El lector impaciente...

¿El fin de la Cárcel de Papel?

2012-02-02T14:56:00.003+01:00

Comunica Álvaro Pons en una escueta entrada el cierre definitivo de La Cárcel de Papel y su completa desvinculación de la divulgación de los tebeos….Y me deja de piedra.

Espero que finalmente la decisión se atempere y siga de algún modo conectado al mundillo de los tebeos, porque sin duda sus conocimientos y ganas son necesarios, aparte que su labor pionera en La Cárcel de Papel ha servido de inspiración a muchos entre los que me incluyo.

Como la entrada de La Cárcel no permite comentarios, desde aquí, simplemente quiero desearte mucha suerte, Álvaro: ha sido un placer compartir cárcel contigo todos estos años. Hasta cuando tú quieras.

Impacientes Abrazos.

“Nuevos Titanes: Juegos”, de Marv Wolfman y George Pérez.

2012-02-02T11:37:00.013+01:00

ECC Ediciones ha inaugurado a lo grande su andadura como editorial encargada de publicar el material DC en España con la publicación de “Juegos”, el tebeo que suponía el reencuentro del guionista Marv Wolfman y el dibujante George Pérez con los personajes que convirtieron en objeto de culto allá por finales de los ochenta.

“Los Nuevos Titanes” de Pérez y Wolfman fue una serie muy especial y la única DC capaz de hacer en aquella época algo de sombra a una de las épocas más fructíferas de la competencia. Y es que Wolfman y Perez crearon, a contracorriente con lo que era la DC de entonces, unos personajes perfectamente definidos, jóvenes que más allá de superhéroes tenían problemas personales con los que los lectores de la época podían empatizar con facilidad al tiempo que disfrutaban con sus trepidantes aventuras. Señal de la magia especial que tenía la serie, es que cuando el equipo original la abandonó esta derivó hacia una lenta decadencia de la que poco se puede salvar. Por ese motivo, la noticia cíclica de la aparición de “Juegos”, una última aventura de los Titanes realizada por la pareja Wolfman-Pérez se convirtió en el oscuro anhelo de todos los antiguos seguidores de la serie aunque las constantes paralizaciones del proyecto lo acabaron convirtiendo en una especie de quimera. Finalmente, tras casi treinta años, Wolfman y Pérez tuvieron luz verde el año pasado y por fin se publicó “Juegos”, completando la mitad de la historia que ya tenía dibujada Pérez y adaptando el guión mínimamente a los nuevos tiempos.

En “Juegos”, los Titanes han de hacer frente a instancias del enlace del CBI, King Faraday, a los planes de un misterioso terrorista que atiende al nombre de Director del Juego dispuesto a sembrar el terror en Nueva York mediante una cadena de atentados para demostrar la vulnerabilidad de Estados Unidos a un ataque terrorista. Faraday, que ha visto su puesto en el CBI cuestionado por culpa del Amo del Juego, está obsesionado con que los Titanes maten al villano para acabar con la amenaza y, aunque estos se niegan en principio a pesar de las presiones, intentarán frenar los planes del terrorista y sus secuaces en una frenética lucha contra el reloj de la que no saldrán indemnes.

