Brillante Vergara

Brillante se ha mostrado Vergara en la serie de chistes que ha dedicado en "Público" a la medida anunciada por el Gobierno de retrasar la edad de jubilación a los 67 años. El resto de los chistes pueden verlos aquí.

Ríamos para no llorar.

Primer trailer de “The Losers”

Mira tú por donde la primera adaptación de un cómic al cine del año es un honor que recaen en “The Losers”, una miniserie de Vertigo escrita por Andy Diggle bastante entretenida (a ver si les escribo algo más extenso antes del estreno de la peli) que tuvo como principal aliciente el darnos a conocer a muchos a un dibujante tan interesante como Jock.

El trailer pinta bien, con las típicas escenas de acción rodadas como se suelen hacer estas cosas hoy en día. Para primavera veremos en que queda esta película dirigida por Sylvain White y que cuenta con Óscar Jaenada en el reparto

Clarividente Watterson.

P: Los lectores se hicieron amigos de sus personajes, de modo que, comprensiblemente, lamentaron (y todavía hoy siguen lamentando) que la serie llegara a su fin. ¿Qué les diría?

R: No es tan difícil de comprender como la gente intenta que parezca. Al cabo de diez años, había contado prácticamente todo lo que me había planteado contar. Siempre es mejor dejar la fiesta en el momento álgido. Si me hubiera dejado llevar por la popularidad de la tira y me hubiera seguido repitiendo durante otros cinco, diez o veinte años, la gente que ahora "lamenta" la desaparición de Calvin y Hobbes estaría exigiendo mi cabeza y maldiciendo a los periódicos por publicar tiras viejas y tediosas como la mía en vez de buscar nuevos talentos. Y yo estaría de acuerdo con ellos. Creo que parte del motivo por el que Calvin y Hobbes sigue encontrando un público hoy en día es porque elegí no apurarlo hasta las heces. Nunca he lamentado dejarlo cuando lo hice.

(En Cultura Impopular, Óscar Palmer ha subido una interesante entrevista del esquivo Bill Watterson, el creador de la genial “Calvin y Hobbes”. Watterson demuestra tener la cabeza muy bien amueblada y ser un tipo sensato y no el tipo raro que en ocasiones se nos ha querido vender. La entrevista completa aquí).

“Invictus”, de Clint Eastwood.

A finales de los años sesenta, surgió el fenómeno del Black Power un movimiento que abogaba por la igualdad de derechos con los blancos y reivindicativo con su propia identidad cultural. Un fenómeno puntual que tuvo sus conatos de radicalización y, culturalmente, dio lugar a fenómenos como la Blaxploitation en cine o la aparición en cómics de un amplio plantel de superhéroes negros como Pantera Negra o El Halcón. Sin embargo, con la paulatina equiparación de derechos, que no de oportunidades, el Black Power fue desapareciendo como tal hasta que la irrupción del primer presidente negro de los Estados Unidos, Barack Obama, ha propiciado que la negritud vuelva a estar de moda (ya en el cómic se le han hecho más de un guiños al presidente). Por todo ello, con buen ojo, Morgan Freeman, productor aparte de protagonista de esta película, ha sabido elegir, tanto el mejor momento (este año es el Mundial de Fútbol en Sudáfrica por lo que el país volverán a estar en el candelero mundial) como al director probablemente más respetado actualmente en el cine norteamericano y que ya ha mostrado anteriormente en su obra su preocupación por los problemas raciales, Clint Eastwood, para estrenar este biopic a la mayor gloria de Nelson Mandela, el primer presidente democrático y de color en la racista Sudáfrica..

La película adapta el libro de John Carlin, “El factor humano”, y se centra en mostrar los esfuerzos de Mandela para utilizar la Copa del Mundo de Rugby de1996 como un acontecimiento que ayudase a cimentar el espíritu nacional y eliminar las tensiones raciales. Para ello, Mandela contacta con el capitán de la selección, François Pienaar (interpretado por un Matt Damon cachas), al que sirve de inspiración para, contra todo pronóstico, lograr que la selección llegue a la Final de la competición contra Nueva Zelanda. Si ganan o no, ya no se lo cuento que tienen que ir a ver la película.

