Mis 15 (50) artistas preferidos (3 y final)

Última lista en la que reúno a mis 50 dibujantes de cómics preferidos por lo que la amplío de las quince anteriores a 20 nombres. Lista maleable por supuesto y de la que han quedado fuera gente con méritos más que suficientes para estar incluidos pero como tampoco le encuentro sentido el alargar en exceso el tema y creo que, más allá de mi ignorancia y mis olvidos, son todos los que están aunque probablemente no estén todos los que son. ¿Se os ocurre algún nombre indispensable para vosotros que no aparezca en alguna de estas listas? (Boucq, Bourgeon, King, Manara, Franzetta, Bea, Golden, Kaluta,Raf, Otomo, etc y etc y etc…).

Los 20 elegidos son:

Enkil Bilal: La belleza fría. Trilogía Nikopol.

Daniel Clowes. La pausa desasosegante. “David Boring” .

Alan Davis. La estilización máxima. “Clan Destine”.

Steve Ditko: El genio encubierto. “Mr. A”

Jaime Hernández: Escapando de la rutina. “La Educación de Hopey Glass”“

Goseki Kojima. El dibujo zen. “El lobo solitario y su cachorro”

Harvey Kurtzman: Cómic total “Little Annie Fanny”

Max: El mesmerismo gráfico. “Bardín el Superrealista”.

David Mazzuchelli: La evolución inconformista. “Batman Año Uno”.

Morris. El humor inteligente. “Lucky Luke”. Frederick Peeters: Contrayendo-expandiendo. “Píldoras Azules”.

Grzegorz Rosinski: La aventura preciosista. “Thorgal”.

E. C. Segar.: La imaginación clásica.“Thimble Theatre”.

Art Spiegelman: Apostillando a los sabios. “Maus”.

Jim Steranko. Emergiendo del inconsciente. “Nick Fury, agente del SHIELD”

Sergio Toppi: La fantasía soñada. “Sahrazad”

Alex Toth: Un genio en las sombras. “El Zorro”.

Vázquez: Creatividad ante todo.”Anacleto, agente secreto”

Barry Windsor Smith: El manierismo hecho tebeo. “Conan el Bárbaro”.

Bernie Wrightson . El maestro absoluto del terror. “Jenifer”


(Ahora a ver si me pongo con la de 15 de guionistas para el domingo. Y es que con esto de la lista no paramos….)

Herb Trimpe, Lobezno y el traje chungo.

P: Vale. Y lo siento, pero tengo que hacer esta pregunta… Lobezno, ¿Qué opinión te merecen aquellos números después de tantos años?

HT: ¿Qué números?

P: Los primeros de…

HT: Ah, vale, los números de Hulk en que aparecía Lobezno por vez primera…el 180 y el 181. a ver, el traje era muy chungo. Pero es era típico en la época. Nadie se esperaba que el personaje fuera a convertirse en lo que se ha convertido pero esas cosas pasan. Nunca sabes lo que va a funcionar. Hay personajes que aparecen en un número o dos y luego desaparecen para siempre.

Otros aparecen, luego se van y velven a salir al cabo de un tiempo. Puede que un malo vuelva al cabo de unos meses y se haga popular y vuelva a salir. En un principio coincebíamos al personaje como un malo de usar y tirar, pero cuando lo convirtieron en miembro de la Patrulla-X adquierió una nueva personalidad y despegó definitivamente. Recuerdo haber hecho un dibujo por encargo para una cosa llamada "Hero Initiative" que se dedica a recaudar fondos para dibujantes que necesitan ayuda. Te dan una portada en blanco…Seguro que lo has visto… Hay un too que recopila versiones de portadas hechas por distintos autores. Yo hice un dibujo de Lobezno con la cara de Hugh Jackman y decía algo así como Y pensar que tuve que ponerme esto… En fin, para mí sigue siendo el mismo personaje. Y hasta él mismo se da cuenta de que hacía el ridículo con aquellas mallas amarillas.

(Extracto de una interesante entrevista al histórico cocreador de Lobezno Herb Trimpe por Jaume Vaquer en el pasado Salón de Áviles y publicada en “Dolmen 169”. Si podéis, echadle un ojo que no tiene desperdicio).

“Jonah Hex 3: Origenes“, de Bernet, Noto, Semeiks, Gray y Palmiotti.

