspectivo y psicológico de la historia para enriquecer la personalidad de los protagonistas siguiendo una constante de la buena literatura bélica norteamericana desde “La roja insignia del valor”, pasando por “Los desnudos y los muertos” o la obra de James Jones (“De aquí a la eternidad”, “La delgada línea roja”), género del que se nota está bien empapado pero, además, sabe incorporar ese elemento psicológico a los elementos reales que ambientan y dan credibilidad a la obra. De este modo, la historia ideada por Aaron va creciendo página a página al tiempo que los protagonistas viven su particular descenso a los infiernos, en un viaje en el que Aaron no desdeña la referencia dantesca vía Coppola (“Appocalypse Now”) hasta alcanzar el clímax final en el magnífico último número. A pesar de ser una obra tan rica en referencias (les invito a buscar más de las comentadas que les aseguro encontrarán), “El otro bando” es una obra original y fresca valida por sí misma en la que el autor deja constancia del horror de la guerra y las terribles consecuencias para los contendientes, independientemente del bando en que hayan luchado.

Si destacable es la labor del guionista no menos remarcable es el aspecto gráfico, desarrollado por Cameron Stewart, un dibujante que bucea en los cómics de guerra de E.C. o el de “The Nam” de Michael Golden para construir su personal revisión de la guerra de Vietnam. Stewart realiza probablemente el mejor trabajo de su carrera a la hora de cargar con el peso del desarrollo de una historia compleja y difícil, en la que las historias paralelas de los personajes se yuxtaponen de manera fluida en un único hilo narrativo. El dibujante capta perfectamente la atmósfera opresiva y fantasmal en la que viven los personajes, comunicando sus miedos al lector y utilizando su versátil estilo para dar un tono más realista u onírico en función de las necesidades de la historia.

La edición de Planeta bastante correcta, con amplios artículos de los autores y veteranos del conflicto, reproduce las portadas y está bastante ajustada en cuanto al precio.

En mi opinión, “El otro bando” es uno de los mejores tebeos de lo que llevamos de año y no debería dejarlo pasar ningún aficionado al buen cómic. Un cómic que debería ser de lectura obligatoria en todos los colegios y que muestra las enormes potencialidades del medio. No exagero.

(Pueden descansar).

Otras obras de Jason Aaron en El lector impaciente:

“Scalped: Nación India”.
“Scalped: Casino Boggie”
“Scalped: Madres Muertas”

ACTUALIZACIÓN: Reproduzco a continuación una serie de fotos que he encontrado por los Internetes de Gus Hastfod durante su estancia en Vietnam y el estudio realizado por Cameron Stewart del protagonista de "El otro bando", el soldado Everette. Quizás sea cosa mía pero creo que hay un gran parecido.

Patrick Swayze (1952-2009)

El cuerpo de Patrick Swayze dijo basta y falleció del cáncer que padecía en el día de ayer.

Patrick Swayze siempre fue demasiado guapo para caer bien a los tíos y hacer los papeles de duro que hubiera debido interpretar que se llevaron compañeros de generación con menos talento del que ocultaba este coreógrafo, bailarín y actor tras su imagen de “novio perfecto” que tanto gustaba a las chicas.

Tengo que reconocer que desde le conocí de peque en su interpretación de niño bien surista y cojito en la miniserie de televisión “Norte y Sur” no me cayó demasiado bien, probablemente debido a que el personaje que interpretaba era irritante como él solo frente al santurrón James Read. Con el tiempo la cosa no mejoró por el empeño de Swayze de interpretar melodramas romanticones como “Ghost” o “Dirty Dancing”, en los que sin ser títulos de mi devoción el tipo demostraba que sabía interpretar y que de bailar andaba sobrado, convirtiéndose en el ídolo que adornaba las carpetas de todas las niñas del BUP junto a los Duran Duran.

Debió ser por aquella época cuando debí reparar yo en que el blandito de Swayze había intervenido en papelitos en la fantástica “Rebeldes” de Coppola y la entretenida “Más allá del valor”, con lo que mi respeto hacia él aumentó considerablemente. Sin embargo, a pesar de las buenas perspectivas que había tomado su carrera con las mencionadas “Ghost” y “Dirty Dancing”, le perdí la pista al amigo Swayze (luego me enteré que se dio a la mala vida en lugar de hacerse cienciólogo. Un punto para el señor Swayze) hasta que volvió a dar señales de vida n una película tan divertida como “A wong foo: Gracias por todo Julie Newman” en la que tenía cierta gracia como dragqueen y la olvidable “Black Dog” en la que certificaba que lo de ser un héroe de acción no era lo suyo.

