Sobre el coleccionable de El Guerrero del Antifaz.

Tras el fiasco que ha supuesto comprobar la baja calidad del coleccionable de la Colección Dumbo, me he acercado con toda la cautela a la otra gran apuesta por el cómic de los coleccionables por entregas de la temporada, la esperada reedición de “El Guerrero del Antifaz”, de Manuel Gago, uno de los tebeos más importantes de la posguerra y que los progres convirtieron sin demasiado fundamento como paradigma de tebeo casposo sin fijarse en sus muchas cualidades ni contextualizar la obra en la época en que apareció originalmente ni su temática.

Antes de saber yo lo políticamente incorrecto que eran las aventuras del hijo del conde de la Roca en los tiempos de los Reyes Católicos, ya me las había tragado enteritas gracias a un préstamo de mis primos de la colección coloreada y remontada que ellos heredaron a su vez de un tío (sí, cuando yo era pequeño estas cosas eran habituales) y había disfrutado como el enano de sus peripecias peleando contra su pérfido padrastro Alí Kan, por lo que esos prejuicios infundados por un oído me entraron y por el otro me salieron.

Sin embargo, hasta ahora, no había podido disfrutar de ninguna edición en condiciones de la obra ya que las dos que he manejado - de color, la de mis primos, y la apaisada en blanco y negro de lomos azules- tenían considerables defectos de edición por lo que esperaba con interés la nueva edición facsimilar, que parece tendrá 69 entregas (según el dibujo del folleto) y un nuevo coloreado más fiel al original de los años cuarenta.

Leída la primera entrega y leídas aquí y aquí los análisis de expertos resulta evidente que Planeta ha tomado buena nota de los errores cometidos en sus anteriores ediciones “populares” – la casica del “Príncipe Valiente” y la más reciente de “Roberto Alcázar y Pedrin”- de cómics clásicos y esta vez sí parece dar en el clavo con una edición que más allá de la nostalgia puede resultar atractiva para los coleccionistas. El formato es evocador en la tapa de la edición de lomos azules de “Homenaje a Manuel Gago” y el contenido del primer tomo reúne los siete primeros cuadernillos originales. La elección del papel, el nuevo coloreado y rotulado resulta realmente acertado, recuperando el sentido de la obra original aunque más importante si cabe es la recuperación de viñetas enteras que fueron redibujadas y censuradas para suavizarlas en ediciones posteriores así como los textos originales del autor.

 

Dicho esto, ¿resiste una lectura actual un clásico como “El Guerrero del Antifaz”? Pues, en mi caso, sí. Y en esta primera entrega he disfrutado con nuevos ojos de la habilidad de Gago para construir la historia y dotarla de una complejidad que va más allá del “muere, perro” que a algunos les gustaría hacernos creer. Gago cuida especialmente el sentido del ritmo y sabe ensalzar las virtudes de un estilo de dibujo elegante y fluido que parece tener en autores de la talla de Hal Foster y Alex Raymond sus principales referentes, así como ocultar sus deficiencias para ponerse en todo momento al servicio de la historia y los personajes.

En definitiva, que la edición está realmente bien aunque no llegue en un buen momento ya que los 7,99 euros de cada ejemplar puede que frene a posibles compradores potenciales. Lo que está claro que si hay que elegir entre una colección u otra, esta es mucho más recomendable. Que cada cuál haga sus números y saque sus conclusiones.

“Batman: El Caballero Oscuro: Enemigos Mortales”, de VVAA.

ECC edita en un único prestigio los dos recopilatorios aparecidos bajo el título de “Joker’s Asylum” aparecidos durante los años 2008 y 2010 en Estados Unidos. Se trata de un apaño editorial ideado en DC para, en meses de cinco semanas, aprovisionar a los aficionados más hard de material novedoso fuera de las publicaciones programadas en las colecciones regulares. En principio, por tanto, es un material accesorio pero que, dada la calidad, de algunos de los guionistas y –sobre todo- dibujantes que firman los distintos episodios puede resultar interesante para los más completistas.

Se trata de episodios autoconclusivos protagonizados por algunos de los más carismáticos villanos de Batman – Joker, Dos Caras, Pingüino, Poison Ivy, Sombrerero Loco, Killer Croc, Harley Quinn, Clayface, El Acertijo y El Espantapájaros- en las que el héroe ocupa un papel marginal (en varias ni aparece) y que cuentan como nota característica que el narrador y presentador de la historia es el Joker.