Yo no sé demasiado de patinar ni de baile pero dicen los que saben de esas cosas, que cuando vuelven a reencontrarse las antiguas parejas después de años de alejamiento la vieja magia permanece y continúan bailando y patinando igual o mejor que antes. Algo de eso es aplicable al reencuentro de dos grandes como Wolfman y Perez quienes tras tantos años son capaces de reencontrarse y con unos mínimos retoques proponer una dignísima historia autoconclusiva de los Titanes de siempre. Más allá de la evidente carga nostálgica que supone para el fan el reencuentro con los autores y los personajes, se trata de una historia perfectamente asumible por cualquiera que no tenga conocimientos previos de la serie y los personajes ya que Wolfman y Perez dan escasa importancia al tratamiento de estos para centrarse en la aventura pura y dura, ajenos a continuidades y con lo que con un lapso de veinte años “Juegos” es como si fuese una saga más dentro de la serie regular solo que diferida en el tiempo. Es una pena eso sí que la historia no hubiera aparecido en su momento porque en ese caso seguramente estaríamos hablando de nuevo de la capacidad de los comics de superhéroes de adelantarse a su tiempo y adelantar posibilidades que luego se hacen realidad. A pesar de ello, la historia se lee con muchísimo interés y no obvia las conclusiones que el lector puede sacar en torno a lo peligroso del mundo que vivimos en el que las barreras entre los buenos y malos de verdad cada vez están poco definidas, ofreciendo así a mí entender con todo lo que un buen tebeo de superhéroes ha de ofrecer.

En el aspecto gráfico, Pérez realiza un magnífico trabajo tal y como nos tiene acostumbrados, mostrando su facilidad para reflejar con su estilo clásico y preciosista todo tipo de situaciones sin perder eficacia ni espectacularidad, no notándose las diferencias entre las páginas dibujadas hace veinte años con las nuevas con las que ha completado la historia y ofreciendo algunas páginas realmente espléndidas. El veterano dibujante es uno de los grandes talentos de los que puede presumir el género de superhéroes y tebeos como este no hacen más que refrendarlo.

La edición de ECC es muy buena, incorporando interesante material complementario del que destacó la reproducción del guión original de 1988 en el que Wolfman anota los cambios producidos para su adaptación a los nuevos tiempos.

“Juegos” es un tebeo con un regusto clásico que nos hace preguntarnos una vez más si tan difícil es en la actualidad hacer tebeos de superhéroes inteligentes. Está claro que han de regresar los maestros para demostrar que no.

Al Río (1962-2012).

2012-02-01T14:48:00.001+01:00

Parece que las malas noticias nunca vienen solas y me entero por los chicos de ADLO del fallecimiento a los cincuenta años del dibujante brasileño Al Río, el dibujantes brasileño que junto a Deodato abrió el camino de la industria superheroica estadounidense a los Iván Reis, Gabriel Bá y Fabio Moon posteriores.

Entre sus trabajos más destacados destacan “Grimm Fairy Tales”, “Capitán América”, “WildCats” o las series de “Spiderman”.

Si en algo destacó Río fue en su espectacular dominio de las pin ups, dibujando espectaculares y sensuales versiones de todo tipo de superheroinas y personajes de cuento.

D.E.P.

Sobre el nuevo coleccionable de Panini y como hacer frente a la crisis.

2012-02-01T12:41:00.005+01:00

Ha anunciado Panini para Abril un nuevo coleccionable a poco menos de diez eurillos el ejemplar en el que va a publicar lo más destacado del Universo Ultimate, que se lanzara a bombo y platillo allá por el año 2000 para actualizar y adaptar a los gustos de los nuevos lectores los orígenes y maneras de los personajes de siempre de la Editorial. Una línea a la que contribuyeron algunos de los pesos pesados de la Casa de las Ideas organizado por cabezas pensantes de la talla de Bendis y Millar -también se dio cancha a firmas de prestigio de otros ámbitos como la Literatura de Ciencia Ficción, con Scott Card como estandarte- que se sintieron a sus anchas para poder sin cortapisas como la continuidad jugar con los juguetes nuevos junto a los más molones de los dibujantes de la Editorial, (los Bagley, Andy Kubert, Hitch y demás…). La verdad es que vista la cantidad de experimentos fallidos realizados durante la década anterior que buscaban más o menos lo mismo pocos apostaron porque que este nuevo universo paralelo fuese a cuajar pero, sin embargo, lo hizo, gracias también en parte a que sirvió de base para las adaptaciones cinematográficas que han ido surgiendo en los últimos años.

