“Nancy in Hell”, de Juan José Ryp y El Torres.

Es el sino de los tiempos en este mundo globalizado que nos hemos inventado, pero no deja de ser triste que el éxito profesional de los autores españoles conlleve que sus obras se publiquen inicialmente en el extranjero para que luego alguna editorial española compre los derechos y los publique por estos lares. Es lo que ha pasado con el último trabajo de Juan José Ryp y El Torres –último en aparecer porque según señala El Torres en la introducción llevaban diez años dándole vueltas-, “Nancy in Hell”, que tras su aparición en Estados Unidos como miniserie de cuatro números por Image Comics ha sido recopilada por Dibbuks en un apañado volumen –aunque el papel podría haber sido un poco mejor- que reúne la obra completa junto a una galería de dibujos de Ryp con las portadas originales y alguna cosilla más.

“Nancy in Hell” es un cómic tan demencial como sólo puede serlo la historia de una espectacular y turgente scream lady, que satisfaría las fantasías de cualquier adolescente granuloso, cuya alma tras su muerte material se materializa en un Infierno plagado de demonios y muertos vivientes. Nancy, sin embargo, no es una muñequita cualquiera que acepte así como así su destino… Ayudada por el mismísimo Lucifer y armada con una motosierra que envidaría el Cara de Cuero de “La Matanza de Texas”, Nancy intentará luchará por abrirse camino entre los demonios y zombis –Braindead, en el cómic- hasta las mismísimas puertas del Infierno para poder escapar volver al mundo. Sin embargo, no todo va a ser tan sencillo como Nancy y Lucifer esperan.

Si aceptamos como válidas las imaginativas premisas iniciales, la historia ideada por El Torres se convierte en una estupenda aventura de entretenimiento para todos aquellos que disfruten de los cómics que mezclan aventura, fantasía y terror con el sano y único objetivo de proporcionar un sano rato de divertimento. El Torres se esfuerza por construir un universo cerrado y creíble en que todos las bizarradas ideadas por él y Ryp tengan una explicación lógica a través de un guión inteligente que va más allá de ser una mera excusa para hilvanar la mera acumulación de poses y enfrentamientos entre la buenorra de la protagonista y los diferentes demonios que le salen al paso para esconder una sorpresa final que resuelve todos los enigmas planteados a lo largo de la historia sobre el origen de Nancy y las razones de su aparición en el Hades. A través de unos personajes bien planteados y unos diálogos en la estela de los del “Hellblazer” de Ennis, se adivina el esfuerzo de El Torres por documentarse para su descripción del Averno dejando traslucir un esfuerzo de documentación para aunar tradiciones y mezclar con naturalidad referencias clásicas y literarias, como la mitología griega, “El Paraíso Perdido” miltoniano o "La Divina Comedia" de Dante, con otras propias del cómic noventero como “Spawn” o el universo “Top Cow”, de series como “The Darkness” o “Witchblade”.

Por otro lado, el guión de El Torres no brillaría tanto sino se viera potenciado por el espectacular trabajo del algecireño Juan José Ryp que a poco que le dejen está llamado por su calidad a convertirse en una primera figura del “mainstream” yanqui. Juan José Ryp, un dibujante que se ha fajado en el cómic erótico en España y que ya venía avisando con sus trabajos para Avatar donde ha colaborado con guionistas de la talla de Alan Moore y Warren Ellis, realiza en “Nancy in Hell” su mejor obra hasta la fecha para el mercado yanqui en un cómic que es síntesis de unas referencias que ha sabido asimilar para ofrecer un acabado espectacular muy al gusto de los estándares del cómic más comercial pero, al mismo tiempo, cuidando y mejorando la fluidez de la narración respecto a obras anteriores lo que no hace más que mejorar el detallismo que siempre le ha caracterizado.

En definitiva, “Nancy in Hell” es un divertido cómic de entretenimiento superior a la media de obras similares que pululan en el mercado mainstream. Un guión, que demuestra que el friquismo y la inteligencia pueden ir de la mano, y un dibujo soberbio para un cómic que cumple de sobras su objetivo de hacer pasar un buen rato disfrutando con las peripecias de su protagonista. Si acaso, ya me contáis.