Y ya está. Se va un actor que si hubiera elegido un poco mejor sus películas hubiera sido una megaestrella comparable con el excéntrico Tom Cruise, pero que por esas cosas de la vida, por su mala cabeza o por elegir un mal agente tuvo una carrera llena de altibajos. Con todo y, vista en perspectiva su carrera, Swayze fue un actor honrado y versátil que no empeoró ninguna de las cintas en las que participó, lo que, visto lo visto, no es poco. Y, en el fondo, tengo que reconocer que ya me hubiera gustado bailar como él ante las chicas de BUP, cojones.

D.E.P.

“District 9” de Neil Blomkamp.

Quién más quien menos ya habrá oído o leído sobre esta película y, si no la ha visto, andará con la mosca detrás de la oreja preguntándose si será para tanto. En opinión de este humilde lector, no, porque en Ciencia Ficción está –casi- todo inventado y no hay –casi- nada que sorprenda al aficionado sagaz. Sin embargo, es tal el abuso que se ha hecho de las franquicias y los estereotipos efectistas que cuando se nos presenta una historia con contenido y que va un poco más allá de lo que estamos acostumbrados tendemos a ensalzar sus méritos más allá de lo justificable. “District 9” los tiene, sin duda, y es una película superior a la media del género de la que seguirá hablando durante años entre los aficionados -de culto, las llaman- pero también tiene inconsistencias que su director –y esto también es un mérito- ha sabido hábilmente disimular. Les cuento.

En un futuro cercano, una civilización extraterrestre de aspecto insectoide ha llegado a nuestro planeta y mantiene su inmensa nave averiada aparcada sobre la ciudad de Johannesburgo. Los extraterrestres son tecnológicamente superiores a los humanos, especialmente en el diseño armamentístico, pero sus armas no pueden ser usadas por los humanos ya que interactúan únicamente con el ADN alienígena por lo que los extraterrestres no sirven para nada a los humanos y se convierten pronto en un estorbo por lo que los confinan en un guetto, el distrito 9, vigilado por una corporación privada. Sin embargo, a lo largo de veinte años, la población de extraterrestres va en aumento con lo que es necesario realojarlos en un nuevo emplazamiento más alejado si cabe de la ciudad. El encargado del desalojo del Distrito 9 es Wikus Van der Merwe, el típico chupatintas buenazo pero atontolinado que tiene la oportunidad de promocionar en su carrera con la operación. Sin embargo, la cosa se tuerce cuando Wikus entra en contacto con una sustancia alienígena que empieza a provocarle extrañas mutaciones que le convierten en una pieza de incalculable valor para sus superiores. ¿Serán realojados los alienígenas en su nuevo guetto?¿Wikus promocionará en su carrera?¿Se moverá la nave extraterrestre de Johannesburgo tras veinte años? Tendrán que ver la película para averiguarlo.

Neil Blomkamp, quien ya destacara en el terreno de la publicidad con el anuncio del C4 bailón, no consiguió la financiación de las grandes productoras para realizar la película y sólo gracias al padrinazgo de Peter Jackson ha conseguido esta llegar a las pantallas.

Blomkamp nos ofrece, en su primer largo, una película notable, que logra enganchar al espectador, aunque no sea necesariamente aficionado al género de la ciencia ficción, gracias a la técnica del falso documental empleada, que dota a la historia de un realismo sucio poca veces alcanzado en el género, alejado de la grandilocuencia vacía de las grandes producciones. Blomkamp a partir de un guión inteligente y con el suficiente trasfondo como para posibilitar la reflexión posterior sobre la historia -algo imprescindible en la buena ciencia ficción y que por desgracia cada vez es más difícil de encontrar, sobre todo en el cine- construye una película que engancha al espectador desde el primer momento y que mantiene el interés gracias a la habilidad del director y del protagonista para mantener el ritmo de la historia durante casi dos horas sin que decaiga en ningún momento y sin embarullar la trama con la acción, algo que suele ocurrir en demasía con los falsos documentales y en las grandes superproducciones.

Tras unos primeros veinte minutos fantásticos en que a través de una serie de entrevistas a anónimos personajes se pone al espectador en situación sobre lo ocurrido en la Tierra desde la aparición de los extraterrestres, Blomkamp entra en el meollo del asunto centrando la historia en la figura del oscuro protagonista, un Wikus Van der Merwe, soberbiamente interpretado por el desconocido Sharlto Copley, el actor al que se le puede otorgar buena parte del mérito de la historia, al lograr con su interpretación de ciudadano medio metido en un embolado que no puede controlar empatizar con los espectadores que no podrán dejar de identificarse con este antihéroe superado y alejado del estereotipo del protagonista de ciencia ficción impuesto en los últimos tiempos. Un protagonista al que vemos evolucionar –en más de un sentido- de un modo coherente a lo largo de una cinta que va transformándose sútilmente del falso reportaje en una frenética película de acción sin tregua para el espectador que no lo percibe hábilmente dirígido por Blomkamp hacia el conmovedor, predecible y abierto final.

Blomkamp demuestra su talento como coreógrafo de acción manejando unos efectos especiales muy efectivos y logrando hacer muy creíble el extenuante último tercio de película a pesar que, en ocasiones, se note la escasez de medios de la que ha dispuesto en comparación con otros.