Dicho esto, creo que Panini ha vuelto a acertar y el nuevo coleccionable será un éxito, más allá de la calidad del material que incorpora en el que hay de todo. Olvidándose ya de BoMes y Absolutes, que no dejan de ser formatos para épocas de vacas gordas y han acabado en su mayor parte saldados, los coleccionables que la misma Panini ha venido promoviendo con las colecciones Líneas Marvel Héroes y Extra Superhéroes han venido a demostrar que para épocas de crisis en las que todos miramos el bolsillo más que nunca apostar por formatos manejables a un precio ajustado con material seleccionado es una baza exitosa. Es cierto que probablemente el marvelita completista ya tenga buena parte de todo ese material ya que prácticamente todo ha aparecido en grapa o cartoné pero este, más incluso que los otros coleccionables de la compañía, está enfocado a captar una nueva generación de lectores que se enganchen a los superhéroes marvel a los que han conocido a través de las adaptaciones cinematográficas y no inicialmente por los tebeos, nuevos lectores que buscan en estos tebeos baratos versiones comíqueras y nuevas aventuras de los héroes de la gran pantalla, con lo que se invertiría definitivamente el hasta ahora orden natural de las cosas y se pondrá otro clavo en el ataúd del formato grapa, que ha quedado reducido al nicho de los gruñones aficionados veteranos. De que el horno no está para muchos bollos y no hay que saturar el mercado con coleccionables, los primeros en darse cuenta son los de la misma editorial que han decidido paralizar Marvel Héroes.

Vaya por delante que yo no he sido nunca muy amigo de la Línea Ultimate pero a esos precios sí que le daré la oportunidad para completar algunas lagunas que tengo en mi colección. Ya os iré contando pero me parece una buena jugada de Julián Clemente y sus muchachos.

Antonio Segura (1947-2012).

2012-01-31T15:17:00.013+01:00

Me entero por Neuras y Paranoias del fallecimiento de Antonio Segura el que sin duda ha sido el guionista español que mejor plasmó historias de Ciencia Ficción en el revival del cómic español de finales de los setenta y principios de los ochenta. Si Abulí era un maestro del negro y Trillo llegó para hacer bien todo tipo de historias que le propusieran, Segura se identificaba como nadie con las historias de género de Ciencia Ficción, tan en boga en aquella época gracias al repunte que el género tuvo en España gracias al cine que nos venía de fuera.

A él se deben títulos tan importantes como “Kraken”, “Hombre” (¡¡ se ha muerto Segura sin ver reeditada esta obra!!…), “Sarvan” u “Orka”. Historias en las que bajo la parafernalia del sexo y la aventura nos mostró el lado más oscuro de la condición humana.

Aunque podría pensarse que Segura se especializó exclusivamente en la Ciencia Ficción, también supo regalarnos un thriller tan atractivo como “Bogey”. Segura, junto a Luis Bermejo, José Ortiz y Jordi Bérnet, hizo historia con unas series que conjugaban excelentes guiones y espectaculares acabados gráficos que las hicieron exportables más allá de nuestras fronteras y permitió a sus autores una cierta proyección internacional.

Tras bajarse de la ola del boyante cómic español con el cierre de esa loable revista que fue “Metropol”, Segura realizó la estupenda serie “Eva Medusa” junto a Ana Miralles, antes de tener que refugiarse en Italia ante la ausencia de trabajo en España, realizando una más que interesante labor como guionista de “Tex”, el clásico western de Bonelli y demostrando de nuevo su talento para afrontar con garantías todo tipo de género.
Aquí una completa entrevista a Antonio Segura.

Antonio Segura hizo del género un arte. D.E.P.

“Los Casacas Azules”, de Cauvin, Salvérius y Lambill.