Otras obras de Juan José Ryp comentadas en El lector impaciente:

“Black Summer”.

“No Hero”

“Otro Romance Suburbano”.

Preveo pingues beneficios para “All Star Superman” y “The Walking Dead”.

Estos últimos días han aparecido adelantos de adaptaciones televisivas y cinematográficas en animación de series que han mostrado su éxito en cómics, como “The Walking Dead”, de Robert Kirkman y Charlie Adlard, o “All Star Superman”, de Grant Robinson y Frank Quitely.

Más allá de la calidad de estas producciones que seguro le va a reportar sus buenos dinerillos a los creadores uno se pregunta qué se ha hecho mal en el mundo del cómic para que cualquier obra exitosa acabe al poco tiempo indefectiblemente adaptada a otros medios de mayor difusión aunque ello no suponga necesariamente que los lectores de los cómics originales aumenten exponencialmente.

Está claro que estamos en un sistema capitalista donde las novedades duran un parpardeo y la venta cruzada prima aprovechando la más mínima oportunidad para aplicar la máxima de “business is business and all is business” pero creo que se deja de aprovechar esa inercia de buenos cómics para intentar que el Cómic como medio asuma un rol igualitario respecto a otros medios promocionando las obras originales con buenas campañas publicitarias y no sólo a través del tirón de sus adaptaciones.

Por otro lado, supongo que tampoco está nada mal que hayan cambiando las tornas y ahora sean el cine o la televisión los medios que demanden adaptaciones de cómics exitosos, no como hace treinta años en que lo habitual era al revés, la adaptación posterior al cómic de las películas de éxito. Sin embargo, sigo pensando que el cómic debe ser algo más que un laboratorio de ideas para la industria del entretenimiento y sus autores deberían defender la legitimidad del medio a la par del resto en lugar de contentarse con esa nueva situación. Me da la sensación de que se está desaprovechando una buena coyuntura para que el cómic pudiera volver a ser un medio popular y mayoritario.

¡ Qué tiempos aquellos no tan lejanos en que la gente te miraba mal en la calle por llevar una camiseta con un motivo superheroico, no como ahora que las camisetas de H&M, Zara y demás las lleva hasta el tato maragato!

De todos modos, hay os dejo los trailers de las adaptaciones para que veáis lo que se cuece:

Jim Steinman se quedó con Richard Corben.

Tras el exitazo que supuso “Bat out of Hell”, el tormentoso idilio entre Jim Steinman y Meat Loaf acabó en divorcio poco amistoso (aunque una vez cada doce años más o menos se volvían a juntar para sacar una nueva parte de "Bat out of Hell”) y en el reparto de bienes Steinman se quedó con Richard Corben para su portada de su disco “Bad for good” que aparecería también en 1981 y competiría en las listas con el “Dead Ringer” de Meat Loaf/Bernie Wrigthson que comentábamos ayer.

Por otro lado, la portada de Richard Corben tuvo una vida más larga y Toutain la usó para ilustrar el Almanaque correspondiente al año 1982 de la mítica revista "1984".

Juzgad por vosotros mismos a través del video de abajo (eran los principios de los ochenta y el videoclip estaba en pañales pero no son atenuantes suficientes para una puesta en escena tan hortera, advierto) pero a mí me parece una pena que estos dos se pelearan porque a Rory Dodd las canciones ideadas por Steinman para Meat Loaf (mira que perder la voz…) le quedan un poco grandes.

A Meat Loaf le gusta Bernie Wrightson.

No sé si a Marvin Lee Aday, alías Meat Loaf, le gustarán los cómics pero comprobando su buen gusto a la hora de seleccionar los ilustradores de sus discos sospecho que sí.

Tras colaborar con Corben en el exitoso “Bat out of Hell” que comentábamos el otro día acudiría a otro maestro, Bernie Wrightson para la portada de su siguiente disco “Dead Ringer”, de 1981.

Ahí os dejo el videoclip del clasicazo “Dead Ringer for Love”, cantado al alimón con Cher.