Más allá de la curiosidad que supone el homenajear a los clásicos del terror de las editoriales EC y Warren, que popularizaron en sus publicaciones el incorporar la figura icónica de un narrador interpuesto – el tío Creepy, la Bruja, etc…- para introducir las historias cortas que aparecían en las revistas otorgando ese papel al Joker, estas historias no guardan ninguna hilazón entre sí y su principal aliciente es disfrutar de la calidad de sus autores, algunos con escaso bagaje en el momento de su publicación y que actualmente se han consolidado en el mainstream como los guionistas Jason Aaron y David Hine o el dibujante mallorquín Guillem March junto a veteranos contrastados como Sienki, Keith Giffen o Kelley Jones. Lo cierto es que más allá de quién las realice no hay ninguna historia que desentone y todas están resueltas con oficio haciendo hincapié en las notas características de cada uno de los personajes.

Imagino que cada lector tendrá sus favoritas, pero para mi gusto destacan sobre el resto dos. El sobrio y acertado repaso del perfil psicológico del Pingüino que Jason Aaron y Jason Pearson realizan y, sobre todo, la historia que Keith Giffen y Bill Sienkiewicz se montan al alimón a partir de un guión de Landry Quinn Walker en el que reflejan magistralmente la locura y terror del que es capaz un villano tan ridículo como el Sombrerero Loco.

En definitiva, “Enemigos Mortales” es una lectura amena para aficionados al Hombre Murciélago en la que vuelve a confirmarse que un superhéroe es tan bueno como lo son los villanos a los que se enfrenta. Si os apetece,  me contáis en los comentarios cuál es el episodio que más os ha gustado y por qué.

¿Un Príncipe de Asturias para Ibáñez?

Me enteré de esta iniciativa de Lucia Echevarria hace ya unos días pero hasta ayer no leí el atinado artículoque la inspira.

A lo mejor es que yo no me he enterado pero me sorprende el poco –o ningún- eco que ha tenido en lo que queda de la  blogosfera comiqueril y alrededores en comparación, por ejemplo, respecto al cerrado apoyo que tuvo la candidatura de Carlos Giménez hace unos años.

Me consta que Ibáñez es una  figura poco querida por una parte del mundillo comíquero. Si tienen razones validas o simplemente son envidas, ellos sabrán. Sin embargo, hay están sus creaciones, icónicas donde las haya en España,  que siguen gozando de una salud de hierro si se comprueban las ventas de los nuevos álbumes de “Mortadelo y Filemón”.

Más allá que exista ya un Premio Nacional del Cómic, Lucia Echevarria y Francisco Ibáñez  pueden contar con mi apoyo para ese Premio  porque “Mortadelo y Filemón” también son alta cultura. ¿O no?

“El poder de las tinieblas”, de John Connolly.

Ya comenté por aquí que me había gustado “Todo lo que muere”, la primera de las novelas  protagonizadas por el atormentado detective Charlie Parker y escritas por el  irlandés John Connolly, así que, tras un tiempo prudencial para airearme con otras lecturas, he retomado la serie con “El poder de las tinieblas”, la segunda entrega de la serie.

Uno año después de los hechos narrados en la primera entrega, nos encontramos con un Charlie Parker que intenta rehacer su vida volviendo a la casa de su juventud en los bosques de Maine. Sin embargo, Parker no encontrará la paz que ansía y se verá envuelto en nuevos peligros cuando una transacción entre mafiosos sale mal y el suicidio de una aterrorizad anciana se conectan para enfrentarle a antiguos asesinos escondidos en los profundos bosques de Maine y en su pasado.

 

“El poder de las tinieblas” es una novela absorbente, que no desmerece todo lo positivo ofrecido en la primera entrega. Connolly ofrece una evolución lógica a los principales personajes que orbitan en torno al atormentado Charlie Parker y desarrolla con éxito una trama compleja y absorbente en la que, de nuevo, los sanguinarios serial killers y los ambiciosos mafiosos se convierten en sus principales antagonistas.