Clint Eastwood realiza en “Invictus” un trabajo correcto y aseado en el que con habilidad sitúa al espectador en el contexto de desigualdades sociales que era la Sudáfrica de los noventa y construye una película interesante que gira sobre dos polos asimétricos representados por el Nelson Mandela interpretado soberbiamente por Freeman, con el que probablemente vaya a ganar un nuevo Óscar, y el François Pienaar, interpretado también con credibilidad por Damon. Pese su buena factura y la calidad interpretativa de casi todo el reparto encabezado por sus protagonistas en mi opinión se la puede poner ciertos peros a la película: por un lado, una excesiva fascinación por la figura de Mandela, dando una visión de figura venerable y semidivina que pasa de puntillas sobre las sombras de su vida (a pesar de aparecer la hija de Mandela prácticamente no se sabe nada de su mujer Winnie y las rencillas y tensiones aparecen muy suavizadas); por otro, la gesta deportiva (la victoria de Sudáfrica sobre los All Blacks de Lomu es uno de los grandes partidos de la historia del rugby) queda bastante desdibujada desperdiciando en buena medida a un Matt Damon cuyo papel pedía a gritos un mayor protagonismo. Eastwood no es capaz de reflejar la épica de la gesta protagonizada por los sudafricanos ni la intensidad del partido ni del deporte (para mí, esta película le hubiera venido como anillo al dedo a Oliver Stone) y se muestra bastante torpe en la narración misma del partido, centrándose más en sus efectos en la grada y la población sudafricanas.

En definitiva, “Invictus” es una película más que correcta que tiene su principal aval en un inmenso Morgan Freeman pero que dados los vientos que corren recibirá más elogios de los que cinematográficamente le corresponden. Con todo, merece la pena para acercarse a una de las figuras claves de la segunda mitad del siglo XX. Ustedes mismos.

Otras películas de Clint Eastwood en El lector impaciente:

"Gran Torino"

¿Alguien entiende a Norma?

Yo, como aficionado, no. Imagino que sus decisiones se deberán a estrictos criterios económicos confidenciales que, a la larga y por mucho que nos fastidien a los lectores, son los que permiten mantener un negocio (y una editorial de tebeos no deja de serlo) pero que a la larga no ayudan a crear nuevos lectores. Van unos cuantos ejemplos:

Hace como cosa de dos años, sin mediar explicaciones, la editorial decidió retirar de las librerías la serie de Hermann, “Las Torres de Bois-Maury”, una serie histórica de calidad incontestable que ya es un clásico para muchos de nosotros. Se rumoreaba que la razón era el comienzo inminente de la publicación de la serie en integrales. Sin embargo, de eso nada más se ha sabido y, con el mismo formato de siempre la editorial acaba de publicar el último episodio de la serie aparecido en Francia, “Vassya”.

Y no es el único caso ni el más sangrante ya que en el .pdf facilitado con las novedades de Marzo la editorial anuncia la publicación del sexto álbum de “La Búsqueda del Pájaro del Tiempo”, la excelente obra de fantasía que dio a conocer a Loisel en España, lo cual no está nada mal… para los que conocemos la colección porque los cinco álbumes anteriores llevan años descatalogados sin que haya noticias por parte de la editorial sobre su reedición.

Son dos casos pero se me ocurre algún otro de obras de calidad contrastada que llevan tiempo sin reeditarse. Norma mima a los aficionados que llevamos años en esto pero olvida a los jóvenes lectores a los que priva de un acceso sencillo a obras que son clásicas y que deberían estar siempre en catálogo.

Premiados Angôuleme 2010.

Ahí va la lista de los premiados:

- Premio al mejor álbum del año: Pascal Brutal, de Riad Satouff.
- Premio del público FNAC/SNCF: Paul à Quebec, de Michel Rabagliati

- Premio especial del jurado: Dungeon Quest 1, de Joe Daly

- Premio Juventud: Lou!, de Julien Neel.

- Premio Intergeneraciones: L’esprit perdu, de Mathieu Bonhomme y Gwen de Bonneval.

- Premio Una mirada al mundo: Rebetiko, de Prudhomme

- Premio a la audacia: Alpha…directions, de Jens Harder

- Premio revelación: Rosalie Blum, de Camile Jourdy

- Premio del cómic alternativo: Special Comics 3

- Premio a la mejor serie: Jérome K. Jérome Bloche 21, de Dodier

- Gran Premio de Angouleme: Baru
- Premio del patrimonio a Paracuellos, de Carlos Giménez.

Ahí tienen los premios. Sinceramente, no me pidan que comente la mayoría de estas obra porque no las conozco aunque imagino que irán siendo publicadas próximamente en España (los tomos de "Rosalie Blum", los tengo pendientes para cuándo tenga un hueco…). Sí me parecen acertados los reconocimiento a Giménez (“Paracuellos” es una obra maestra y los franceses deben enterarse de ello si todavía no lo saben) y a Baru, un autor que me gusta especialmente con una trayectoria coherente y sólida.