“El gourmet solitario”, de Jiro Taniguchi y Masayuki Kusumi.

Escribir una opinión sobre “El gourmet solitario”, la última obra de Jiro Taniguchi junto a Masayuki Kusumi aparecida en España de mano de Astiberri, es complicado sin caer en la repetición de opiniones que acaban convirtiéndose en tópicos dado el nivel de coherencia de este autor maduro que no se preocupa demasiado por la innovación. Casi resulta más sencillo decir que si habéis leído previamente alguna de las obras del japonés y os ha gustado “El gourmet solitario” no decepcionará porque hasta cierto punto es “más de lo mismo” y por ese mismo motivo si no os ha gustado es poco probable que encontréis razones que os atraiga aunque quizás en esta obra sí se puedan encontrar algunos alicientes para darle una nueva oportunidad. Os cuento.

A lo largo de diecinueve capítulos, Taniguchi y Kusumi nos acercan a las andanzas cotidianas de un anodino comerciante japonés cuya actividad profesional le lleva a visitar distintas zonas de Tokyo y alrededores. Nuestro protagonista encuentra en los momentos de esparcimiento de la comida uno de los escasos momentos de tranquilidad de su estresante jornada convirtiendo cada comida y sus prolegómenos –elegir y combinar los platos, los restaurantes, el ambiente y la clientela…- en un placer cotidiano

Utilizando como hilo central de la historia la comida –que al parecer en el Japón da para todo un género dentro del manga-, Taniguchi va esbozando con minuciosidad exquisita el retrato de su solitario protagonista del que capítulo a capítulo irá proporcionando detalles de su vida y personalidad para acabar conformando un retrato con el que probablemente se identifican muchos japoneses medios contemporáneos. Frente a la alienante realidad presente de trabajo autónomo, Taniguchi propone como vías de escape la evocación nostálgica del pasado –una constante en toda su obra- y el gusto por la observación de las pequeñas anécdotas cotidianas a las que añade, en el caso de esta obra, el momento de la comida como un instrumento reafirmante de la identidad y que resume en una de las frases finales de la obra, “Comemos luego Existimos”.

Sin llegar al nivel evocativo de “El Caminante” con la que Taniguchi trasladaba a sus lectores toda la carga interpretativa de la obra, “El gourmet solitario” tiene otras cualidades más allá de los temas habituales en su obra que pueden atraer a un lector cansado de aquellas propuestas como una fuerte carga de costumbrismo en la descripción que realiza a partir de la riqueza gastronómica de Japón (existe una pormenorizada descripción de cada plato y su precio) del mosaico de ambientes y clases, localizando cada una de las obras en un barrio o localidad de Japón donde el protagonista vive una anécdota relacionada con la comida más o menos agradable con lo que la obra se convierte en una ventana abierta a la observación de la diversidad y contrastes del Japón contemporáneo de la que se sirven Taniguchi y Kusumi para enriquecer la obra más allá de su carácter introspectivo.

Por otro lado, quizás el gran defecto que se le pueda encontrar a “El gourmet solitario” es la repetición constante de una misma fórmula en la presentación y desarrollo de cada uno de los capítulos propia de su originaria publicación seriada en Japón y que hacen que la obra leída de corrido pueda resultarle plana y repetitiva a algunos. Sin embargo, a pesar de su sencillez formal, Taniguchi logra una vez más atraparnos en las vicisitudes de su protagonista descritas con su minucioso y pulcro estilo puesto al servicio de su agudo sentido de la observación convirtiendo “El gourmet solitario” en una lectura hipnótica y a su protagonista en un amigo en cuya compañía vamos de comida.

En definitiva, “El gourmet solitario” es una joyita más en la trayectoria de un autor consolidado que ha hecho de la crónica de lo ordinario y cotidiano el motor sobre el que construir su obra.

Otras obras de Jiro Taniguchi en El lector impaciente:

- "El almanaque de mi padre”.

- “Un zoo en invierno”.

Inicio alternativo de “Iron Man 2”.