¡Vaya chasco me he llevado con la nueva entrega de la colección de “Jonah Hex” que viene publicando Planeta!. La historia en la que con lápices de Bérnet, Gray y Palmiotti nos contaban el origen del personaje a lo largo de tres números ha resultado ser de lo más flojo de lo que se lleva publicado hasta el momento consecuencia basicamente al flojo nivel de los guionistas.

En “Orígenes”, la historia que se reúne en los números 13 al 15 de la colección regular, Palmiotti y Gray plantean un guión confuso y extraño en el que Hex persigue a los hombres que acabaron con la tribu apache que le adoptó, introduciéndose a modo de flashbacks los momentos culminantes que en el pasado marcaron la evolución del pistolero. Este planteamiento en principio interesante aunque poco original deriva en una historia irregular como consecuencia del absurdo guión de Palmiotti y Gray que, sobre todo en la primera y tercera parte de las tres que la componen resulta completamente descuidado, errático y confuso en la trama que se desarrolla en el presente incorporando a los personajes y desembocando en un desenlace precipitado e increíble. Probablemente los guionistas hubieran necesitado más números para desarrollar todas las ideas que componen el caótico batiburrillo recogido a lo largo de los tres episodios y quisieron abarcar demasiado al contar con la presencia de Bérnet a los lápices durante estos números porque de otro modo no me lo explico…. Por otro lado, en el aspecto gráfico y, más allá que la desastrosa edición de Planeta no esté a la altura del dibujante catalán, hay que reconocer que no nos encontramos ante uno de los mejores trabajos de Bérnet que parece perdido en el guión propuesto por Gray y Palmiotti. Hay buenos momentos, sobre todo en las páginas mudas, centradas en la acción, en las que Bérnet demuestra su calidad pero en otras su dibujo parece un tanto descuidado a la hora de reflejar la anatomía humana y, aun así su labor es lo mejor del volumen, no puedo dejar de considerar el conjunto de la saga decepcionante.

Completan el volumen, otros tres números en los que remonta en algo el nivel de las historias del volumen. En los dos primeros, “La Balada de Tallulah Black” (números 16 y 17 de la edición americana) se nos cuenta el origen de Tallulah Black, una especie de trasunto femenino de Hex a la que este adiestrará para que pueda vengarse de los hombres que la desfiguraron y acabaron con su familia. En estos números, la labor de Gray y Palmiotti resulta más sensata y acorde con el tono general de la serie, contándonos una historia entretenida y correcta en la que Hex ocupa la mayor parte del tiempo un papel secundario, en un guión que complementa la arquetípica historia de venganza introduciendo elementos oníricos. Phil Noto al que ya hemos visto en anteriores entregas se muestra como un buen dibujante aunque está lejos de ser un virtuoso cumpliendo el encargo con oficio.

Finalmente, el último número de los que componen el volumen (el 18 de la edición americana) es el que más me ha gustado. Primero, por contar con una espectacular portada de Bill Sienkiewicz, pero, además, por contar una historia más original (aunque también un tanto confusa) en la que se incorporan ciertos elementos de horror y humor negro. Hex, en esta historia, salva a una damisela en apuros de unos rudos personajes que la persiguen para descubrir finalmente que nada era lo que parecia ser al principio. En este número, el dibujante es el veterano Val Semeiks, un veterano cumplidor al que tenía perdida la pista que realiza en esta ocasión un buen trabajo.

En definitiva, Gray y Palmiotti ante su historia más ambiciosas de “Jonah Hex” dejan en evidencia sus limitaciones a la hora de articular guiones de más de dos números despilfarrando la oportunidad de hacer algo interesante junto a Bérnet. Una verdadera lástima realmente, porque esta serie parece ir de más a menos lastrada, además, por el malísimo papel de la edición de Planeta que desvirtúa su principal atractivo consistente en comparar las distintas versiones del personaje proporcionadas por los distintos dibujantes que pasan por la misma. Si acaso, ya me contáis que os ha parecido.

Más sobre “Jonah Hex” en El lector impaciente:

“El rostro de la violencia”.
“Armas de venganza”.

Nuevo trailer de “Iron Man 2”

Bueno, exactamente, tampoco que es el mismo que vimos hace algún tiempo con un nuevo remontaje con efectos y algunos añadidos que les ha quedado realmente chulo.