 

La trama detectivesca está resuelta con oficio, aplicando una fórmula en la que Connolly incorpora a la base de la trama de intriga dosis de terror psicológico y elementos sobrenaturales que ponen en tela de juicio la cordura del protagonista. Es precisamente esos momentos que podríamos llamar oníricos los que suponen el mayor lastre de una historia, por otro lado, de nuevo bien documentada y en la que el autor  recrea para nosotros el profundo Maine con un dominio apabullante que a veces durante la lectura  me ha hecho preguntarme si a Connolly no  habrá usado de negro al mismísimo Stephen King.

Tras acabar “El poder de las tinieblas” me queda la duda sobre hasta cuándo Connolly será capaz de aplicar la fórmula de éxito que ha encontrado sin acusar desgaste. Según parece, la cosa debe seguir funcionándole bastante bien porque la serie ya va por la duodécima entrega. Si acaso cuando pruebe con la tercera ya os cuento si me sigue convenciendo.

“Green Manor”, de Fabien Vehlmann y Denis Bodart.

Otro de esos tebeos intersantes que se publican al otro lado de los Pirineos y que cuando aparecen aquí  parecen pasar con más pena que gloria ha sido “Green Manor”, publicado por Dibbuks hace unos meses en una bonita edición a la que el único pero que podría ponérsele es su reducido tamaño de reproducción que asemejaba las formas de un libro antiguo en el que se recopilan los tres álbumes que originalmente componían la serie de Fabien Vehlmann y Denis Bodart.

En el Londres victoriano, un alienista acude a un manicomio para entrevistarse con un antiguo mayordomo del exclusivo club Green Manor. El criado ha enloquecido como consecuencia de los años pasados trabajando en el club, donde fue testigo mudo de las historias de asesinatos y estafas que sus miembros compartían en las tertulias de sus salones y que relatará a su médico.

A partir de esta entradilla, Vehlmann desarrollará dieciséis historias de una extensión aproximada de siete páginas inicialmente publicadas en la revista “Spirou” en las que homenajea e autores de la talla de Conan Doyle, London, Poe o Leroux y evoca los inicios del género de intriga y el pastiche decimonónico. Vehlman, uno de los guionistas jóvenes –bueno, ya no tanto- más talentosos de la BD comercial desarrolla con eficacia intrigantes y entretenidas tramas, alguna de las cuáles podrían incluso haber merecido una mayor extensión, cuya única coincidencia es su inicio en los salones de Green Manor sin guardar ninguna otra conexión entre sí.

En el aspecto gráfico, el dibujante belga Denis Bodart realiza un maravilloso trabajo a la hora de reflejar con todo detalle las distintas localizaciones en las que se desarrollan estas historias con un estilo evolucionado a partir de las premisas de la Escuela de Marcinelle (Franquin, Le Gall, Conrad…) que desarrolla con eficacia y dinamismo

En fin, “Green Manor” es uno de esos hermosos y honrados trabajos de género que no mercería caer en el olvido. Que tome nota al que interese.

“El Fantasma de Hoppers”, de Jaime Hernández.

La verdad es que cada vez me sorprende más lo del paso del tiempo. Y ya no es que necesite días de 28 horas para conciliar trabajo, vida personal y aficiones, sino que, además, para cuando quiero darme cuenta una lectura que creía pendiente desde hace solo un par de meses la tengo aparcada desde hace ocho. Esto me ha pasado con el último recopilatorio publicado por La Cúpula de las “Locas” de Jaime Hernández, “El Fantasma de Hoppers”, que pensaba que llevaba menos tiempo entre los pendientes y ya llevaba acumulando polvo desde finales del año pasado.

A Jaime Hernández y sus creaciones no le debe pasar lo mismo que a mí, ya que a pesar de los obstáculos que pone La Cúpula para leer con continuidad lo que se supone que es una novela-río – el material de este tomo publicado originalmente en el primer lustro del 2000 y se situaría entre “Penny Century” y “La Educación de Hopey Glass” ya publicados en España y que dejaría solo pendiente de publicación el material de el segundo volumen de “Love and Rockets”- construida por multitud de personajes interrelacionados vertebrados a través de tres principales- Hopey, Maggie y Penny- solo falta sumergirse en sus primeras páginas para reintegrarnos en ese hermoso universo paralelo que el tiempo no desgasta y la calidad de sus historias se mantiene inalterable año a año y década a década.

