Primer trailer de “Conan, The Barbarian”

Da un poco de pereza, ¿no? Ya lo daba la presentación que vimos hace unos meses pero este trailer lo confirma.

“Cuerpo a Tierra”, de Jacques Tardi y Jean-Patrik Manchette.

Buena parte de la prolífica producción de Jacques Tardi se ha centrado en la adaptación al cómic de algunos de los principales autores del polar francés como Léo Málet o Jean-Patrick Manchette. De una novela de este último, “Balada de la Costa Oeste” es precisamente una de las adaptaciones de Tardi que más me gustan por lo que, cuando Norma Editorial anunció la publicación de “Cuerpo a Tierra”, adaptación de otra novela de Manchette –“La Position du Tireur Couché”-, actualmente descatalogada en España-, empecé a frotarme las manos. Sin embargo, tras su lectura, me temo que “Cuerpo a Tierra” es el tebeo más decepcionante de los que he leído del francés.

Christian es un avezado asesino profesional capaz de solventar cualquier encargo con diligencia y pulcritud. Sin embargo, Martin Terrier, el alter ego de Christian, está asqueado de su trabajo y, tras un último encargo, decide volver al pueblecito donde se crió para reencontrar a su novia de juventud, Alice. Sin embargo, la cosa se lía de mala manera cuando Terrier descubre que ni sus antiguos jefes ni los familiares de una de sus víctimas están dispuestos a dejarle ir tan fácilmente y le siguen los pasos mientras que Alice no quiere saber nada de él y se ha casado con uno de sus viejos amigos.

Sin haber leído la obra original, he de decir que “Cuerpo a Tierra” es uno de los tebeos más embarullados y confusos que he leído del autor francés. Embarullamiento imagino que debe proceder en parte del original (ya se avisa en el prólogo que el mismo Manchette no se tomó demasiado en serio una la novela que calificaba como un mero “ejercicio técnico”) y que lastra la labor de un Tardi que no se nota especialmente inspirado en esta obra. El protagonista, Martin Terrier, émulo de Steve MacQueen, es un mero vehículo para concatenar una serie de peripecias absurdas cuyo objeto no es otro que satirizar las convenciones del género. Y es que Tardi se muestra torpón para trasladar al cómic el marcado carácter paródico e irónico con que Manchette, intuyo, debió escribir la novela y el desarrollo que realiza resulta esquemático y excesivamente literario, yendo la traslación de la historia de más a menos, entorpecido por los largos diálogos de Manchette y abusando en demasía de los “cabezones parlantes” y los cuadros de texto, que en la última parte de la obra se muestran como prácticamente los únicos recursos para acelerar la conclusión de la obra.

En definitiva, ni Manchette ni Tardi parecen demasiado interesados en “Cuerpo a Tierra” y es una lástima porque es una historia de género que, en mi opinión, hubiera ganado con un planteamiento dramático, un tratamiento más serio de los personajes y un mejor acabado siendo el resultado final una obra decepcionante. Y es que todo maestro hecha un borrón de vez en cuando.

“Dreadstar: La Odisea de la Metamorfosis y otras historias”, de Jim Starlin.

Solo los más viejos del lugar recordarán el anterior intento de publicación en España de “La Odisea de la Metamorfosis”. Fue allá por 1982 serializada en la revista “Epic” y los que se hicieron con esos números se quedaron con la miel en los labios de saber como concluía la historia ya que la revista no pasó del tercer número. Para los que conocimos a Dreadstar unos años más tarde a partir de la edición de Forum de la colección regular posterior, “La Odisea de la Metamorfosis” se convirtió en un título legendarios, uno de esos tebeos de los que los enteradillos hablaban y los neófitos ansiábamos leer, aunque finalmente los años pasaron y nunca vimos por los kioscos. Y es que han tenido que pasar la friolera de 28 años para que podamos leer por primera vez “La Odisea de la Metamorfosis” junto al resto de historias que Starlin realizara para Epic Illustrated sobre el personaje –“El Precio”, “Dreadstar” y una pequeña historia de complemento- en una edición digna.