Con esta película están tirando la casa por la ventana los de la Paramount. Pero, sin embargo, no son los únicos. ¿Han visto las novedades de Panini de este mes y el que viene? Vamos a tener al cabeza de lata hasta en la sopa…Miedito.

“En carne viva”, de Frank Giroud, Florent Germaine y Rubén Pellejero.

Astiberri ha publicado un integral en el que se recoge el último trabajo de Rubén Pellejero publicado directamente en Francia, “Sécrets- L’ Écorché”. Más allá de lo adecuado o no de la edición que les comentaba el otro día creo que “En Carne Viva” es un cómic modélico en su género, basado en la solidez narrativa y la calidad gráfica de unos autores que cimentan su labor en el conocimiento del medio más que en su condición estelar (aunque reúnan méritos y talento más que suficiente para ello). Les cuento.

En los últimos días de la Comuna de París, un joven oficial salva la vida de una pareja de revolucionarios ante el pelotón de ejecución. Un acontecimiento que marcará tanto la vida de los afectados como la de Tristán Paulin, un joven y talentoso pintor que durante la mayor parte de su vida padece una malformación que le impide hablar y le obliga a llevar la mitad inferior de su cara continuamente embozada. Paulin intenta abrirse camino como pintor en el París bohemio y artista mientras ayuda a sus padres carniceros y padece las consecuencias de su tara, sintiéndose siempre el centro de un secreto que se le escapa. Cuando sus padres aparecen brutalmente asesinados, Tristán irá tirando del hilo del insospechado secreto que le rodea, un secreto del que será víctima y cómplice y marcará toda su vida. Si quieren saber más, ya saben, a leer el tebeo.

“En carne viva” se encuadra dentro de “Sécrets”, el proyecto más ambicioso del guionista Frank Giroud, conocido básicamente en España por “El Decálogo”, en el que, colaborando en cada ciclo con distintos dibujantes, propone historias independientes entre sí cuyo único denominador común es la existencia de un secreto familiar. De las distintas historias que hasta el momento componen “Sécrets” seguramente esta es la más interesante y atractiva tanto por el momento y el lugar en que se encuadra la historia – el París de finales del XIX y principios del XX- como por la lograda caracterización de los personajes en una trama que atrapa al lector desde el primer momento.

Giroud y Germaine logran un justo equilibrio entre el folletín decimonónico a lo Sue y el relato constumbrista a lo Maupassant manteniendo al lector atrapado en la intriga de un secreto que no acaba de desvelarse definitivamente hasta el final del tebeo (a pesar de las pistas que los guionistas van sembrando a lo largo de la historia). En ese sentido, es de destacar que no hayan optado por enfocar la historia en la línea manida de venganzas que hubiera resultado probablemente más comercial y haya planteado un tratamiento más maduro, adulto y ambiguo de los distintos personajes.

Si el guión es destacable, no se queda para nada atrás la labor de un Rubén Pellejero que derrocha sabiduría en cada viñeta y muestra su enorme calidad narrativa y técnica en cada viñeta, reforzando una historia que en manos menos expertas no hubiera alcanzado este nivel de desarrollo. Pellejero aporta claridadpara no perderse en una historia de parentescos que se desarrolla a lo largo de ochenta años a través de una estructura compleja, dejando buena muestra de una excelente labor de documentación en el tratamiento de las localizaciones en las que se desarrolla la historia.

Pellejero logra dotar de una personalidad definida a los distintos personajes que campan por sus páginas algo especialmente complejo en el caso del protagonista, Tristán, que es reflejando constantemente medio embozado. A pesar de contar con esta dificultad, el dibujante logra reflejar a través de la mirada del personaje sus distintas reacciones midiendo hábilmente la incorporación del texto escrito a través del diario y las notas que Tristán utiliza para comunicarse más como un elemento narrativo que como medio para acabar de definir a un personaje muy logrado.

Pellejero, se muestra, como es ya habitual, como un experto en el manejo del color y la perspectiva como elementos narrativos sobre los que sustentar distintos momentos de la historia pero, además, sus acuarelas sobre todo en la reproducción de las pinturas de Tristán como en los fondos de las localizaciones exteriores se vuelve más impresionista quizás en lo que es un homenaje a ese movimiento pictórico. Además, Pellejero utiliza la composición de página como un medio más para reforzar y describir tanto las reacciones de los personajes como para reproducir la sensación de movimiento a través de elegantes recursos.