Como hay que vender la versión DVD ahora sacan estas cosas, aunque hay que reconocer que tiene su gracia.

Mi opinión sobre la película, aquí.

(Visto en Entrecómics)

“Las extraordinarias aventuras de Adèle Blanc-Sec”, de Jacques Tardi.

Si algo bueno tienen las adaptaciones cinematográficas de cómics es que los editores españoles de pronto se acuerdan que tienen los derechos y deciden reeditarlos para satisfacción de los aficionados. Es lo que ha pasado con “Las extraordinarias aventuras de Adèle Blanc-Sec” que a la estela de la película de Luc Bessom está siendo reeditada en tres apañados integrales por Norma Editorial después de mantener la serie descatalogada durante años.

De momento ha aparecido hace unos meses el primero de estos tomos que recoge los cuatro primeros álbumes de la serie (“Adèle y la bestia”, “El demonio de la Torre Eiffel”, “El sabio loco” y “Momias enloquecidas”) que básicamente son los que se adaptan en la película (según dicen, que yo la película todavía no la he visto) creo que estamos ante una de las recuperaciones del año, previniendo que las aventuras de Adèle Blanc-Sec no es un tebeo para todos los gustos y que puede llevar a más de uno a sentirse irritado tras su lectura ya que no estamos ante un tebeo convencional.

Desde los inicios de la publicación de la serie en 1976, Tardi se planteó el desarrollo de una serie que fuese una declaración de amor a los pastiches y novelas por entregas francesas de finales del XIX y principios de siglo XX ideadas por los Lerroux, Dumas, Verne y, sobre todo a mí entender, de “Los misterios de París”, de Eugene Sue, y a lo largo de los cuatro álbumes que se recogen en este volumen sienta las bases de la serie en la que alejándose del tono dramático de las aventuras hace un acercamiento irónico a las desventuras de su antiheroina en las que subvierte las estructuras lógicas para que el tebeo se convierta en una lectura completamente impredecible y alocada en la que de una página a la siguiente cualquier cosa puede pasar y se evite cualquier tipo de clímax formulario, poco habitual en los cómics de aventuras modernos pero muy propio del tipo de literatura que Tardi pretende emular y parodiar.

Adèle Blanc-Sec es el único personaje cuerdo en el universo gótico inventado por Tardi, en el que los cultos satánicos pequeño burgueses, los rocambolescos experimentos de científicos chiflados dispuestos a vencer a la muerte y los pterodáctilos poseídos van de la mano de chocantes momias resucitadas e ídolos mesopotámicos, siendo la pragmática Adéle más que una heroína al uso una mera espectadora forzosa de las rocambolescas aventuras improvisadas por Tardi a su alrededor. Un Tardi que en ningún momento realiza el cómic pensando en lo que va a gustar a los demás sino en lo que le gusta a él y que propone un juego en el que marca las reglas para disfrutar de sus historias (tipos como Alan Moore y Mike Mignolla estoy seguro que lo han hecho).

Por otro lado, si la ironía de Tardi concentrada en un único volumen leída de un tirón puede que llegue a empachar, recomiendo que se lea esta obra a poquitos para ir digiriendo las bromas que el autor se permite. Un Tardi que, a pesar de estar improvisando todo el rato, logra ir cerrando las historias para que sólo pendan de un implícito “continuará” que va dando cohesión a la serie junto a la aparición de impagables secundarios como el lamentable comisario Caponi, víctima propiciatoria de los juegos de Tardi. Si a pesar de todo, las historias no le entran siempre se puede disfrutar del despliegue gráfico de Tardi y su talento para la narración gráfica así como de su versión de un París que se convierte en un personaje más sobre el que se sustenta la obra.

En definitiva, mi consejo es que os acerquéis a “Las extraordinarias aventuras de Adèle Blanc-Sec” con la mente abierta y dispuestos a dejaros sorprender por los atrevimientos de un Tardi inspirado, atrevido y divertido como probablemente en ninguna otra de sus obras. Ya me contaréis.