Esta ¿nueva? entrega se centra en uno de los personajes principales de la serie, la rellenita Maggie Chascarrillo, que intenta rehacer su vida como gerente de unos apartamentos habitados por particulares inquilinos, alejada de Hoppers, la barriada de emigrantes en la que se crió y de su añorada Hopey con la que sigue manteniendo una inclasificable relación sentimental. Maggie iniciará una amistad con Vivian, una voluptuosa azafata de televisión, que la traerá más de un problema y la enfrentará directamente con los fantasmas de su pasado.

 

Como digo, “El fantasma de Hoppers” quizás no sea el mejor tomo para iniciarse en el particular universo de ficción ideado por Jaime Hernández pero es un tomo tan bueno como cualquier otro para apreciar la calidad de uno de los mejores narradores gráficos en activo. Jaime, bajo la aparente sencillez de su trazo y sus planos medios, amalgama con maestría una compleja historia en la que coquetea con distintos géneros –del slice of life al thriller psicológico o el enredo- y que se mantiene gracias a la profundidad y coherencia de unos personajes soberbios que se convierten en tan cercanos y lúcidos para el lector que este olvida constantemente las contradicciones del fantasioso imaginario al que pertenecen, síntesis fluida entre el arrabal mexicano y la cultura pop norteamericana en una construcción tan genuina, inimitable y personal que rechinaría imitada por cualquier otro.

“El Fantasma de Hoppers” es una pieza más del original rompecabezas que es la serie de Jaime Hernández en la que nos revela una pizca más de su inigualable talento para las viñetas y la ecléctica personalidad que se esconde tras las misteriosas miradas con las que nos retan sus mujeres. Que nos dure muchos años.

“Polina”, de Bastien Vivès.

Uno de los tebeos más fascinantes de los últimos tiempos ha sido “Polina”, publicado en España por Diábolo Ediciones y que confirmó si todavía alguien lo dudaba el descomunal talento de su autor el francés Bastien Vivès.

La historia se define en su título. Se trata de la biografía de una bailarina de ballet clásico, Polina, desde su ingreso en su niñez en una reputada academia dirigida por un exigente profesor, su progresión hasta convertirse en una reputada bailarina aunque para ello tenga que abandonar su país y alejarse de la sombra de su tutor para, pasados los años, reencontrarse con él.

“Polina” es un tebeo sutil y contenido que muchos se pasan una carrera intentando contar y no lo logran por eso resulta tan llamativo que un autor tan joven como Vivès haya sido capaz de llevarlo a buen fin. Vivès sorprende no solo ya por acercar a un medio que en muchos casos abusa del efectismo y la espectacularidad como es el Cómic un mundo tan alejado y ajeno como el de la danza clásica para localizar una historia que es tan vieja como la vida y que marca buena parte de la obra del francés y que en este mundo acelerado en el que vivimos tendemos a olvidar, la del crecimiento y el paso de la infancia a la madurez a través del aprendizaje y la superación de los maestros.

Pero “Polina” no es una obra que sorprenda tan solo por la profundidad del tema propuesto ni su localización en el sacrificado mundo de la danza sino por la sobriedad y mesura con que Vivès narra la historia y construye los personajes optando siempre por la opción más directa y simple sin perderse en detalles superfluos que puedan distraer al lector para centrarse no solo en lo que narra a partir de sus dibujos sino lo que espera trascienda más allá de la historia. Esa economía se refleja incluso en la limitación del diálogo entre los personajes al máximo para centrarse en la comunicación no verbal de sus silencios,  gestos y  miradas, detalles y momentos que un observador minucioso como es el francés captura para desarrollar una historia con una técnica que recuerda a pintores impresionistas como Degas. Quizás la única licencia que Vivès se permite es el homenaje a Audrey Hepburn en el parecido de la protagonista.