Moderando comentarios

Ante la continuada invasión en los últimos meses de comentarios virales en chino, sin que la gente de Blogger haga aparentemente nada para solucionarlo y, aunque he intentado evitarlo, he habilitado la moderación de comentarios para facilitar su eliminación. Los demás espero que continuéis comentando con la regularidad habitual porque lo más interesante de mantener un blog precisamente es el intercambio de opiniones que permite y El lector impaciente lo hacemos entre todos..

Si, pasado el tiempo, veo que este problema desaparece, volvería a deshabilitar la moderación.

Mis disculpas y espero que los habituales comprendáis que esta medida la tomo muy a mi pesar.

Impacientes Saludos.

Trailer de “Wall Street 2: money never sleeps”, de Oliver Stone.

Ya se le puede echar un ojo a lo nuevo de Oliver Stone, un director que no suele decepcionar, que en esta ocasión retoma uno de sus grandes éxitos “Wall Street”, recuperando la historia de uno de sus protagonistas, Gordon Gekko, 23 años después de haber cumplido la condena con que terminó aquella.

El trailer, el reparto (en el que recupera a Michael Douglas y Charlie Sheen, cuenta con Susan Sarandon, Josh Brolin y Shia Labeouf) y el director prometen, aunque habrá que ver cómo funciona una historia ambientada entre los hampones de Wall Street en los tiempos que corren. Yo no me la pierdo.

J.D. Salinger (1919-2010)

Ayer nos anunciaron la muerte de J.D. Salinger, probablemente el escritor que más ha influido en la literatura norteamericana con la obra más corta. Y es que sorprende que un hombre que consagró su vida a escribir publicara tan poco.

Una única novela escrita en la veintena, “El Guardián en el Centeno”, que se convirtió en un hito generacional, y series de cuentos y novelas recopilados en varios libros, protagonizados por la atípica familia Glass.

Saliger se esforzó en cultivar en vida la imagen de autor consagrado a su obra, ajeno a los vaivenes de la modernidad y las servidumbres de las modas y el público. El viejo en su montaña de la que sólo descendía para defender su obra a golpe de demanda y cuya intervenciones eran la comidilla de los cenáculos literarios.

Sin embargo, el Salinger que imaginábamos poco tenía que ver con la realidad. En biografías no autorizadas y a través de las declaraciones de su hija fuimos descubriendo una imagen bien distinta que desmontaba el mito. La de un hombre huraño y maniático con una especial atracción por las jovencitas atraidas por su aureola de "gran escritor".

Más allá de sus rarezas, Salinger fue un escritor genial que nos ha dejado el patrimonio de una obra por la que ha de ser recordado. Imagino que en los próximos años, sus herederos irán publicando material inédito y estudios que completen el puzzle de una personalidad tan esquiva y compleja.

D.E.P.

“Bois-Maury 14: Vassya”, de Hermann e Yves Hermann.

Nueva entrega de la mano de Norma Editorial de una de las mejores series históricas que ha dado el cómic europeo que nos reencuentra con ese fantástico autor que es Hermann, acompañado una vez más en los guiones por su hijo Yves, en una colaboración que, por lo general, suele ofrecer más sombras que luces. En esta ocasión, disfrutamos de la de cal y “Vassya” es un tebeo que no desmerece dada la sabiduría y talento que Hermann demuestra en cada página aun cuando deje cierto regusto amargo la endeblez argumental de un cómic que contaba con alicientes como para haber producido un mejor resultado. Les cuento.

Nos situamos en las estepas rusas en el año del señor de 1604 y un joven Aymar de Bois-Maury acompaña a su tío Waldemar Lewandoski, en una incursión que tiene como objetivo destronar al zar Godunov y colocar en su lugar al zarevich Dimitri. Los polacos cuentan con hacer a lo largo del camino aliados entre los fieros cosacos que han sido acosados y perseguidos por Godunov antes de enfrentarse abiertamente a sus ejércitos para lo cuál, cuentan con establecer contacto con uno de sus jefes, el fiero y carismático Korkhine. Las huestes polacas encuentran en una aldea arrasada a una atractiva cosaca que se ofrece a acompañar a Lewandoski y sus hombres al campamento de Korkhine y por la que Aymar se siente inmediatamente atraído. Sin embargo, la cosa se complica cuando Aymar descubre que la atractiva joven es la mujer de Korkhine y su relación puede poner en peligro la ya de por sí inestable alianza con los cosacos. Si quieren saber más, tendrán que leer la historia.