En “La Odisea de la Metamorfosis”, Starlin plasma todo su aprendizaje en el universo cósmico Marvel en series como “El Capitán Marvel” o “Warlock” en una obra de envergadura sin las limitaciones que por aquel entonces –principios de los ochenta- todavía se sufría en el género superheroico. “La Odisea de la Metamorfosis” es una epopeya cósmica en la que se nos narra la destrucción de la Vía Láctea precisamente por su inductor, el trascendente y espiritual orsirosiano Aknaton, quién para evitar que esta caiga en poder de sus rivales, los malvados y materialistas zygoteanos, pergeña un ambicioso plan escondiendo un arma de destrucción masiva –el cuerno del infinito- en un planeta inhóspito como último recurso. Cuando, tras miles de años, los orsirosianos claudican, Aknaton reunirá una compañía con los tres elegidos para hacer funcionar el cuerno junto a su guardián, el díscolo Vanth Dreadstar quien no se mostrará entusiasmado respecto a los planes del cuasidivino Aknaton.

“La Odisea de la Metamorfosis” es un cómic de su tiempo. Un tiempo de Ciencia Ficción imaginativa y espectaculares “Space Opera” a la estela de “Star Wars” y “El Señor de los Anillos” en el que desde “Metal Hurlant”, Europa (bueno, Francia) llevaba la cabecera dentro del género. “La Odisea de la Metamorfosis”, como contenido pensado para “Epic”, la respuesta yanqui a “Metal Harlant”, reúne las mejores y peores características del género, pero Starlin la impregna de una imaginería romántica que ha logrado que haya envejecido mejor que otras obras de similares características. Basada en una estructura serializada es un tebeo arrítmico en el que, en mi opinión, las partes funcionan mejor que el todo y dado su carácter coral la caracterización de los personajes –algunos muy interesantes como ZA- queda en un segundo plano en pos a la grandeza de unos hechos narrados que entroncan con la épica de las grandes historias fantásticas. Gráficamente, el tebeo es una maravilla en la que Starlin despliega toda su imaginación para desarrollar atractivos mundos de fantasía y personajes fatalistas y atormentados al tiempo que experimenta con el tratamiento visual de la historia pasando progresivamente del blanco y negro inicial al color directo.

A mí la historia que me parece más lograda e interesante del volumen y la que mejor ha resistido los años es “El Precio”, en la que Starlin magistralmente sitúa la acción varios miles de años en el futuro respecto a los hechos narrados en “La Odisea de la Metamorfosis” para, a partir del origen del carismático Zyzygy Darcklock exponer el nuevo escenario en el que se van a desarrollar las nuevas aventuras cósmicas de Dreadstar. Starlin en “El Precio” da continuidad a “La Odisea de la Metamorfosis” en una atractiva historia con mayores posibilidades que su limitada precursora. Si en “La Odisea de la Metamorfosis”, Starlin presenta unos personajes con escasa libertad de albedrío, en “El Precio” evolucionan en una línea mucho más interesante resultando más ambiguos y complejos. De este modo, Zyzygy –un émulo de Aznaton- pasa a convertirse en el nuevo mentor de un Dreadstar que intenta llevaba una vida retirada y que procurará por todos los medios evitar que la historia se repita.

En esa interesante línea, completa el volumen “Dreadstar”, la historia que enlaza ya con la serie regular. En esta última historia, Vanth Dreadstar y Zyzygy intentarán poner fin a la enquistada e interesada guerra civil entre la monarquía y la Instrumentalidad al tiempo que Dreadstar lleva a cabo un regicidio para vengar la muerte de sus seres queridos.

En estas dos últimas entregas, Starlin evoluciona progresivamente hacia una narración menos confusa y barroca abandonando el tono grandilocuente de “La Odisea de la Metamorfosis” en pos de la aventura per se, que acabaría de plasmarse en plenitud en los primeros números de la serie regular que, en mi opinión, son los mejores protagonizados por un Dreadstar que asume un mayor protagonismo que en estas historias.
En definitiva, “La Odisea de la Metamorfosis y otras historias” es un tomo que llega quizás demasiado tarde a los aficionados españoles y viene a suplir una importante laguna dentro del mercado español que permitirá a los lectores valorar y reconocer la gran labor de Starlin en la creación, a lo largo de estas historias, de un atractivo universo en el que la Ciencia Ficción y la Fantasía lo nutren por igual. Nunca es tarde si la dicha es buena como se suele decir aunque en la correcta edición de Planeta quizás se eche a faltar únicamente algún artículo introductorio que contextualizase la obra para los nuevos lectores.

Y la mejor muerte superheróica es...

Pues sí, ya tenemos respuesta a la pregunta sobre cuál es la mejor muerte en el género superheroico.