A Menomena les gusta Craig Thompson

Y a Craig Thompson, Menomena. Por ese motivo los chicos de esta ecléctica banda indie y el autor de “Blankets” acordaron que este realizara la portada de su disco “Friend and Foe” en 2007, siendo la portada de Thompson nominada para los Grammy de ese año.

Ahí os dejo el video de una de las canciones incluidas en el disco, “Evil Bee”:

A Meat Loaf le gusta Richard Corben.

Corría el año 1977 cuando a Marvin Lee Aday a su banda y a Jim Steinman se les ocurrió recurrir a los servicios de cierto muchachote de Misuri llamado Richard Corben para ilustrar su nuevo disco “Bat out of Hell”.

El resto es historia…

“La novela gráfica”, de Santiago García.

La aparición de un libro teórico sobre Cómic siempre es una buena noticia dada la escasez –aunque cada vez haya más- de bibliografía sobre el tema en el panorama español, aunque el título y objeto de la obra de Santiago García ya de por sí levanta resquemores entre aficionados y profesionales porque, como el mismo autor señala en el libro, no existe un acuerdo indiscutible de que es una “novela gráfica” y que mero cómic.

García no grita “Eureka” y nos descubre la piedra filosofal clave para establecer qué cómics son “novelas gráficas” y cuáles no, aunque sí que ofrece algunas nociones para entender como un concepto tan indeterminado y endeble se ha ido poco a poco imponiendo y demostrando su perdurabilidad. Incapaz –como cualquiera, a estas alturas- de establecer canónica e indiscutiblemente las características que un cómic debe reunir para ser considerado novela gráfica, Santiago García enfoca su estudio del concepto a través de la evolución histórica del Cómic desde sus inicios hasta la actualidad, siendo es en este punto donde radica el mayor interés de la obra tanto para el que nunca ha leído un cómic pero está interesado en su irrupción en el mundo actual como para los aficionados y profesionales.

Desde la autoridad y el conocimiento del que, como subtitula en su blog Mandorla, “escribe, lee, traduce, estudia y vive una vida de tebeo” desde hace muchos años, García afronta la complicada tarea de resumir y enfatizar la Historia del Cómic como medio en apenas las poco más de 270 páginas de su libro. Y lo cierto es que cumple su objetivo a la perfección, convirtiendo el libro en un apasionante paseo por la historia del tebeo desde los orígenes olvidados de pioneros europeos como Töpffer hasta su evolución y consolidación en Estados Unidos haciendo especial hincapié en las tiras de prensa, los cómics E.C., el cómic underground y alternativo y los autores claves de cada uno de esos momentos como puntos de inflexión que los teóricos de la “novela gráfica” reconocen como claves en el desarrollo de la evolución del concepto, pero haciendo además un importante esfuerzo para no excluir otras realidades, como el cómic francobelga, el manga e incluso el cómic español.

García ofrece el punto de vista y reflexiones de algunos de los autores principales defensores del concepto de “novela gráfica” y sus problemáticas como Chris Ware o Eddie Campbell salpimentando con sus reflexiones la continuidad de su relato para mostrar lo vaporoso de un concepto que se resiste a ser etiquetado al tiempo que mantiene el rigor expositivo. Por otro lado, el autor mantiene una actitud alejada de posturas anquilosadas y se muestra flexible y entusiasta hasta las posibilidades futuras del medio ofreciendo una actitud abierta y entusiasta hacia sus posibilidades reflejando esa pasión hacia el objeto de su estudio en la fluidez de su narración y un estilo alejado de formalismos y accesible a cualquier lector interesado.

En definitiva, “La novela gráfica” no da las claves para entender qué cómics son novelas gráficas y cuáles no pero si ofrece un exhaustivo y riguroso análisis histórico del concepto y el medio al que el autor traslada su conocimiento y pasión por la materia objeto de estudio en una obra que está llamada a ser una referencia imprescindible en los estudios teóricos sobre el Cómic en español y un excelente libro de consulta. Indispensable para cualquiera mínimamente interesado en esto de los tebeos…o las novelas gráficas.

Se lo dice uno que no cree en la etiqueta de novelas gráficas pero sí en la diferencia entre los buenos y los malos tebeos.