Los Hermann nos dan a conocer un episodio de la Historia desconocido para muchos y nos ofrecen un apasionante retrato del modo de vida de los cosacos rusos en un álbum que demuestra un cuidadoso estudio de documentación para reflejar cada detalle y ofrecer con realismo una aproximación de lo que debió ser la vida en las estepas rusas a principios del siglo XVII. Hasta aquí, “Vassya”, cumple sobradamente merced a la capacidad de un Hermann, que demuestra encontrarse lejos de la decadencia que algunos señalan y saca enorme partido de su talento para el dibujo y coloreado de los enormes paisajes abiertos, las construcciones de época y la minuciosa caracterización de los distintos tipos de cosacos. Sin embargo, el talento visual y narrativo de Hermann no puede disimular del todo la debilidad del argumento que sirve como motor de la historia – la relación entre Aymar y Vassya- y la pobreza de recursos con que Yves la desarrolla. Y es que llevado quizás por una obsesiva búsqueda de la autenticidad obvia la carga dramática de una historia de amor y venganzas que deja al lector bastante frío y es resuelta de cualquier manera.

A pesar de ello, el tebeo tiene momentos memorables, que suelen coincidir en los que es más palpable la presencia de Hermann. Como la magnífica secuencia inicial en la que a través de un insecto introduce a los polacos o los momentos en que la fuerza visual de su estilo y su talento para la caracterización psicológica de los personajes permiten prescindir de cualquier tipo de diálogo, elementos que convierten la lectura de las 48 páginas del álbum en un placer en el que merece la pena demorarse y disfrutar.

En definitiva, “Vassya” es un tebeo con muchas más luces que sombras que no va a suponer un borrón en la calidad media de la serie de la que forma parte, pero que, a poco que Yves hubiera aportado algo más podría haber cuajado en uno de los mejores álbumes de la serie. Con todo para los seguidores de Hermann, una compra obligada.

Por otro lado, la edición de Norma resulta correcta y tiene un precio asequible. Sin embargo, como aficionado, estoy bastante descontento del tratamiento que está dando la editorial a esta y otras series. Pero, de esto escribiré, a lo largo del fin de semana para no mezclar lo que es el análisis de una obra con el de una línea editorial. Ya les contaré.

Más sobre “Las torres de Bois-Maury” en El lector impaciente:

“Las Torres de Bois-Maury”.

Hojeando lo nuevo de Angux.

El amigo Angux, bloguero militante, nos sorprendió y dejó tristes a todos a finales del año pasado con el anuncio del cierre de La Caraviñeta, un blog en el que, a través del cariño que le ponía su autor, se creó un rincón agradable en el que debatir y disfrutar de los tebeos sin estrés y en el que, entrada a entrada, Angux dejó constancia por su amor al noveno arte con una de las propuestas más trabajadas, originales y personales que se podían encontrar en la blogosfera comiqueril.

Sus razones tenía pero, como la cabra tira al monte y el bloguear (¿existirá este palabro?) crea adicción en los que lo hemos probado, Angux nos hace más amable el fin de la cuesta de Enero con el anuncio de un nuevo blog en el que dar rienda suelta a su pasión por los cómics en general y el cómic europeo y nacional en particular. Se trata de El Hojeador y promete ser un blog de reseñas tranquilo. Yo que ustedes lo incluía en Favoritos desde ya.

Y no sólo eso sino que, además, Angux promete más, mucho más. Pero, para averiguarlo, pinchen aquí.

“Un zoo en invierno” de Jiro Taniguchi.

Pocos autores hay en estos momentos en el cómic internacional que estén desarrollando una obra tan personal, coherente e interesante como la del japonés Jiro Taniguchi, quién, se ha convertido en una referencia ineludible para todos aquellos que les interese el manga más reflexivo e introspectivo. En su última obra, “Un zoo en invierno” recientemente publicado por Ponent Mon en una correcta edición, nos vuelve a embelesar con la aparente simplicidad formal con la que expresa y comunica el complejo mundo de los sentimientos y emociones. Les cuento.

En 1966, un frustrado Hamaguchi trabaja en una fábrica de textiles en Kyoto donde no le dejan dar rienda suelta a su pasión por el dibujo. A raíz de su complicidad involuntaria en la fuga del dueño de la fábrica, Hamaguchi abandona su trabajo y se traslada a Tokio donde de manera casi involuntaria entra a trabajar como aprendiz en el taller del maestro mangaka, Shiro Kondo. Ante Hamaguchi se abre una nueva vida completamente diferente a la que estaba acostumbrado en el ambiente bohemio y cosmopolita de un Tokio lleno de oportunidades en el que el joven Hamaguchi sueña en publicar algún día su primera obra. Para saber si lo consigue, tendrán que leerse el tebeo.