La elegida por la mayoría ha sido la de Rorscharch, de “Watchmen”, con un tercio de los votos (treinta de noventa) seguida a cierta distancia por las del Capitán Marvel –mi preferida- con 21 votos. El tercer puesto ha estado muy disputado por las dos grandes muertes de la Marvel de los ochenta –Elektra y Fénix- con 15 y 14 votos, respectivamente, mientras que la del representante DC, Flash/Barry Allen ha logrado nueve votos por el único voto testimonial de la muerte de Guardián/Vindicator al que habría que añadir otras destacadas en los comentarios de la entrada como la de Lobezno en “Días de Futuro Pasado”, la del Thor de Simonson, El Vigilante, Gwen (sin duda, un momento clave dentro del género)…

Junto a las mencionadas, podríamos haber considerado muchas otras porque la muerte en el género superheroico nunca es el final y es un recurso sobreexplotado en los últimos tiempos y ya no hay personaje que se precie que no haya muerto al menos una vez. Con todo, creo que la elección de la mayoría enmarcada en una obra maestra del género como “Watchmen” es bastante acertada. ¿Qué opináis?

En unos días, una nueva encuesta.

Abriendo La Caja de Pandora.

No, si al final ha tenido que ser el amigo Crowley el que nos ha mostrado que dentro de la dichosa caja no se ocultaban ni males terribles ni esperanzas vanas, sino una nueva revista digital de periodicidad cuatrimestral “sobre cine y otras artes” en la que, a base de ilusión, perseverancia y mucha paciencia, ha logrado enrolarnos a unos cuantos blogueros.

Este primer número, exquisitamente maquetado y con colaboraciones de nivel, gira en torno al tema del Holocausto. Por mi parte, he contribuido con un artículo sobre el tratamiento del mismo en el Cómic norteamericano. Espero que os guste.

La revista la podéis descargar desde aquí.

Ernesto Sabato (1911-2011).

“ ¿Cuándo empezó esto que ahora va a terminar con mi asesinato? Esta feroz lucidez que ahora tengo es como un faro y puedo aprovechar un intesísismo haz hacia vastas regiones de mi memoria: veo caras, ratas en un granero, calles de Buenos Aires o Argel, prostitutas y marineros; muevo el haz y veo cosas más lejanas: una fuente en la estancia, una bochornosa siesta, pájaros y ojos que pincho con un clavo. Tal vez ahí, pero quién sabe: puede ser mucho más atrás, en épocas que ahora no recuerdo, en períodos remotísimos de mi primera infancia. No sé. ¿Qué importa, además?”

Sirva ese párrafo, con el que se inicia el conocido “Informe sobre Ciegos” de “Sobre Héroes y Tumbas”, y estas pocas imágenes de la adaptación que del mismo hiciera el gran Alberto Breccia de homenaje a uno de mis escritores favoritos, Ernesto Sabato. Tres novelas tan solo –“El Túnel”, “Sobre héroes y tumbas” y “Abaddón, el exterminador”- pero tres obras maestras que se engloban en la etapa más fructífera de las letras argentinas.

D.E.P.

“Vicio Propio”, de Thomas Pynchon.

Entre las muchas cualidades que tiene mi vastaga, destaca su excelente gusto literario como ha quedado patente con los regalitos que me hizo por el Día del Padre. Aparte del último Murakami con el que estoy ahora (a los de Facebook, hay que estar más atentos a las pistas), he devorado en poco tiempo la última obra del escurridizo Thomas Pynchon, con la que me lo he pasado muy bien.

En el psicodélico Los Ángeles de los sesenta, Coy Sportello es un detective “sui generis” que pasa en el dulce letargo del fumador compulsivo de marihuana en todas sus variedades. Sin embargo, cuando su antigua novia Shasta, acude para que le ayude a encontrar a su actual amante, el multimillonario especulador inmobiliario Mickey Wolfmann, el bueno de Coy no podrá negarse.

Pynchon en “Vicio Propio” juega con las estructuras clásicas de la novela negra, masca la trama y regurgita una brillante novela en la que disecciona con ironía y mala baba los mitos propios de la cultura popular que han conformado la contradictoria cultura californinana, en un brillante viaje en el tiempo en el que la música, las drogas y el sexo no dejan de estar muy presentes. Coy Sportello es un personaje brillante a medio camino entre el escepticismo desencantado de Marllowe y la ingenuidad astuta de Mrs Marple, pero es solo la punta de un iceberg de una historia en que las variadas tramas se solapan y lían en encuentros y desencuentros absurdos que recuerdan al mejor Vian, cuya sombra puede intuirse entre las muchas y variadas referencias de la caleidoscópica novela de Pynchon. La trama criminal pronto pierde interés porque realmente nunca fue el propósito del escritor que tuviera demasiada importancia, más preocupado en mostrarnos la rica y variada fauna de personajes que rodea y conoce Sportello.