Jerry Grandenetti y el arte pop.

Que la Historia del Arte se construye a base de grandes y pequeñas injusticias creo que está claro ya que más en el último siglo el Arte –grande y pequeño- se rige por movimientos especulativos que influyen más si cabe que las calidades de los autores.

Una de esas injusticias sangrantes la ha vivido el Cómic respecto al movimiento Pop de forma continuada y, probablemente, el caso más sangrantes lo protagonizó el recientemente fallecido Jerry Grandenetti cuando descubrió que una de las viñetas que dibujó para el número 89 de “All American Men of War” en 1962 sirvió de inspiración para, "Jet Pilot", un cuadro de Roy Lichtenstein de ese mismo año.

No es la única inspiración de Lichtenstein tomada de “All American Men of War 89”. Para su cuadro “Whaam!” tomó de referencia esta viñeta de abajo:

Y este fue el resultado:

Roy Lichtenstein fue un aclamado y reconocido pintor cuyas pinturas en vida alcanzaron ya cifras millonarias y se exponen en museos de medio mundo. Jerry Grandenetti tuvo que dejar el cómic por a publicidad para asegurarse el sustento siendo su nombre olvidado salvo por unos pocos aficionados al cómic hasta volver a ponerse de actualidad debido a su fallecimiento.

¿Es justo? No lo sé, pero la Historia se escribe así... A mí me parece triste.

Heavy Trash, Paul Pope y Tony Millionaire

Heavy Trash es una banda de ecléctico rockabilly encabezada por Matt Verta-Ray y Jon Spencer en 2005. Esto no llamaría demasiado la atención del que esto suscribe si no fuese por el buen gusto que demuestran al elegir las portadas de sus tres discos estando la portada de los dos primeros firmadas por autores de cómics tan interesantes como Paul Pope y Tony Millionaire.

De propina incluyo la portada del tercer disco de la banda obra del ilustrador francés Jean Luc Navette que sin tener relación directa con el cómic su obra parece influida por tipos tan alejados como Gorey y Blutch.

Y sí, la música de Heavy Trash también está bien.

Heavy Trash (2005) - Paul Pope

"Going way out with Heavy Trash" (2007)- Tony Millionaire.


"Midnight Soul Serenade" (2009)- Jean Luc Navette.

“Por el imperio: Las Mujeres”, de Merwan &Vivès.

Diábolo Ediciones nos ofrece la segunda entrega de “Por el imperio”, un peplum inteligente e inusual en el que se nos confirma el inmenso talento de Vivès en propuestas más comerciales frente a los trabajos más personales que le han dado mayor reconocimiento.

En este segundo álbum, titulado “Las mujeres”, continúan las exploraciones del capitán Glorim Cortis y sus huestes en su misión de reconocimiento de las tierras más allá de los límites del imperio. Tras abandonar el desierto, los recios guerreros atraviesan frondosos bosques sin encontrar ninguna resistencia. Cuando entre los hombres empieza a cundir el desánimo ante la ausencia de ocasiones para aumentar su gloría guerrera y la ausencia de botín, una bella amazona cae en su poder. Cuando la prisionera se escapa, Glorim envía a sus batidores tras ella para encontrar el sueño de Virgil hecho realidad, un pueblo mítico habitado sólo por bellas mujeres. Sin embargo, hasta el más bello de los sueños se puede convertir en la más terrible de las pesadillas.

El dúo formado por Merwan y Vivès que firman al alimón guión y dibujo vuelven a sorprender con esta segunda entrega de su serie “Por el imperio” en la que revisan las fórmulas tópicas del género para darles una perspectiva original en una especie de "El corazón de las tinieblas" de la Edad Antigua. Y es que en “Las mujeres” se centra en el enfrentamiento entre los aguerridos soldados que conocimos en la primera entrega cuyas motivaciones y descripción tanto se alejaba de la visión propia de los héroes antiguos para acercarla a una realidad más plausible de simples soldados que no conocen más realidad que la de la guerra y su motivación no va más allá de la obtención de conquista, botín y gloría, con el objeto de sus deseos: un pueblo habitado únicamente por bellas mujeres que lejos de dejarse conquistar por sus varoniles talentos les ponen en jaque, siendo la confrontación de los etnocéntricos planteamientos de los orgullosos soldados frente a las novedosas costumbres de los nuevos pueblos con los que se enfrentan el motor central de la serie.