En un “Zoo en invierno”, Taniguchi, al hilo del relato autobiográfico de las anécdotas que le llevaron a convertirse en un autor de manga, desarrolla un elaborado estudio del paso de la adolescencia a la madurez y de cómo las decisiones que se toman van conformando nuestro destino en el que el descubrimiento se convierte en el motor central de la obra. Hamaguchi describe episodios y experiencias vitales ante los que es difícil no verse de un modo u otro reflejados (la asunción de las consecuencias de nuestras decisiones, el primer amor, el conflicto familiar...) que a través de la sabia narración de Taniguchi adquieren el carácter de confidencia intima en el marco de un diálogo fluido entre autor y lector. Taniguchi muestra el progresivo cambio de su “alter ego” Hamaguchi sin prisa dejando que poco a poco el trasfondo velado de la historia vaya calando en el lector a mediante la concatenación de los rutinarios episodios banales ordenados aparentemente cronológicamente, prescindiendo de diálogos y cuadros de textos superfluos hasta llegar el episodio final –el reencuentro entre Taniguchi y la hija del dueño de la fábrica de tejidos- que marca el punto de inflexión de los cambios que han ido conformando el carácter del protagonista y demuestra la sabiduría de un autor inteligente y sensible que no precisa apabullar al lector con su talento sino que se limita a sugerir lecciones de vida para aquellos que quieran pararse a meditar sobre ellas. Todo ello, además, estos hechos tienen lugar con el trasfondo de la floreciente industria del manga en el bullicioso Tokyo de finales de los sesenta y el barrio de Shinjuku que también aparece en las novelas de Murakami, autor coetáneo con el que Taniguchi me parece comparte una especial sensibilidad. Pero, sin embargo, a diferencia del pesimismo existencial que impregna la obra de Murakami, Taniguchi muestra un moderado optimismo y fe en la naturaleza humana que se refleja en el tratamiento bondadoso que da a sus personajes, evitando cualquier tipo de doblez.

En definitiva, “Un Zoo en invierno” es una magnífica lectura para comenzar el año y deja, como suele ser habitual, con ganas de más Taniguchi. Esperemos que Ponent Mon no nos haga esperar demasiado.

Otras obras de Jiro Taniguchi en El lector impaciente:

“El almanaque de mi padre”.

Obras de Haruki Murakami en El lector impaciente:

“Tokyo Blues”.

Jean Simmons (1929-2010)

Se murió Jean Simmons, la novia de Espartaco, y uno de los rostros más dulces que ha dado el cine.

D.E.P.

“Hamlet” (!948)



“Angel Face” (1953)



“Ellos y Ellas” (1955)



“Espartaco” (1960)



D.E.P.

“La herencia Valdemar”, de José Luis Alemán.

Vaya por delante que hasta la semana pasada no tenía ni idea de la existencia de esta película. Pero, a raíz de un artículo en “Cine Rama”, descubrí una película con suficientes alicientes como para pagar una entrada por verla. Alicientes que, en otros tiempos no muy lejanos, podrían parecernos ciencia ficción (sí, ya sé que es una película de terror). Que José Luis Alemán haya logrado conseguido sacar adelante una película de terror de generoso presupuesto no subvencionada, dividida en dos partes y con un reparto que involucra a actores importantes dentro del panorama nacional merece mis simpatías y apoyo y espero sinceramente que, más allá de quedarse en la anécdota de un valiente francotirador cinematográfico encuentre el respaldo suficiente en taquilla para que sirva a otros, que tienden más al lloro por la falta de subvenciones -subvenciones que muchas veces dilapidan en bodrios infumables que luego pretenden hacernos pasar por sesudos ejercicios de intelectualidad- que al trabajo ingrato de buscar financiación privada, les sirva de estímulo. Dicho esto, les cuento sobre la película.

A un caserón abandonado en medio del campo, llega una joven y atractiva tasadora. Cuando la empresa para la que trabaja pierde el contacto con la chica, contratan a un detective para que se encargue de su búsqueda acompañado de una misteriosa vampiresa que preside la fundación Valdemar que se encarga de la casa. En el trayecto en tren hacia la casa, la vamp le relata al detective los macabros hechos ocurrido en la casa en el siglo XIX y que podrían explicar la desaparición. ¿Quieren saber más? Yo también pero habrá que esperar a la segunda parte.