“Vicio Propio” es una estupenda novela dentro de la producción de Pynchon en la que vuelve a mostrarnos su capacidad para ofrecernos la visión más esperpéntica y, quizás por ello más certera, de la cultura americana de los últimos tiempos que, no nos olvidemos para bien o para mal, no deja de ser también un poco la nuestra.

Superman oficialmente ya no es yanqui.

Caspita, parece que en “Action Comics 900”, Superman deja de ser norteamericano y eso ha levantado pupilla entre los amigos del té y sus afines.

Pero, digo yo, ¿este no era de Krypton?... En DC deben estar flotándose las manos con las ventas del tebeito.

Un preview del tebeo, aquí.

Cartel del Cómic Nostrum 2011.

Bonito y original cartel del alemán Hendrik Dorgathen,. creador de “Space Dog”.

Más información sobre el Cómic Nostrum mallorquín, aquí.

“Conan La leyenda: La Hija del Gigante Helado y otras Historias”, de Kurt Busiek y Cary Nord.

Aprovechando la recopilación en tomos que está realizando Planeta de la serie que ya publicara hace pocos años “Conan, La Leyenda”, estoy aprovechando para releerla con calma y disfrutar de buen trabajo de ese extraordinario guionista que es Kurt Busiek.

A mí Busiek, como Archie Goodwin en su momento, me parece un hombre capaz de hacer milagros. Un guionista que sabe dar siempre con la tecla justa de qué tebeos le interesan a sus potenciales lectores. Si Goodwin salvó a Marvel haciéndose con los derechos de los cómics de “Star Wars”, Busiek hizo lo mismo arreglando buena parte de los desaguisados de la Marvel de los “Heroes Reborn” con estupendas etapas en “Los Vengadores” y “Thunderbolts”. Sin embargo, no contento con esto, Busiek dio el triple salto mortal sin red para “resucitar” a un muerto como Conan, exprimido hasta el tuétano durante décadas por la mencionada Marvel, en la colección que nos ocupa para Dark Horse a base de entretenidísimas historias que respetaban la esencia del personaje y nos mostraban sus primeros años y, de paso, realizaba nuevas adaptaciones de buena parte de los relatos originales de Howard.

En este primer volumen, que recoge los siete primeros números de la serie más el prólogo que fue el número 0, Busiek nos muestra a un Conan, joven y soñador, que, tras abandonar su Cimmeria natal, se dirige a la legendaria Hyperbórea, tierra de maravillas situada en la zona más septentrional del mundo hibóreo. Tras ayudar a un grupo de aesires a acabar con las escaramuzas de los vanires en sus tierras y sobrevivir a los encantos de Atali, la hija del gigante helado, Conan y sus aliados aesires son traicionados y enviados como esclavos a una Hyperborea, bastante diferente de lo imaginado por el cimmerio.

Busiek consigue desde este primer arco argumental dar una coherencia a la historia del bárbaro Conan no vista antes en un cómic de este tipo. Mediante la elipsis iniciada en el prólogo bajo la apariencia del relato de una crónica de leyenda que evoca a las mil y una noches, Busiek legitima su versión sin desmerecer a las de las otras fuentes que ya conocíamos –la del mismo Howard, la de Thomas y Marvel…- , otorgándole además a la biografía de Conan una cohesión nunca alcanzada con anterioridad, cuidando cada detalle de la descripción de las localizaciones como a la caracterización de los distintos personajes que van apareciendo para sin contradecir a sus predecesores otorgarle una patina novedosa que engancha tanto a los lectores que desconocen todo de Conan como a aquellos que siguen sus aventuras de antiguo. En este tomo, Busiek presenta una primera aventura de juventud de Conan en la que de algún modo el cimmerio pierde la inocencia tras su encuentro con los terribles y poderosos hiperbóreos al tiempo que no le importa alejarse de la cronología mayoritariamente aceptada de las aventuras howardianas para introducir su versión del maravilloso relato “La hija del gigante helado”.