Ese gusto por la contención y el minimalismo narrativo, Vivès ya lo había mostrado en obras como “El gusto del cloro” o “Amistad Estrecha” pero, sin embargo, en “Polina” va un paso más allá optando incluso por renunciar al uso del color por un bitono que se convierte en un instrumento eficaz  para reforzar aún más la contención de la historia. Una contención y un ritmo pausado que hace que la historia fluya sin que el lector perciba el paso del tiempo salvo mínimamente en los cambios físicos y las reacciones de Polina pero que Vivès devuelve en toda su crudeza a los lectores en el momento más climático de la historia, el reencuentro entre alumna y profesor. Es en ese estudiado momento, además, en el que Vivès se permite introducir magistralmente una de las preocupaciones que marcan su obra y que ya veíamos presente en otra obra sobre como “Hollywood Jan” la de hacer confluir la subjetividad de la mirada del protagonista y su mundo interior con las convenciones del mundo externo.

“Polina” es el trabajo más ambicioso y logrado de Vivès, una rara perla de sensibilidad e inteligencia dentro de un medio al que en ocasiones le falta sutileza y que esta obra ayudará a crecer. “Polina” es una obra atemporal llamada a convertirse en un clásico.

“Siempre Vengadores: La guerra del destino”, de Kurt Busiek, Carlos Pacheco y Jesús Merino.

Otro de los tebeos noventeros marvelitas repasados estas vacaciones gracias a su reedición en la Colección Extra Superheroes de Panini, ha sido “Siempre Vengadores: La Guerra del destino”, obra de Kurt Busiek y Carlos Pacheco. Si “Tierra X” ya dije que se me hizo durito, “Siempre Vengadores” me lo ventilé en un suspiro y me dejó con una sonrisa en la cara que me duró una semana. ¿Por qué dos tebeos publicados más o menos en la misma época y que comparten algunas premisas argumentales parecidas pueden causar dos reacciones tan antagónicas? Fácil, el matiz principal para mí está en el tratamiento. Donde “Tierra X” es un tebeo pesimista, hueco y pretencioso que pretende señalar el ocaso de los superhéroes remarcando sus inseguridades y cuyo éxito estriba, en mi opinión, en que su publicación está próxima a uno de los momentos más precarios en la historia del género, “Siempre Vengadores: La guerra del destino” es una reivindicación optimista y sin complejos de los tebeos de superhéroes de la Silver Age que mantiene la esencia de lo que siempre fueron “Los Vengadores” y nunca deberían dejar de ser.

 

Cuando el villano Inmortus intenta asesinar a Rick Jones, poseedor de una misteriosa energía que le está matando pero podría convertirle en el ser más poderoso del Universo, este convoca a través del tiempo y el espacio un variopinto grupo de Vengadores tomados de distintos momentos de la historia del grupo para que luchen a su lado. En la Odisea vengadora que se desarrolla a lo largo de todo el torrente temporal, los Vengadores irán descubriendo que de los complejos planes de Inmortus pende el destino de la especie humana y en su enfrentamiento encontrarán aliados tan poco fiables como la Inteligencia Suprema kree, Libra o Kang, el Conquistador, una versión joven y salvaje del propio Inmortus.

Como casi todos los tebeos de superhéroes, “Siempre Vengadores” es una historia que constantemente oscila por irse por el sumidero del absurdo y, sin embargo, una y otra vez se salva con una nueva y más arriesgada huida hacia delante, gracias al profundo conocimiento que Kurt Busiek demuestra de los personajes que maneja, de sus historias individuales o como miembros de “Los Vengadores” y de la evolución de sus respectivas personalidades, pero sobre todo, de los recursos, los ritmos y los modos aprendidos en la construcción de las historias de los guionistas que a lo largo de las décadas anteriores hicieron grande al grupo de los héroes más poderosos de la Tierra que reinterpreta con un dominio y maestría propios del que quizás sea el último gran maestro de este modo de entender el cómic de superheroes.

En ese sentido se puede considerar la historia el summum de su aprendizaje a lo largo de años y años de lecturas continuadas durante la Edad Dorada de los cómics Mavel, pero Busiek –y Pacheco que también parece tuvo su aquél en la elaboración de la historia- no se limita a gestionar con oficio una mera trama melancólica y evocadora a base de flashbacks de los viejos buenos tiempos sino que optó por crear algo nuevo y original a partir de los elementos que estaban plantados esperando que alguien los reinterpretara, regalando a los resabiados, desengañados y hastiados marvelitas de los finales de los noventa una nueva porción viva y vibrante de esos buenos y viejos tiempos añorados mediante una historia que a la que no podían ponerle ninguna objeción y que directamente conectaba con el espíritu de las que los Lee y Kirby, los Buscema y Thomas, ofrecieron mes a mes durante años y sobre las que se forjó todo lo que habría por llegar posteriormente.