Lo malo de las películas que se ruedan de un tirón y luego se estrenan por partes es que pueden generar una expectación que luego no satisfaga el resultado final. No sé si será el caso del ambicioso José Luis Alemán y “La herencia Valdemar” pero lo cierto es que la historia queda en suspenso en un punto en el que todo el artificio construido queda pendiente de una segunda parte que debería apuntillar lo ya visto.

De esta primera parte, destacaría la voluntad del director y guionista de contar una historia de género tal y como le ha dado la gana, más allá de las modas imperantes, haciendo una honrada apologia al cine de terror clásico. Así, Alemán apuesta todo el peso de la película en una historia de “casa encantada” con monstruo incluido (a medio camino el monstruo entre el "Nosferatu" de Murnau y el vampiro de "Salem's Lot") que recuerda y emula en su factura al cine de terror sesentero y setentero, Hammer mediante, un cine que encontraba más allá del efectismo facilón o la calidad de los efectos especiales, en el trabajo y carisma de los actores y la calidad de las historias de las que se partía, sus señas de identidad y han contribuido en convertirlo en objeto de culto. En el caso de la película de Alemán, lo fía todo a este último punto ya que los mejores actores con los que cuenta (Óscar Jaenada, Silvia Abascal, Eusebio Poncela) no tienen demasiado peso específico en esta primera parte centrada en un largo flashback en el que Alemán tira de imaginación para construir una atractiva historia gótica con aires lovecraftianos en la que no tiene prejuicios para mezclar a activistas sufragistas con espritistas, o a Alistair Crowley con Stoker o Lizzi Borden, en lo que es una demostración palpable de amor y conocimiento del género. Sin embargo, a diferencia de las películas de la Hammer y a falta de esa segunda parte en la que confío, la película falla en la labor interpretativa de la pareja protagonista que resultan poco creíbles a pesar de su buena voluntad (sobre todo el italiano Daniele Liotti que no supera su actuación de Felipe “El Hermoso” en la película de Vicente Aranda y tengan en cuenta que en aquella se pasa la mayor parte de la película muerto) aun cuando maravillosos secundarios como Francisco Maestre o el desaparecido Paul Naschy demuestren encontrarse a sus anchas y disfruten como enanos en sus personajes de Crowley y mayordomo.

Alemán tira de recursos desfasados en el actual cine de suspense con eficacia, como una cuidada banda sonora y voces en off para introducir y acompañar el relato de la acción que añadido a la soberbia ambientación y caracterización y unos efectos digitales justificados, hacen de la película un producto entretenido y sorprendente en el panorama cinematográfico español.

En definitiva, creo que “La Herencia Valdemar” es una película entretenida e interesante que encandilará a los aficionados al género fantástico de toda la vida y que a nada que la segunda parte complete y concrete lo visto hasta ahora, está llamada, con los años, a convertirse en una referencia dentro del género en España. Tiempo al tiempo.

Trailer de “Mother”, de Bong Jong-Hoo.

No soy yo muy entusiasta del cine coreano, salvo contadas excepciones, como la de Bong Jong- Hoo (“The Host”, “Memorias de un Asesino”), recientemente premiado en Cannes por su última película “Mother”, en la que parece mantener el buen pulso narrativo que le caracteriza, en una historia de intriga en la que una madre se encuentra en la disyuntiva, cuando su hijo retrasado es acusarlo de un crimen, de crearle una coartada o dejarlo a su suerte. ¿La veremos pronto por aquí? Espero que sí.

“Amadís de Gaula” de Enma Ríos y Ricardo Gómez.

Hay tareas imposibles por muy buena voluntad que se tenga y encargos envenenados que uno es incapaz de rechazar ,aun cuando se sea consciente de los quebraderos de cabeza que le van a ocasionar. Un tebeo que reúne estas características es el que hoy nos ocupa, la adaptación al cómic en un único álbum de apenas 32 páginas de “Amadís de Gaula”, la novela de caballería por excelencia imitada hasta la saciedad dentro del género e inspiración, entre otros, de Cervantes a la hora de escribir “Don Quijote de la Mancha”. Y es que “Amadís de Gaula” más que una única obra tal y como la entendemos hoy en día, es un conjunto de novelas (si la consideramos la primera franquicia de fantasía heroica tampoco iríamos demasiado descaminados, con el permiso de la obra de Homero, claro), la saga que recoge las hazañas del rey Perion de Gaula y su linaje siendo las aventuras más importantes las protagonizadas por Amadís, el hijo perdido del rey.