En definitiva, “Ditrict 9” entronca directamente con la maravillosa "serie B" de la década de los años cincuenta de la ciencia ficción americana y demuestra que se puede seguir haciendo buena ciencia ficción con poco dinero y mucha inteligencia (o al menos, menos dinero del que se suele usar en los proyectos de las grandes productoras) y se convierte en una esperanza para todos aquellos que tengan buenas ideas y ganas para llevarlas a cabo. En definitiva, más o menos, de lo que se ha tratado siempre.

Trailer de “Solomon Kane” de Stephen Besset

Les dejo el trailer de la adaptación cinematográfica de “Solomon Kane”, el puritano espadachín creado por Robert E. Howard al que muchos conocimos gracias a su adaptación al cómic por Roy Thomas como complemento de “La espada salvaje”.

La película parece que será entretenida aunque me da la sensación que no se respeta demasiado la esencia del personaje howardiano. Por suerte, nos libramos de Christopher Lambert como Solomon Kane (quién sonó en tiempos para un proyecto anterior que no cuajó), quién será interpretado por el televisivo James Purefoy , destacando en el reparto, además, la presencia de Max Von Sydow, interpretando al padre de Kane, para darle enjundia a la cosa.

Paul Gulacy y los fans

Enrevistador: ¿Cuándo comenzaron a interesarte los cómics?

Gulacy: Todo vino porque mi madre trabajaba en una tienda. Mi padre y yo íbamos a recogerla después del trabajo, y yo me entretenía en la sección de las revistas, revolviendo todos los cómics. El único que atraje realmente mi atención por aquel entonces fue el "Sgto. Rock", de Joe Kubert. Pensé que tenían una magia especial. Como no podía obtener todos los números en la tienda, decidí suscribirme. Así es como conseguí muchos de mis cómics. Del "Sgto. Rock" pasé a "Enemy Ace" ("El Barón Rojo"), un personaje que me entusiasmaba de verdad, porque yo estaba muy interesado por la aviación de la I Guerra Mundial. En aquella época, a mediados de los sesenta, se estrenaron las película de James Bond, y yo me quedé fascinado con ellas, y fue entonces cuando em abalancé sobre el "S.H.I.E.L.D." de Jim Steranko. Me dije: así es como todos los cómics deberían ser. Me puse a buscar como loco todas las cosas que había hecho Steranko, tal era el impacto que había tenido en mí.

Después, cuando ya estaba finalizando mis estudios en el instituto, los cómics en los que realmente me fijaba eran los pequeños monigotes que y dibujaba. Empezaba a tener la sensación de que esto podía ser algo que podría querer hacer

Entrevistador: Llegaste a conseguir una gran popularidad cuando dibujabas cómics. Entonces los dejaste. ¿No echaste de menos la adulación de los fans cuando ésta se terminó?

Gulacy: Bueno, en realidad no terminó. Fue entonces cuando el más extraño de los fans irrumpió en mi vida. La cosa fue así: llama a mi puerta, y mi madre le abre. El chico pregunta: "¿Es esta la casa de Paul Gulacy? ¡Oh, tío! Esto es demasiado. El gran "G" vive aquí. ¿Está en casa?" Mi madre sube a mi estudio, y me dice: "Hay alguien que quiere verte". Yo voy a la puerta, y ahí está el chico. Y detrás suyo hay un tipo revolcándose en nuestro césped. Le pregunto al chico: "¿Qué hace ese tipo revolcándose en la hierba?". Él me contesta: "Oh, lleva en la carretera tanto tiempo que echa de menos el olor y la textura de la hierba". Yo le digo: "¡Dile a tu amigo que se quite de ahí!". Él me dice: "Oh, no. ¡H-he venido haciendo autostop con él!". Le pregunté qué era lo que quería. Me dijo que había venido haciendo autostop desde Wisconsin para verme, y que era un gran fan de "Master of Kung Fu". Le invité y tuvimos una amigable charla. Tiempo después, cuando me trasladé a Nueva York, me visitó con muestras de sus dibujos. Yo le preparé una entrevista con Archie Goodwin y Jim Shooter. Ambos lo rechazaron, pero él tenía una determinación tremenda, así que le animé a que perseverara. Actualmente dibuja un cómic para una compañía independiente.

Entrevistador: ¿Y qué cómic es...?
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Gulacy: "Nexus".

Entrevistador :¡¡¿El chico era Steve Rude?!!

Gulacy: Sí. Ahora, "The Dude" se las arregla bien por sí mismo.

(Extracto de una completísima entrevista a mi admirado Paul Gulacy publicada originalmente en la edición de “Slash Maraud” editada por Ediciones Zinco en 1990 y que en el indispensable Pienso en Cómics han subido a la Red. Pueden leerla completa aquí y aquí).