En el aspecto gráfico, la serie cuenta con el dibujante canadiense Cary Nord que le da un aire moderno y personal sin renunciar por ello a referencias clásicas de la Fantasía Heroica en general, como Frank Frazetta, y Conan en particular, como John Buscema. En estos números, el colorista Dave Stewart aplica directamente el color sobre los lápices de Nord sin entintar, logrando sorprendentes y espectaculares resultados.

“Conan, La Leyenda” es una excelente puerta de entrada al universo howardiano y este primer arco argumental una buena muestra de lo que está por venir. Ya seguiremos contandolo.

Cartel y Programa de La Massana 2011.

Paco Roca está que se sale...Otro espectacular cartel, esta vez autoreferenciado a su “El invierno del dibujante”, para La Massana 2011.

“Consumido”, de Joe Matt.

Ha costado que la esperada última obra de Joe Matt entrara en mi plan de adquisiciones y lecturas, pero finalmente ha acabado entrando. Y es que, de ser una compra segura cuando se anunció, pasó a la categoría de “descartadas”de un plumazo debido a los veinte eurazos con que se desmarcaba Fulgencio Pimentel (eso sí, en una edición más que digna, con un estupendo papel y un gracioso marcapaginas de propina). Sin embargo y, tras barajar varias opciones de autoengaño –Día del Padre, Día del Lector del Cómic, Día de Apoyemos a Joe Matt y a Fulgencio Pimentel…- me pilló en una hora tonta y, preso de mi compulsiva pasión completista, me hice con el tebeo para alegría de mis libreros habituales y consternación de mis recargadas y caóticas estanterías.

Tras consumirlo, ¿merece la pena el desembolso? pues depende. Si nunca has leído un tebeo de Joe Matt, yo buscaría el “Pobre cabrón” de La Cúpula para saber si el particular tono pajillero y autoparódico de este particularísimo autor/personaje/freak puede llegar a gustarte; si ya lo conoces de antes, en “Consumido” encontrarás más de lo mismo, pero, más allá del patetismo un tanto idiota de su cerrado universo, se perciben sutiles matices que te pueden convencer, como en parte me han convencido a mí, que “Consumido” es un tebeo que bajo su aparente ligereza esconde al más inconformista y legítimo heredero del “slice of life” underground del Crumb, de “Mis Problemas con las mujeres”, y el Pekar, de “American Splendor”, por no salirnos del ámbito del Cómic e irnos a tipos tan recomendables como Bukowski o Allen.

“Consumido” se resume en su fantástica portada. El solitario Joe Matt esconde su rostro en la almohada -¿duerme? ¿medita sobre la actividad creativa?¿se hace una paja?...- mientras se estira sobre una cama deshecha rodeado de papeles arrugados - ¿el fruto de su labor creadora?¿la consumación de la paja?- y desperdigados . Si uno no se desanima o no le presta demasiada atención al aviso sobre el contenido, descubrirá entre sus páginas las paranoias patéticas de siempre del autor –su obsesión por el dinero, su obsesión por el porno, su obsesión por su antigua novia, su aislamiento, su pereza-, agravadas por el paso de los años y los fracasos, junto a sus virtudes – la relación con sus amigos, Seth y Chester Brown- y las tiras antiguas, como “Gasoline Alley”de la que posee una completísima colección – mostrado en el consabido registro satírico y cómico.
Sin embargo, más allá de convertirse a sí mismo y su vida en motivo de mofa y escarnio público en una valiente (¿masoquista?,¿suicida?) decisión, Joe Matt se muestra como el “novelista gráfico” más cercano y accesible de su generación, capaz de pasar sin dificultad del humor grueso a la introspección crítica, especialmente respecto a su propia obra –atención al análisis que realiza de sus anteriores trabajos- apoyándose en su capacidad para entablar un constante y brillante monólogo/diálogo con el lector en una vía quizás no tan innovadora y elitista, pero sí mucho más cercana y popular, que la de sus cerebrales e infalibles amiguetes, Seth y Chester.

Precisamente, quizás sea la calculada ingenuidad con la que Matt muestra su humanidad y escarba en sus defectos aprovechando su talento narrativo lo que a mí más enganche de su obra y genere la simpatía del lector, alcanzando en ese caso en “Consumido” un nivel de refinamiento superior que en anteriores trabajos, pero no nos engañemos tampoco ya que cae en la sobrexplotación de situaciones que han perdido parte su capacidad de sorpresa debido a que en su anódina vida (bueno, como en la de la mayoría de nosotros, supongo) tampoco han sucedido nuevs hechos extraordinarios y se encuentra en punto muerto. En fin, me haré a la idea que me he encontrado a un viejo amigo que me ha sableado veinte euros a la espera de futuras e improbables entregas en las que nos cuente novedades como su regreso a Estados Unidos...