Ante la dificultad de adaptar fielmente la obra, Ricardo Gómez opta por dividir la historia en dos partes, centrándose primeramente en contar el origen del personaje, narrando los hechos que ocasionaron el azaroso nacimiento de Amadis y su juventud hasta convertirse en el modelo de caballero por excelencia para, en la segunda mitad del álbum, hacer una resumen de las principales aventuras protagonizadas por el héroe y presentar a los principales caballeros y personajes que conforman su universo en lo que es más una guía que un relato elaborado, cumpliendo de este modo en buena medida con el objetivo principal buscado por la editorial SM, dar a conocer la obra en un formato moderno atractivo a un público joven.

Otro acierto de la editorial es optar en el apartado gráfico por Enma Ríos, una dibujante detallista y elegante, de estética inspirada claramente en el manga y el anime, sobre todo en autores como Miyazaki o Kurumeda. Enma Ríos se esfuerza por reforzar el elemento mágico e irreal de una historia plagada de encantadores, brujas, gigantes y caballeros, obviando los elemento sangrientos, medievales y dramáticos de la historia, con lo que su "Amadís de Gaula" está más cercano al cuento de hadas que a las sagas históricas.

En definitiva, “Amadís de Gaula” es un tebeo entretenido que actualiza y adapta la obra clásica, despertando el interés por conocerla en mayor profundidad. De ustedes, depende.

Jacques Martin (1921-2010)

Ha muerto a los 88 años Jacques Martin, el creador de “Alix”.

Este dato que a los aficionados al cómic en España les dirá poco dada la poca fortuna comercial que tuvieron sus series, supone la muerte del último autor clásico de la línea clara de la conocida como “Escuela de Bruselas”. El último que se mantenía con vida de los que trabajaron en “Tintin” en el período inmediatamente posterior a la II Guerra Mundial y se codeócon los Hergé, Jacobs , Cuvelier o Laudy.

Martin fue un magnífico dibujante que dominaba con maestría tanto caricatura como el dibujo realista y fueron precisamente esa habilidad y su amor por la Historia Antigua las que propiciaron la creación de su serie más conocida, “Alix”, de la que ya les comenté aquí.

Aparte de la lóngeva “Alix” y su “spin-off”, “Les voyages d’ Alix”, habría que destacar en su producción series como “Arno”, “Jhen”, “Orion” o “Lefranc”.

Con Martin se va un poquito de la historia del cómic europeo.

D.E.P.

Jeff Smith: “Bone”, el manga y la crisis del tebeo.

P: El cómic está pasando por una crisis de mercado, que no de talento, desde mediados de los 90. ¿Qué se puede hacer para remediar la situación?

JS: El problema es que no hay tebeos para niños. Y la solución no es simplemente hacerlos: tienen que poder comprarse en cualquier sitio. Eso es lo que ha hecho el Manga, inundar el mundo. El manga es cómic –no cartas de Magic o videojuegos-, son libros, y los niños los leen. Es cierto que el éxito de Bone en los EE UU tiene que ver en gran medida con su nueva percepción de que es un tebeo para niños. A los niños les gustan los tebeos: así que tenemos que y dárselos. El manga es un fenómeno de de marketing corporativo, y estoy convencido de que hay empresas en Occidente que estarían interesadas y serían capaces de orquestar una estrategia similar, si quisieran.

(De una entrevista realizada por Clemente Corona al creador de “Bone”. Me quedo con esta respuesta respecto a la crisis del tebeo y, aunque habría que tener en cuenta otros factores, Smith tiene mucha razón en lo que argumenta. Y, ojo a esa coletilla final, “si quisieran” hay empresas en Occidente que podrían hacer más por atraer al mundo del Cómic nuevos lectores. El resto de la entrevista, aquí).

“Black Gas”, de Warren Ellis, Max Fiumara y Ryan Waterhouse.

Tenía en la montaña de pendientes este “Black Gas”, miniserie de seis números reunida en un único tomo con la que Glénat inició hace unos meses la publicación de los cómics de la Editorial Avatar en España. No esperase gran cosa pero si al menos un cómic entretenido en la línea de los otros títulos que Ellis ha publicado en Avatar, sin embargo, me he llevado un buen chasco porque "Black Gas" es el peor tebeo que he leído del inglés en años. Les cuento.