A pesar de sus innegables cualidades, “Siempre Vengadores” no es un tebeo a recomendar al chaval que quiere probar con eso de los cómics tras ver la película de Whedom. Es una historia compleja y referencial que se aprecia en su justa medida cuanto mayor es el bagaje de lecturas previas sobre los personajes que la protagonizan y las historias a las que incluye guiños y referencias se tienen, por lo que a un lector novel quizás puede llegar a apabullar con sus paradojas y piruetas, dotada de una lógica interna –o una ausencia de la misma- solo entendible por aquellos que han mamado muchos tebeos previos. “Siempre Vengadores”, como los buenos vinos, ha de catarse tras haber educado el gusto con otros muchos cómics previos.

En el aspecto gráfico, Carlos Pachecho, bellamente entintado por Jesús Merino, realiza uno de sus mejores trabajos dotando a la enorme historia de Busiek de toda la espectacularidad y grandeza que precisaba y, no contento con ello, potenciándola al máximo gracias a sus documentadas versiones de los personajes clásicos sino a los coherentes rediseños que introduce y que resultan lógicos y asumibles para los lectores veteranos. Pero, además, Pacheco hace suya la trama para narrar con lógica, claridad y pulcritud la compleja historia repleta de saltos temporales y multitud de personajes ideada junto a Busiek con el que forma uno de los mejores equipos que ha dado la industría.

En definitiva, “Siempre Vengadores” es por derecho propio una de las mejores historias de “Los Vengadores” de todos los tiempos aun cuando originalmente se publicase fuera de la serie regular como maxiserie de doce números. Un tebeo que para mí supone el canto del cisne de un modo épico, grandioso y espectacular de entender el género de superhéroes que no ha encontrado dentro de Marvel continuidad. Y es que, aunque sea un tópico,  ya no se hacen tebeos así y así nos va.

“Embryo 2” ya disponible.

El más completo e-zine centrado en la figura de Alan Moore alcanza su segundo número con interesantes contenidos. Os lo podéis descargar desde aquí gratuitamente que merece la pena.

Los nominados de los Premios de la Critica 2012

Buff…Como me alegro de no tener que elegir porque viendo la calidad de las obras y los autores seleccionados en esta edición de los premios organizados por Dolmen, la cosa está realmente difícil.  Felicidades a todos los nominados.

MEJOR DIBUJANTE EXTRANJERO

Edmond Baudoin por El vendedor de estropajos

Gary Frank por Superman

R. M. Guera por Scalped

Jaime Hernandez por El fantasma de Hoppers

Bastian Vivès por Polina

MEJOR DIBUJANTE NACIONAL

Paco Roca por Memorias de un hombre en pijama

Enrique Corominas por Dorian Gray

José Domingo por Aventuras de un oficinista japonés

Bartolomé Seguí por Historias de barrio

Sergio Bleda por Dolls Killer

MEJOR GUIONISTA EXTRANJERO

Jason Aaron por Scalped

Jeff Lemire por Animal Man

Jaime Hernandez por El fantasma de Hoppers

Bastian Vivès por Polina

Chester Brown por Pagando por ello

MEJOR GUIONISTA NACIONAL

Paco Roca por Memorias de un hombre en pijama

Gabi Beltrán por Historias de barrio

Eduardo González por Dentro de la noche

Juan Díaz Canales por Fraternity

Cristina Durán y M. A. Giner por La máquina de Efrén

MEJOR OBRA INTERNACIONAL

Polina

Scalped

Arzak, el vigilante

Pagando por ello

El fantasma de Hoppers

MEJOR OBRA NACIONAL

Memorias de un hombre en pijama

Historias de barrio

La protectora

Aventuras de un oficinista japonés

La máquina de efrén

MEJOR OBRA TEÓRICA

Antes de la novela gráfica de José Manuel Trabado

El gran Vázquez de J. J. Vargas y otros

El Antifaz del Guerrero por Mariano Bayona y Diego Matos

Enciclopedia de Mazinger Z por J. Aurelio Sanz

1001 cómics que hay que leer antes de morir de Paul Gravett y otros

Del tebeo al manga 9 de Toni Guiral y otros

TODA UNA CARRERA AUTOR EXTRANJERO

Richard Corben

Milo Manara

Hermann

Alan Moore

Jiro Taniguchi

TODA UNA CARRERA AUTOR NACIONAL

Rubén Pellejero

Jan

José María Beá

Miguel Calatayud

“Tierra X”, de Alex Ross, Jim Krueger y John Paul Leon.