María Isbert (1925-2011)

Ayer fallecía la prolífica Maria Isbert a una edad bastante avanzada. Hija y madre de actores no podría citar ningún gran papel de esta gran actriz aunque su producción fue extensa tanto en cine, teatro como en televisión. Sin embargo, el nombre de Maria Isbert que hizo del rol de secundario y la comedia su seña de identidad irá asociado a algunas de las más emblemáticas películas del cine español, como “Viridiana” o “El Verdugo”.

D.E.P.

“Blazing Combat”, de Archie Goodwin y VVAA.

Si tuviera que quedarme con un único cómic de los aparecidos en el reciente Salón del Cómic de Barcelona creo que me quedaría con la recopilación de los cuatro números de “Blazing Combat”, serie bélica publicada por la mítica Warren a mediados de los sesenta que fue censurada por el ejército norteamericano (prohibió su distribución en los cuárteles), criticada por la Liga Americana y boicoteada por la mafia de los distribuidores que por aquella época eran quienes partían el bacalao en Estados Unidos.

Más allá de la lamentable historia que llevó a la cancelación de la serie (explicadas por los mismos Goodwin y Warren en sendas entrevistas de Michael Catron que complementan el volumen), “Blazing Combat” tiene su propio valor intrínseco no solo por las fantásticas historias que se marcó un motivadísimo Archie Goodwin, ambientadas en los principales conflictos en que se vio inmerso el ejército norteamericano a lo largo de su Historia hasta Vietnam, sino, además, por el excepcional plantel de dibujantes que ilustran cada uno de los guiones – los Al Toth, Gene Colan, John Severin, Reed Crandall, Russ Health, Al Williamson, Wally Wood, etc.- que, junto a un grandioso Frank Frazetta que realizó las cuatro portadas de la serie antes de su cancelación, conforman un auténtico “Hall of Fame” del cómic norteamericano.

Más allá de la injusta comparación con las historias bélicas que para las cabeceras bélicas de EC, "Frontline Combat" y "Two-Fisted Tales", realizara y editara Harvey Kurtzman con la mayor parte de esos mismos artistas una década antes (¿para cuándo una edición en castellano en condiciones?), las historias de “Blazing Combat” tienen una entidad propia y muestran a un Goodwin que se afana por mostrar el lado más oscuro de la guerra en historias donde los soldados están alejados de la imagen victoriosa que la propaganda oficial prefería ofrecer, alcanzando quizás su máxima expresión en “Paisaje”, una historia sobre el absurdo de la guerra a través de los ojos de un campesino vietnamita.

Quizás si se hubiera publicado un par de años más tarde la historia de “Blazing Combat” hubiera sido muy distinta pero al ser una obra con una sustrato crítico adelantado a su tiempo queda convertida en una auténtica obra de culto que Norma Editorial ha recuperado en una excelente edición

Nuevo trailer de “X Men: Primera Clase”, de Matthew Vaughn.

Esta peli promete tanto que da miedo ir a verla, ¿verdad?

(He dado estos días permiso a la mayor parte de la tripulación para que baje a tierra a gastarse la paga en vicios varios en los puertos cercanos, he puesto la nave al pairo y la estoy aprovisionando para nuevas aventuras mientras yo mismo me dedico a recuperar fuerzas y ganas que falta hacen.

A partir de mañana se acabó el permiso. Todos los tripulantes embarcados y en perfecto orden de revista que partimos a primera hora a explorar los océanos ignotos de las múltiples lecturas).

Trailer de “El Capitán Trueno y el Santo Grial”.

Creo que se comenta por sí solo. Mamma mia…

A Todd McFarlane le gusta Lizzy Borden.

Todd McFarlane se encargó el año 2000 de realizar la portada del quinto álbum de uno de los grupos señeros de Trash Metal, aunque quizás no tan reconocido como los WASP, Alice Cooper, Judas Priest y demás grupos de este estilo que florecieron en los ochenta, Lizzy Borden.

El disco, en cuestión, era “Deal with the Devil” y tenía canciones curiosonas como “Zanzíbar”. La portada cumple su cometido aunque no me parece de lo mejorcito de McFarlane en su faceta de portadista.

“Así habló Zaratustra”, de Friedrich Nietzsche (el manga).