Una parejita de novios universitarios llegan a Smoky Island, la isla donde él se crió para conocer a los padres del chico. No es cosa que el plan les llame mucho porque realmente lo que quieren es meterse mano así que se marchan a una cabañita donde piensan montar su nidito de amor y por el camino él le presenta un curioso personaje que investiga un antiguo misterio acaecido en Smoky Island. Mientras la parejita está dale que te pego en la cabaña, hay un terremoto y del volcán inactivo de la isla surge un ominoso gas negro que avanza en dirección al pueblo. Cuando la parejita regresa, descubren horrorizados que los habitantes del pacífico pueblo se encuentran infectados de una extraña sustancia que ha despertado su lado más oscuro y salvaje, convirtiéndolos en zombis dispuestos a devorar a quien se ponga al alcance de sus colmillos. A partir de este momento, los universitarios guays tendrán que luchar por sus vidas al tiempo que buscan un medio de escape de la isla. Y lo peor es que la brisa ha ido trasladando el gas hacia el continente…

De Ellis, un autor excesivo y con fama de provocador, siempre se pueden esperar obras al menos entretenidas pero en esta ocasión debía estar en horas bajas porque “Black Gas” no es más que una sucesión de topicazos entresacados del subgénero zombi. Ellis se suma al rebufo del “revival” que está teniendo lo zombi en el cómic se marca un tebeo flojucho, una adaptación gore del “The Crazies” de Romero. Además Ellis no se esfuerza en sacar partido de los tópicos que maneja, plagando el tebeo de diálogos huecos y personajes apenas esbozados, notándose que no disfruta del encargo y supliendo su falta de ideas con enormes dosis de casquería.

En el aspecto gráfico, la labor de Max Fiumara que se encarga de los primeros cinco números no pasará a la historia del tebeo, mostrando un dibujo poco fluido con un tratamiento de la figura y expresión humanas que dejan mucho que desear. No sé si por estos motivos no terminó la miniserie haciéndose cargo del último Ryan Waterhouse, un dibujante bastante parecido en cuanto estilo, que no logra que la cosa mejore.

En definitiva, “Black Gas” no es un tebeo que pasará a la historia y supone un borrón en la producción de Warren Ellis, un autor que por su trayectoria hay que exigirle siempre el máximo. Una lástima que el tebeo sea tan malo porque la edición de Glénat es bastante buena. Yo ya les he avisado.

Otras obras de Warren Ellis en El lector impaciente:

“Planetary”
“Planetary: Mundos Cruzados”
“Hellblazer”
“Global Frequency”
“Black Summer”
“Doktor Sleepless 1”

Enrique Alcatena: “Dibujar es un placer que requiere esfuerzo”.

P: ¿Por qué hacés comics? ¿Cuál es la satisfacción que te traen?

Alcatena: Amo a la historieta. La amé desde que la conocí, cuando era pibe. Nunca me planteé hacer otra cosa. Más allá de mis limitaciones como dibujante, la satisfacción que me produce el simple hecho de realizarlas es plena.

P:¿Te preocupa la idea de la trascendencia en tu trabajo, querés alcanzar la fama, la gloria?

Alcatena:Todo artista aspira a que su obra escape al olvido, que no es lo mismo que pretender la fama o la gloria. Además, mañana puede caer un meteorito como el que se cargó a los dinosaurios, ¿y de qué serviría la fama entonces, en un mundo heredado por los bichos bolita? Ya lo dijo Buda: todo es ilusión. Suficiente regocijo hay ya en el trabajo mismo.

P: ¿Qué es para vos el arte?

Alcatena:Exploración y descubrimiento, espíritu e intelecto por una vez en armonía.

P: ¿Cuál es el autor de historietas de afuera, que más te gusta en este momento?

Alcatena:Dejame nombrarte tres: Alan Moore, Tony Millionaire y Jim Woodring.

P: ¿Dibujar es un placer o un esfuerzo?

Alcatena: Es un inmenso placer que requiere esfuerzo. No plantearía uno como opuesto al otro. Y cuando digo esfuerzo, no me refiero a un concepto negativo, sino a la disciplina y dedicación que cualquier práctica artística requiere. ¿De qué serviría hacer las cosas de taquito?

P: ¿Leés mucho comic? ¿De afuera o de acá? ¿Sos de esas personas que necesitan estar siempre actualizadas?

Alcatena: La actualización está sobrevaluada. De vez en cuando descubro algo que me interesa, pero fundamentalmente me gusta lo que siempre me gustó, desde el Detective Marciano de Jack Miller y Joe Certa a toda la obra de Crumb. Sigo leyendo historietas, vengan de donde vengan.

(Extraigo unas cuantas respuestas de la interesante entrevista concedida por Enrique Alcatena y publicada hace algún tiempo en el excelente blog 30 preguntas con señores/as del cómic, que acabo de descubrir y que pueden leer completa aquí. Alcatena se muestra como un tipo sensato, humilde y con las ideas bastante claras sobre su vocación. Si no conocen su trabajo, ¿a qué están esperando? Seguramente que más editoriales españolas se animen a publicarlo y/o reeditarlo).