Estamos ante una historia hipnótica y perfectamente hilvanada para que a partir de los datos concisos que los autores proporcionan en su narración cada lector sea el que añada los detalles e interprete una aventura en la que la narración se desarrolla de un modo pulcro y organizado para que guión y dibujo confluyan y se complementen siguiendo la estela de un tebeo tan notable y desapercibido como fue la inconclusa “Las Olivas Negras”, de Sfar y Guibert y de la que ya comenté algo aquí , aquí y aquí.

En el aspecto gráfico, la historia se inunda de verde respecto al sobrio y angustioso ocre terroso de la primera entrega y se convierte en la seña de identidad del álbum. Vivès sigue mostrando su talento como narrador gráfico con un efectivo tratamiento minimalista del dibujo alejado de cualquier viso de espectacularidad exagerada para otorgar mayor verismo a las aventuras de Glorim y sus huestes. Es notable como con muy pocos datos los autores logran describir en profundidad el carácter y personalidad de los numerosos personajes que aparecen en la historia para que sus reacciones en el marco de la trama no resulten incoherentes y se ajusten a la lógica interna de una historia que atrapa por un dibujo aparentemente sencillo y naif que esconde prácticamente en cada enfoque y perspectiva elegantes soluciones que hacen de la relectura inmediata del álbum una necesidad.En definitiva, "Las mujeres" confirma que “Por el imperio” es actualmente una de las mejores series abiertas del panorama del cómic europeo y la que mejor ha entendido que puede ofrecerse un tebeo que interese a un público heterodoxo y mayoritario sin que las ambiciones artísticas de sus autores queden arrinconadas.

Estoy impaciente por leer la tercera entrega.

Más “Por el imperio” en El lector impaciente:

- “El honor”

Los premios de Avilés y la cuadratura del círculo.

Mira que es difícil que unos premios dados por críticos y expertos no resulten de un modo u otro sospechoso y contenten a todo el mundo pero estos que se han otorgado en las XV jornadas sobre cómic de Avilés son incontestables. Soy incapaz de estar en desacuerdo con ninguno, lo que me confirma los rumores sobre que en esas tierras en cuestiones saloneras se hacen las cosas especialmente bien. Me alegro.

Ahí dejo el palmarés por si alguien quiere decir algo:

Mejor dibujante extranjero: Mark Buckingham (por Fábulas) y Frank Quitely (por All Star Superman).

Mejor guionista extranjero: Jason Aaron (por Scalped).

Mejor dibujante nacional: Quim Bou (por Orn IV).

Mejor guionista nacional: Antonio Altarriba (por El arte de volar).

Mejor obra extranjera: Los muertos vivientes.

Mejor obra nacional: El arte de volar.

Mejor obra teórica: Del tebeo al manga.

Premio a toda una carrera para un autor extranjero: George Pérez.

Premio a toda una carrera para un autor nacional: José Ortiz.

¡ Felicidades a todos los premiados!

José Antonio Labordeta (1935 -2010).

A mí, como a casi todo el mundo al parecer, me caía bien José Antonio Labordeta. Me pilló pequeño su carrera como cantautor y descreído su programa de “Un país en la mochila” por lo que me quedo en la memoria con su figura parlamentaria.

A ver, que no es que sea el único ciudadano responsable que se traga esos rollos, pero cuando Labordeta participaba me veía obligado a ver su actuación. Y es que Labordeta se me antojaba que era como el explorador en la caldera de los caníbales o el naufrago que se ve rodeado por las aletas de los tiburones... Llamaba la atención ver a ese señor de bigotes que te podías cruzar comprando el pan o el billete del metro hablar claro y con el español de la calle del que entiende la política como una herramienta al servicio de todos frente a los que piensan que es su herramienta para servirse de todos en su propio beneficio. Labordeta era una “rara avis” entre tanto buitre y yo me sentía solidario aunque sólo fuese por unos minutos en que me esforzaba por apoyar la lucha quijotesca de ese señor que no solía hablar tanto de encuestas como de los problemas de la gente aunque a su alrededor le hicieran poco caso.