La editorial Herder se lanza a la piscina de la publicación de cómics con una nueva obra que seguro dará mucho que hablar, “Así habló Zaratustra”. Esta primera obra, que ha sido un manga superventas en Japón, es calificado con astucia comercial desde la editorial como “el primer manga filosófico”. No quiero ser quisquillas, pero si entendemos la filosofía como el amor al saber y la verdad que ha de hacernos más sabios, probablemente en los anteriores mangas de Tezuka, Mizuki o Taniguchi creo que hay bastante filosofía encerrada, aunque más bien creo que la editorial se refiere a que es el primer manga que desarrolla una historia inspirada en la obra de un filósofo, el alemán Friedrich Nietzsche. Así, sí.

En el manga de “Así habló Zaratustra”, se nos cuenta como un pastor y su familia encuentran a un misterioso bebé abandonado al que crían como propio. En una sociedad en la que cada vez es más difícil predicar como consecuencia de la industrialización y la perdida de fe, el pastor tendrá que bregar con la rebeldía de uno de sus hijos, Zaratustra, que se vuelve el principal objetor a su Fe y a la propia existencia de Dios al tiempo que se burla de su hermano, el manso y obediente Álex.

Hace un par de semanas me dio cierta rabia leer un pie de página en el suplemento cultural de cierto diario mayoritario un tono despreciativo hacia esta obra solo por tratarse de un manga sin entrar en valorar el fondo de su crítica. Me parece un poco apresurado y obsoleto desvirtuar el potencial del cómic a la hora de desarrollar y divulgar obras filosóficas como la de Nietzsche en la que bajo la forma de aforismos y metáforas se construye la mayor parte de su discurso. Creo que el cómic y, en este caso el manga, son un instrumento excelente para ello y este manga es un buen punto de partida en ese sentido.

“Así habló Zaratustra”, el manga, es un excelente puente para que los remisos a atreverse a conocer la obra original de Nietzsche le pierdan el miedo ya que la historia que se nos relata toma como punto de partida los principales temas desarrollados por el filósofo alemán en esa obra - la muerte de Dios, el Superhombre, la Voluntad de Poder y el Eterno Retorno- expuestos sobre el armazón de una historia truculenta que no busca profundizar en ellos sino exponerlos de una forma accesible a cualquier lector para que pique más adelante con la obra original. En ese aspecto, creo que el manga cumple sobradamente sus expectativas garantizando un rato de lectura bastante entretenido. Seguro que al iconoclasta Nietzsche le hubiera gustado la combnación.

Premios del XXIX Salón de Barcelona

Os dejo la relación de los premiados en el Salón. Pocas sorpresas y bastantes aciertos dentro de mi quiniela de este año.

GRAN PREMIO DEL SALÓN

(Dotación económica: 6.000 euros)

Jordi Longarón

MEJOR OBRA DE AUTOR ESPAÑOL

(Dotación económica: 3.000 euros)

El invierno del dibujante (Astiberri), de Paco Roca

MEJOR DIBUJO DE AUTOR ESPAÑOL

(Dotación económica: 3.000 euros)

Blacksad 4. El infierno, el silencio (Norma), de Juanjo Guarnido

MEJOR GUIÓN DE AUTOR ESPAÑOL

(Dotación económica: 3.000 euros)

El invierno del dibujante (Astiberri), de Paco Roca

PREMIO JOSEP TOUTAIN AL AUTOR REVELACIÓN

(Dotación económica 3.000 euros)

David Sánchez

MEJOR OBRA EXTRANJERA PUBLICADA EN ESPAÑA

(Sin dotación económica)

Los muertos vivientes (Planeta DeAgostini), de Robert Kirkman y Charlie Adlard

PREMIO A LA MEJOR PELÍCULA BASADA EN UN CÓMIC

(Sin dotación económica)

María y yo, de Félix Fernández de Castro, documental basado en la novela gráfica homónima de Miguel Gallardo.