En definitiva, “En carne viva” es un álbum que nadie debería perderse en el que queda en evidencia la importancia de la labor del dibujante para conseguir que una historia pase de ser un mero entretenimiento a convertirse en toda una obra de arte plagada de recursos. Yo no me la perdería.

Aquí pueden visitar el blog que Pellejero ha abierto dedicado a esta obra.

“Arzak Rhapsody 8”

Nueva entrega del talento de Moebius...

“Hellboy: el hombre retorcido”, de Mike Mignola y Richard Corben.

Los seguidores de Richard Corben tenemos que felicitarnos porque en cosa de poco tiempo han empezado a publicarse en España algunos de sus últimos trabajos. Si hace poco comentábamos de su colaboración en la nueva serie de “Conan” hoy toca hablar de la última historia publicada en "Hellboy", “El hombre retorcido”, miniserie de tres números recopilados en un prestigio por Norma Editorial que cuenta con el creador del personaje, Mike Mignola, en el guión. Les cuento.
En la década de los cincuenta, Hellboy llega en su vagar a un pequeño pueblo de Missouri (¿un guiño al lugar de nacimiento de Corben?) al mismo tiempo que un vagabundo oriundo del lugar regresa tras muchos años para enfrentarse a su destino. El lugar está infectado de brujas que campan a sus anchas y sirven al siniestro Hombre Retorcido, un poderoso demonio dedicado a hacerse con las armas de los incautos que está dispuesto a hacer lo que sea para cobrarse la del muchacho que años atrás se le escapó. Hellboy y su compañero lucharán en una vieja iglesia contra zombis y brujas para erradicar definitivamente al malvado y risueño Hombre Retorcido del lugar y salvar el alma de sus víctimas. ¿Lo lograrán?

“El hombre retorcido” es un excelente tebeo de entretenimiento en el que Mike Mignola demuestra su capacidad como guionista en una historia en la que da un repaso a los mitos del profundo Sur estadounidense sin compicarse demasiado la vida. Hellboy cede protagonismo frente a la soberbia ambientación plasmada por Corben en una historia macabra en la que se concatenan personajes atractivos en su monstruosidad que hipnotizarán al lector en lo que es una renovada puesta en escena del terror gótico decimonónico. Así, las brujas que mudan de piel y montan exhaustos caballos encantados, los cementerios, las Iglesias semiderruidas y los muertos vivientes pueblan unas páginas soberbiamente aprovechadas por Corben para dar rienda suelta a toda su fuerza visual y su tratamiento de las sombras en la recreación de una atmósfera claustrofóbica y agobiante puesta al servicio de una trama sencilla y efectiva pergeñada por un Mignola consciente de contar con un colaborador de altura que no necesita de muletas efectistas para lucirse. Tras “Makoma”, Corben domina perfectamente el particular universo del personaje ideado por Mignola y en estos números ofrece probablemente la que sea la versión más atractiva del Demonio Rojo que haya podido leer en una de las historias que más me ha gustado dejando patente la buena sintonía entre dos grandes artistas.

En resumen, para “El hombre retorcido” Mignola ha silbado una melodía y Corben nos ha compuesto una sinfonía. Si estos dos siguen tan amigos, creo que seguiremos disfrutando de “Hellboy” durante muchos años porque esta historia destila talento puro. Si acaso, ya me contáis que os parece.

“Acantilado Rojo”, de John Woo.

Se me pasaba la reseña de esta película que fui a ver la semana pasada pero es que de lo que no te ha gustado nada a mí me cuesta mucho escribir. No sé vosotros pero la impresión que tuve tras salir del cine –aparte de reprimir un gran bostezo- fue que me habían estafado. Estafado porque, como luego me enteré, en lugar de ver el montaje original fuera de China se ha comercializado una versión “reducida” supuestamente adaptada al gusto occidental. En fin, me parece triste que un director de cine que en otras ocasiones ha dado tantas muestras de afán de perfeccionismo pase por esto –aunque lo hagan muchos ya que las “versiones extendidas” y demás zarandajas de DVD vienen a ser lo mismo-. Aun con esta atenuante, “Acantilado Rojo” ha sido una enorme “bluff” bastante alejado de las expectativas que el trailer me había creado. Les cuento.