A propósito, ayer falleció también en un pequeño pueblecito un anónimo octogenario de la misma enfermedad que el ilustrísimo diputado y cantautor. Un recio y alegre hombre de campo castellano de esos a los que un pequeño renacuajo de capital le daba miedo darles un beso porque iba sucio de tierra y barro y en su cara bajo la boina asomaba habitualmente barba de varios días para consternación de sus abuelos porque éramos familia y a los que aprendí apreciar con los años. Seguro que Labordeta disfrutará de su compañía.

D.E.P.

“Bigg Time”, de Ty Templeton.

Llega de la mano de Planeta con ocho años de retraso la obra más ambiciosa de Ty Templeton, un autor canadiense básicamente conocido por haber trabajado en las series de “Superman” y “Batman” o las series de cómics de la imprescindible serie de animación “Los Simpson”.

“Bigg Time” es una novela gráfica –sí, vale, aceptamos barco…- dividida en ocho capítulos en la que asistimos a las peripecias de Les Bigg (“Menos Grande”, en un juego de palabras que se pierde en español), un vagabundo calvo y amargado que se dedica a sablear a los transeúntes a base de insultarlos. Cuando Les baja a aliviarse a las vías del Metro recibe una descarga eléctrica que le permite ver a su ángel de la guardia, Stavros, una peculiar campanilla con barba y barriga que pasa bastante de cuidar de su protegido. A cambio de que Les no se chive a sus superiores llegado el momento de sus negligencias, Stavros concede a Les su mayor deseo, hacerle famoso, y es en este punto donde realmente empiezan las penalidades de nuestro protagonista en su ascenso a la fama.

A partir de un planteamiento poco original –las historias de geniecillo de la lámpara son casi tan antiguas como el mundo y si no acordaros de Aladino y la Lámpara Maravillosa…- Ty Templeton, hijo de un par de celebridades de Canadá, ajusta cuentas con la Fama y sus tópicos en esta sátira en la que el antihéroe protagonista vive todo tipo de disparatadas y extravagantes aventuras con tal de conseguir su objetivo de ser famoso.

“Bigg Time” es un tebeo correcto y entretenido pero a mí entender le falta chispa. No sé si el tiempo transcurrido desde su publicación -2002- o el encontrarse a medio camino entre el “underground” más descarado de autores como Shelton y Pekar (el parecido de Les con Pekar no sé si supone algún tipo de homenaje) y otros cómics con un planteamiento más comercial juega en su contra para hacer que su carga satírica le falte verdadera mordiente más allá del “caca, culo, pedo, pis” de sus gags y las lúcidas reflexiones sobre la fama y la religión que pone en boca de sus personajes. Con todo, ya digo, que el tebeo entretiene porque Templeton es un hábil dibujante que domina todo tipo de registros desde la caricatura al dibujo más realista y las surrealistas situaciones con que tortura a su antihéroe van de menos a más gracias a un más que correcto entendimiento de la narración gráfica, adaptando la composición de la página a los elementos de la historia (en un tornado, las viñetas aparecen movidas y desordenadas, las viñetas en que Stavros se mete en el cerebro de Les, etc…).

En definitiva, “Bigg Time” es un tebeo más que correcto en lo formal, que sabe aprovechar las posibilidades del lenguaje del cómic aunque resulte demasiado blanco en su contenido para que la sátira propuesta por Templeton sorprenda a estas alturas de la fiesta.

A propósito, Ty Templeton es un buen tipo y en su página web permite descargarse gratis la serie con que se dio a conocer en los ochenta "Sitg's Inferno" (el protagonista, Stig, tiene un breve encuentro con Les y Stavros en el epílogo de "Bigg Time"). Los interesados sólo tienen que pinchar aquí.