PREMIO A LA MEJOR LIBRERÍA DE CÓMIC

(El ganador de esta categoría obtiene un stand gratis en la próxima edición)

Madrid Comics

PREMIO A LA DIVULGACIÓN DEL CÓMIC

(Sin dotación económica)

Santiago García

MEJOR FANZINE ESPAÑOL

(Dotación económica 1.200 euros)

El Naufraguito

MEJOR REVISTA ESPAÑOLA DE CÓMIC

(Dotación económica 1.200 euros)

Dolmen

PREMIOS POPULARES

(Sin dotación económica)

MEJOR OBRA DE AUTOR ESPAÑOL

Miguel, 15 años en la calle (Glénat), de Miguel Fuster

MEJOR DIBUJO DE AUTOR ESPAÑOL

Autobiografía no autorizada 3 (Diábolo Ediciones), de Nacho Casanova

MEJOR GUIÓN DE AUTOR ESPAÑOL

Aventura bajo el pirineo (Editorial Cornoque), de Dani Garcia-Nieto

PREMIO AL AUTOR REVELACIÓN

Josema Carrasco

MEJOR OBRA EXTRANJERA PUBLICADA EN ESPAÑA

Asterios Polyp (Sins Entido), de David Mazzucchelli

PREMIO A LA MEJOR PELÍCULA BASADA EN UN COMIC

El Gran Vázquez, de Óscar Aibar

PREMIO A LA DIVULGACIÓN DEL CÓMIC

Juan Royo

MEJOR FANZINE ESPAÑOL

Epilepsia

MEJOR REVISTA ESPAÑOLA DE CÓMIC

Malavida

Bueno, no ha sido una valoración profesional que se haya alejado mucho de mi quiniela.

Enhorabuena a todos los premiados.

“Starman”, de James Robinson y Tony Harris.

He leído despacito los diecisiete números que componen el primer tomo (de seis anunciados) de la recopilación que Planeta está realizando de “Starman”, una de las series más interesantes de los noventa, realizada por James Robinson y Tony Harris. Tengo que confesar que hacía tiempo que no disfrutaba tanto con un tebeo de superhéroes y no me extraña que la serie haya adquirido la consideración de tebeo “de culto” ,consecuencia no solo de su dispersa, incompleta y mínima publicación anterior en España sino también de una incontestable calidad.

Básicamente, “Starman” se centra en explicar como Jack Knight, el hijo pequeño del Starman original, asume progresivamente el legado superheroico de su padre como defensor de la ciudad de Opal City al tiempo que intenta seguir adelante con su vida “normal”. Tampoco os voy a contar mucho más.

“Starman” es un tebeo que sobresale respecto a la media por muchos motivos. Por un lado, por la habilidad con que el guionista británico James Robinson amalgama en pocos números toda la idiosincrasia del Starman de la Golden Age –o las diversas reencarnaciones de Starman siendo más correcto- con una nueva y renovada versión que le permite explorar conceptos interesantes como el deber, la responsabilidad, la confrontación entre lo nuevo y lo viejo o las complejas relaciones familiares en unas tramas inteligentes, imaginativas, cultas y cargadas de humor que dan un lavado de cara a los tópicos del género. Por otro lado, en la frescura y profundidad con que Robinson presenta una galería de personajes realmente atractiva para el lector que, más allá de sus extraordinarias habilidades, derrochan naturalidad y humanidad, gracias en buena parte a unos naturales diálogos no exentos de humor y el carácter coral de la serie, que alcanza su máxima expresión en el arco “Los pecados del Hijo”, protagonizado cada uno de los capítulos por un personaje diferente, que le permite al autor abrir completamente el abanico de posibilidades para contar historias situadas en cualquier tiempo o lugar sin que el peso recaíga necesariamente en el personaje protagonista. Aparte de estos elementos, “Starman” es rico en referencias aprovechando la profesión –una especie de chamarilero- del protagonista principal pero que, además, acaban incorporadas a las mismas de un modo directo como es el caso del universo freak de Todd Browning o al mismísimo Oscar Wilde.

En el aspecto gráfico, Tony Harris realiza una excelente labor, con un trazo quizás menos depurado que en otras series posteriores donde me ha gustado menos, como “Ex Machina”. Harris en "Starman" es menos rígido, lo que dota de mayor expresividad a los personajes al tiempo que acierta con la caracterización de los personajes y las localizaciones con un aire entre retro y gótico bastante logrado que da a la serie una uniformidad característica a la que se adapta Teddy Kristiansen en los episodios en los que suple a Harris.

“Starman”, a pesar de la edición en tomo (que a mí me parece bastante buena), es una serie que gana en una lectura reposada y a ratitos para dejarse llevar por la excelente planificación de un Robinson con bastante libertad para hacer lo que le da la gana, aprovechándose para ofrecernos un tebeo que nunca debería pasar desapercibido frente a mediocridades que no hacen más que repetir fórmulas anquilosadas.