“Acantilado Rojo” es la adaptación libre de una serie de relatos medievales chinos en los que se narran mezclando leyenda y realidad el enfrentamiento entre distintos señores de la guerra en la China medieval. Por un lado, el señor del Norte que personifica el villano de la historia y que actuaba legitimado por el Emperador realiza una expedición de castigo para acabar con dos señores del Sur aliados que se oponen a la influencia de aquél sobre el Emperador. Tras distintas escaramuzas la batalla definitiva tiene lugar en el Acantilado Rojo.

Más allá del deficiente montaje que lastra la cinta, John Woo realiza una película anodina y plana, sin demasiado contenido ni interés más allá de las brillantes coreografías de lucha. Woo se queda a medio camino de todo lo que pretende superar, se queda a medio camino de Ang Lee en lo que se refiere al refinamiento y pulcritud de su puesta en escena alejado de la belleza fantástica de las películas de este; se queda a más de medio camino de Kurosawa en el tratamiento épico de la historia y la caracterización de los personajes (debería haberle echado un vistazo más detenido a películas como “Ram” o “Los siete samuráis”, modélicas en esos aspectos); y, lo más triste de todo, no da ni el primer paso en la comparación con productos de mero entretenimiento como “300” o “Troya” que Woo parece querer transponer a la cultura china (y mira que esos dos tampoco eran nada del otro mundo…) con lo que uno sospecha que este ha vuelto a China sin haber aprendido demasiado de la aventura norteamericana.

En definitiva, “Acantilado Rojo” es una película perfectamente prescindible, irregular, mediocre y aburrida como pocas en su infinita sucesión de batallas absurdas. Si sigue en cartelera, prueben con otra.

“Nocilla Dream”, de Agustín Fernández Mallo.

Hay obras que se encuentran en la frontera de los géneros de tal modo que es difícil determinar a cuál pertenecen. A mí que no me pregunten como clasificar “Nocilla Dream”, la primera entrega del llamado Proyecto Nocilla de Agustín Fernández Mallo que ya va por la tercera entrega publicada, y que según la revista “Quimera” es una de las más importantes novelas españolas de la pasada década (mira, estos lo tienen más claro que yo a la hora de la clasificación).

“Nocilla Dream”, a pesar de ser una obra en prosa, tiene mucho de poético en la forma elegida por Fernández Mallo para hilvanar a modo de collage distintos elementos –personajes, imágenes, anécdotas, estudios científicos…- aparentemente inconexos entre sí teniendo como único hilo conductor (que hacen de la obra inaprensible novela, probablemente) unas pocas imágenes y personajes que van apareciendo aquí y ahí sirviendo de argamasa entre unas y otras para que el lector que necesite buscar un significado más allá de los brochazos proporcionados por el autor saque sus propias conclusiones. “Nocilla Dream” requiere (o no) de un esfuerzo interpretativo del lector que debe acercarse a ella no con la indolencia del lector habitual que busca un rato de esparcimiento sino también con la actitud del filósofo que interpreta las pistas que Fernández Mallo ofrece sobre su personal visión del mundo y del hombre. Y, he aquí que el gran mérito del libro frente a otros igual de pretenciosos es que el autor logra su objetivo (al menos en mi caso así ha sido) de implicarme en su juego y jugarlo, disfrutando de un rato de hipnótica lectura e hipnótica reflexión.

Quizás “Nocilla Dream” sea una radiografía de las soledades y las incomunicaciones que vertebran al hombre contemporáneo, un hombre que volcado en la ciencia olvida las verdades sencillas que inaprensibles siempre nos han acompañado desde nuestros orígenes o sea un mejor ejercicio de estilo con el que el autor ha intentado transponer –con éxito, maldito- la belleza poética escondida en la ciencia a la prosa escrita. No lo sé y probablemente sus intenciones deban preguntárselas a Fernández Mallo. Lo que está claro es que es un libro que atrapa y nadie que disfrute de la literatura y se pregunte cuáles son sus fronteras debería dejar de leer. Si lo han hecho, lo hacen o lo harán luego recuerden contarme que les ha parecido. Yo aquí les espero.

“Northlanders 2: La cruz + El martillo”, de Brian Wood y Ryan Kelly.