Entre los tebeos que me he repasado estas vacaciones se encontraba la recopilación que Panini publicó en su colección Extra Superhéroes hace unos meses de esta “Tierra X”, maxiserie de catorce números –curiosamente numerada del cero al trece- ideada por el afamado dibujante/pintor/ilustrador Alex Ross pero dibujada por John Paul Leon y guionizada por Jim Krueger. El volumen de Panini incluye además un número complementario “Earth X, ½” insertado en medio de la maxiserie para respetar su cronología.

La historia es una distopía fatalista sobre el destino final de los superhéroes Marvel en una Tierra esquilmada desde el momento en que toda la población del planeta adquirió poderes. A través de los ojos del Hombre Máquina que está siendo formado por un mermado Uatu para convertirse en el nuevo Vigilante, se presenta el destino de una Humanidad predestinada a un fin celestial desde sus orígenes al tiempo que vemos como los superhéroes que quedan afrontan su papel en un mundo que parece no necesitarlos.

Entiendo los méritos que pueden encontrarle a algunos a haber montado esta historia por parte de Ross y Krueger, que para su construcción se han dado un buen repaso a toda la mitología marvelita, pero su visión oscura, negativa y pesimista del panteon Marvel me repele. Al parecer la cosa nació a raíz de unas decadentes versiones de encargo que realizó Ross de distintos superhéroes y a partir de ahí, junto a Krueger, desarrolló una idea que parece en parte inspirada en “La Torre Oscura” de Stephen King y contó con el OK de una confusa Marvel que a finales de los noventa todavía no había encontrado el Norte tras los desastres de los “Heroes Reborn”.

Krueger insufla al tebeo una épica cósmica oscura y densa potenciada por el dibujo y la narrativa oscura y densa de un John Paul Leon, que ya he comentado en alguna ocasión que no es santo de mi devoción y menos para el género de superhéroes pero cuyo estilo se ajusta como un guante al enfoque ideado por Ross y Krueger. Mas allá de los soporíferos diálogos que se cascan Uatu y el Hombre Máquina (terribles los textos complementarios que cierran cada capítulo), hay algunas ideas curiosas – la inclusión de los asgardianos y lo del Doctor Extraño - y la cosa podría ponerse más interesante en la parte de la trama en que el Capi reúne fuerzas para enfrentarse al nuevo Cráneo, pero Leon deja patente su incapacidad para reflejar con claridad las escenas con múltiples personajes e insuflar emoción a las –escasas- secuencias de acción que incluye la historia bastante mal resueltas.

 Además, la confusión del tebeo crece conforme la historia avanza porque la capacidad para hilvanar la compleja historia y todo lo que quieren incorporar es menor que el talento narrativo de sus autores y, además, concluye con una de las idas de olla más grandes que se ha visto en esto de los superhéroes.  Lo mejor en el aspecto gráfico de la serie son las portadas de Alex Ross.

En fin, “Tierra X” es un batiburrillo de buenas ideas torpemente plasmadas. Quizás con un planteamiento menos ambicioso – o si Ross le hubiera pedido ayuda a Jim Starlin, a Rafa Marín o a Kurt Busiek en lugar de a Leon y a Krueger - la historia habría dado mucho más de sí, pero el Universo Marvel que a mí me gusta está bastante alejado del confuso oscurantismo de esta “Tierra X”. Que cada cuál saque sus conclusiones (y, si quiere, hasta las comparta).

”Colección Dumbo 1: Las Minas del Rey Salomón”, de Carl Barks y otros.