Nueva entrada de la serie de Vikingos del sello Vertigo que reúne los números 11 a 16 de la serie regular – los números 9 y 10 se incluyen en el tercer tomo en la edición americana--, que recoge un nuevo arco argumental más salvaje y sangriento si cabe que el anterior.

En los territorios conquistados por los vikingos de la Irlanda del siglo XI, asistimos a una mortal caza del hombre en la que un grupo de vikingos capitaneados por el implacable e inteligente Ragnar Ragnarsson persiguen a Magnus, un desquiciado guerrero irlandés dispuesto a derramar sangre vikinga allá por donde pase en un intento de fomentar la rebelión contra el invasor, mientras protege a su hija que viaja con él. ¿Se sublevarán los irlandeses? ¿Atrapará Ragnar a Magnus o el cazador será cazado? Tendrán que leerse el tebeo para averiguarlo.

Entretenido divertimento el que nos ofrecen Brian Wood y Ryan Kelly en este nuevo arco argumental cuyo mayor interés se encuentra en disfrutar de la habilidad gráfica de Kelly un dibujante que me ha sorprendido por su fluidez narrativa y capacidad para plasmar la crueldad y salvajismo de las luchas medievales. Wood escribe un guión bastante flojo y poco creíble en el marco de un hecho histórico real –los sucesivos asentiamientos vikingos en Irlanda desde el siglo IX- que sirve únicamente para permitir que Kelly despliegue todo su arsenal de recursos. Wood parece haberse basado en “El lobo solitario y su cachorro” para establecer la relación entre Magnus y su hija en una historia que no sorprende ni tan siquiera en el giro final resuelto de una manera bastante absurda, dejando una sensación de “ya leído” bastante decepcionante. El enfrentamiento psicológico entre Magnus y Ragnar resulta nulo, siendo este último caracterizado como una especie de Grisson escandinavo cuya relación con el rey de Irlanda al que informa de sus progresos – lo que sirve al tiempo para contextualizar la obra introduciendo como subtrama los preparativos de aquel de la Batalla de Clontarf que supuso el inicio del fin de la ocupación vikinga (lo que por desgracia no se aclara en el cómic ya que hubiera ayudado a reforzar el paralelismo entre ambas)- resulta confusa, tratándole a veces de hermano (¿?) y otras de amigo (¿?). Wood adapta el vocabulario de los personajes a la actualidad y en ocasiones parece olvidarse que está narrando una historia enclavada en un tiempo concreto. De ese modo, la historia queda un tanto contextualizada y uno casi piensa que está releyendo un tebeo de “Conan, El Bárbaro” (que el bueno de Roy Thomas despachaba en menos de veinticuatro páginas) que una historia de vikingos interesantes.

Ryan Kelly, en mi opinión, es el que salva el tebeo. Con un estilo con detalles de Corben y Buscema realiza una estupenda caracterización de los personajes mediante un dibujo de trazo grueso y detallado muy adecuado a una trama que derrocha adrenalina y testosterona, abusando para mi gusto de la mera sucesión de combates y rellenando el álbum con splash page espectaculares sí, pero que no aportan demasiado a una historia inflada en exceso.

En definitiva, “La Cruz + El Martillo” es un tebeo que no pasa de entretenido y hasta cierto punto cuestiona la necesidad de una serie sobre vikingos si no va a indagar en su historia y cultura más allá de convertirla en una mera sucesión de casquería. Ustedes deciden.

Más “Northlanders” en El lector impaciente:

“El retorno de Sven”

Astiberri echa un borrón.

¡ Por Crom, Tutatis y todos los dioses del Cómic! Que la niña bonita de las editoriales españolas ha echado un borrón y a nadie parece importarle. Y es que, señores, publicar “En Carne Viva”, la última obra de ese maravilloso dibujante que es Rubén Pellejero en un formato reducido me parece un gran error, sobre todo cuando el PVP del mismo es de unos respetables 19 Euros, nada económico.

El formato reducido no es una opción ideal para hacer justicia a dibujantes contrastados como Pellejero que tienen un público –reducido, sí- pero fiel, aunque sí que resulta aceptable cuando se trata de publicar obras de autores europeos que en su formato natural probablemente no se venderían. Autores como Leo, Stassen o incluso Swolfs en ediciones integrales como las que Glénat, Dibbuks y Planeta sacan que intuyo tienen buena acogida entre los aficionados. Sin embargo, Astiberri con “En Carne Viva” parece que ha querido adentrarse en este formato y, en mi opinión, ha errado con la elección de la obra escogida y puede haber dañado su imagen asociada a la calidad .

No les hablaré de la obra en su conjunto (esto lo dejamos para la semana que viene) pero estoy seguro que el núcleo de seguidores fieles de Pellejero iban a comprar este álbum tanto por 19 Euros como si les hubiera costado 25 en un formato que hiciera justicia a la calidad del artista pero creo que poca gente se va a atrever a probar con el autor a un precio nada asequible de 19 Euros. De este modo, se sigue condenando a Pellejero a seguir siendo un autor minoritario más valorado en el resto de Europa que aquí Y es que es una lástima disfrutar de Pellejero en un formato reducido que no le hace justicia en comparación con las ediciones de Glénat de sus anteriores obras.

Hasta el mejor maestro hecha de vez en cuando un borrón y en mi opinión Astiberri esta vez se ha equivocado. ¿Y vosotros qué pensáis?

“Arzak Rhapsody 7"

Vuelen en líneas Arzak de la mano de Moebius. Repeitrán viaje, seguro.

¿Este blog merece la pena?

…O al menos eso opinan los amigos Corsariosinrostro y Carlos al alimón. Yo no soy muy amigo de estos anillamientos encubiertos pero como sí que hay un montón de blogs que valen la pena. Ahí van mis diez seleccionados.

Fo Fo Fo

999

El Cuarto Mundo

Un Mundo Peculiar.

Fort Navajo.

El hijo del relojero.

Om y asociados.

Safari Nocturno

La Canción de Tristán.

Tengo boca y no puedo gritar.

A jugar...

Mis 15 artistas preferidos (continuación…)

Bueno, en relación con la anterior lista de quince artistas preferidos, que confeccioné en respuesta a la convocatoria de Mo Sweat, hay que poner esta segunda en la que recojo otros quince artistas imprescindibles. Queda pendiente una tercera lista con veinte nombres que publicaré en breve. ¿Mejores, más influyentes, peores estos que los otros? Para mí, no. Opinad vosotros:

Neal Adams: Apabullante dibujante de comics de superhéroes adelantado a su tiempo en un par de décadas y todo un genio con genio. Deadman.

Enrique Breccia: Por herencia genética fue bendecido con una buena dosis del infinito talento del padre. Alvar Mayor.

John Buscema: El auténtico motor de la Marvel dorada y un magnífico artista capaz de armonizar la épica kirbiana con el respeto a la anatomía humana. Los Vengadores.

Yves Chaland: Extraordinario dibujante belga llamado a llevar la Línea Clara al siglo XXI. Adelantado a su tiempo. Freddy Lombard.

Guido Crepax: Muchos lo han intentado pero pocos han dibujando mujeres tan bellas. Valentina.

Robert Crumb: El mago del “Underground”. Talento desbordante no siempre bien dirigido. El Gato Fritz.

Hal Foster: El clasicismo llevado a su máxima expresión en las manos de un narrador único. Príncipe Valiente.

Víctor de la Fuente. La insatisfacción hecha dibujante de cómic siempre a la búsqueda de originales soluciones gráficas. Haxtur.

Carlos Giménez: El dibujante español más representativo con un talento inigualable para la narración en viñetas. Sabor a Menta.

Hergé: El padre de la Línea Clara y de buena parte del cómic europeo. Hacia fácil lo difícil. Tintin.

Joe Kubert: Leyenda viviente del cómic americano, fundador de una dinastía de talentosos dibujantes, pocos han conseguido igualar su capacidad para impactar mediante el dibujo. Fax from Sarajevo.

José Múñoz: Un maestro del blanco y negro que interpreta como nadie la música en viñetas. Alack Sinner.

George Perez.: La armonía hecha trazo. Wonder Woman.

Albert Uderzo: Muchos le conocen únicamente por “Asterix” pero Uderzo fue un dibujante capaz de dominar todos los estilos y géneros. Umpa-pa.

Wally Wood: La versatilidad que dejó huella allá por donde pasó. Siempre en el sitio justo en el momento adecuado para hacer historia. T.H.U.N.D.E.R. Agents.

Otro día seguimos...