Salvat inaugura la temporada de coleccionables por entregas apelando a la nostalgia con este coleccionable que está previsto conste de dieciséis entregas en el que recupera parte de la mítica “Colección Dumbo”, en la que se publicó lo más granado de los cómics de la Disney en España por primera vez en los años sesenta por Ediciones Recreativas. Una buena noticia para los aficionados a este material para acceder a  material inencontrable a precios razonables  de autores de la talla de Carl Barks... si no fuese por la deficiente reproducción que ha omitido cualquier intento de restauración y parece directamente escanear los ejemplares de hace cuarenta años.

En esta primera entrega se reúnen cinco historia: Tres historias patunas de Carl Barks en la que destaca la que da título al tomo, una protagonizada por Lobito realizada por Gil Turner y otra de Supergoofy de Paul Murry.

A estas alturas todos sabemos, por poco familiarizados que se esté con este material, que tras la marca Disney trabajaron grandes artistas como Floyd Gottfredson o el propio Carl Barks que desarrollaron durante décadas las aventuras de los personajes de la compañía en los cómics y todo buen aficionado al cómic debería poder valorar. Por eso la idea d,el coleccionable, en las primeras entregas al menos, con un precio realmente popular, sobre todo si se compara con el último intento de publicar la obra de Barks realizado por Planeta, no me parece  mala. Sin embargo, creo que se ha perdido una magnífica oportunidad de hacer mejor las cosas con una edición algo más cuidada que al menos incorporara textos introductorios para contextualizar las obras o un simple índice en que acreditara a los autores en vez de mantener incluso los fallos de reproducción de la edición original, la antediluviana rotulación mecánica y la  publicidad que aparecía en  los originales, detalles que quizás gusten a los viejos lectores pero  que a la mayoría que no cuentan -contamos- con ese bagaje  nos hace descartar directamente este materia ya que por bueno que sea el contenido hay que cuidar mínimamente el continente.

No sé qué planteamientos se habrán hecho en Salvat más allá de captar el target de los cincuentones y los padres despistados, pero con haber mejorado solo un poco la reproducción, corrigiendo manchurrones y la rotulación seguramente habrían mejorado mucho sus posibilidades de venta. Lástima de oportunidad perdida. Y van…

Sergio Toppi (1932-2012).

No recuperados todavía del impacto de la noticia del fallecimiento de Joe Kubert –por no hablar ya en otros ámbitos ajenos al Cómic de las de Sancho Gracia o Tony Scott- ayer nos sorprendía desde las redes sociales el anuncio del fallecimiento de uno de los autores mayúsculos del cómic europeo, el italiano Sergio Toppi a los 79 años.

De formación autodidacta, Toppi se convirtió en un autor distintivo y fácilmente reconocible no solo por su perfecto dominio de los clarosocuros y las manchas de tinta siendo considerado un maestro del blanco y negro sino también por ser uno de los primeros autores en romper con la esquemática división de página en viñetas para dar agilidad a su narrativa y sacar partido a su dibujo virtuoso y elegantes composiciones. Más allá de su virtuosismo, creo que su principal virtud fue su capacidad para trasladar al papel  una mirada original  que hacía que sus obras tuviesen matices únicos y hacían su estilo perfectamente identificable.

Entre sus obras fundamentales destaca sobre todo la onírica “Sharazad” pero tampoco hay que olvidar trabajos como “Il Colezionista” o sus álbumes de la serie “El último hombre”, así como puntuales colaboraciones especiales con títulos de la Editorial Bonelli en series como “Ken Parker” o “Julia”.

Por desgracia, la mayor parte de la obra de Toppi salvo “Sharazad” no ha sido reeditada en España en décadas (hubo un anuncio fantasma de publicación de  nuevas obras que al parecer se perdió en el limbo) y  los mejores medios que tienen actualmente los aficionados españoles para acercarse a este autor sea a través de la correcta monografía de Yexus “Sergio Toppi: Un visionario entre dos mundos” publicada hace unos años por Dolmen o pasarse por el blog “Desde el Nibelheim” desde donde su autor Alberich El Negro lleva años reivindicando y difundiendo su persona y obra.

Tras la muerte de Moebius y Joe Kubert este es un nuevo golpe terrible para el cómic ya que se pierden en el mismo año tres de las personalidades que más han contribuido al desarrollo de su potencial.

D.E.P.