2012-01-31T13:11:00.012+01:00

Los más viejos del lugar guardarán un buen recuerdo de esta veterana serie ambientada en La Guerra de Secesión Estadounidense de la que en España llegaron a aparecer once álbumes editados por Novaro y Grijalbo a lo largo de los setenta y muchos conocimos posteriormente por su fugaz aparición en la revista “Guai!” en la segunda mitad de los ochenta, para caer en el cajón sin fondo de los tebeos olvidados por los editores españoles. La cosa se quedaría así, si no fuese porque esta serie desconocida actualmente para los jóvenes aficionados en nuestro país, en Francia cumple este año su cuarenta aniversario con una excelente salud, habiendo alcanzado la impensable cifra por estos lares de 55 álbumes publicados.
Creada en 1972 por los belgas Raoul Cauvin, prolífico y popular guionista allende los Pirineos pero semidesconocido en España, que ha escrito y desarrollado todas las entregas publicadas de la serie desde sus inicios, y el dibujante Louis Salvérius, quién realizaría solo seis álbumes del total de la serie -los cuatro primeros más el nueve y el diez- para ser relevado por el también belga Willy Lambil, la serie narra las aventuras y desventuras durante la Guerra Civil Norteamericana de dos soldados de la Unión, el sargento Chesterfield, un soldado tan valiente como bobalicón apegado, y el pragmático y astuto cabo Blutch, dispuesto siempre a solucionar los berenjenales en los que se mete junto a su superior. Enrolados en un regimiento de caballería, Chesterfield y Blutch llevarán a cabo todo tipo de misiones durante la Guerra.

Nacida a la estela del western humorístico del que "Lucky Luke" de Morris es máximo exponente, “Los Casacas Azules” es una más que correcta serie de entretenimiento en la que los guiones van evolucionando de un tratamiento más simple y lineal a tramas más complejas en las que la aventura y la acción se convierten en el motor principal de la serie relegando el gag humorístico a un segundo plano. Cauvin es un guionista que sin grandes innovaciones desarrolla tramas correctas en las que cuida especialmente la documentación histórica y el mantener entretenido el lector dejando el lucimiento para sus dibujantes. En este sentido, la serie salió beneficiada con el cambio de Salvérius por Lambil. Perteneciendo ambos a la escuela belga y fuertemente influidos por Franquin, Salvérius es un dibujante mucho más esquemático frente al más detallista y cuidadoso Lambil que es capaz de dotar de mayor dinamismo y expresividad a los personajes.

“Los Casacas Azules” es una excelente serie de género, ideal para iniciar en el cómic europeo a un lector juvenil pero ameno para aficionados de cualquier edad, a la que en su cuarenta aniversario podría resultar interesante recuperar del ostracismo a alguna editorial española, siendo quizás la opción más interesante editarla en álbumes individuales a un precio ajustado –como hiciera hace años Planeta con otros clásicos francobelgas como “Iznogud” o “Lucky Luke”- o directamente en integrales que recopilasen tres o cuatro álbumes, opción está más complicada al no existir en Francia ninguna reedición todavía de estas características.

Esperemos que alguna editorial patria se anime en esta época tan deprimente y podamos volver, tras casi treinta años, a Chesterfield y Blutch de nuevo cabalgando por nuestras librerías.

“Chagall en Rusia”, de Joann Sfar.

2012-01-30T14:09:00.016+01:00

Uno de los tebeos más fascinantes publicados el año pasado fue “Chagall en Rusia” que 451 Ediciones publicó en un ajustado volumen que reúne los dos álbumes que componen la obra original con una ligera reducción que no afecta demasiado a la reproducción. Se trata de un pintoresco acercamiento realizado por Joann Sfar a la figura de uno de los pintores más influyentes del siglo pasado, el ruso francés Marc Chagall, de la que Joann Sfar se ha valido para volver sobre sus obsesiones de siempre al tiempo que narra, como si de un cuento a lo "Big Fish" se tratase, la primera etapa de la vida del pintor en su Rusia natal antes de su marcha definitiva a Francia.

El joven Chagall es un joven pintor que vive en una pequeña aldea judía en la Rusia revolucionaria. Ajeno a la guerra civil entre comunistas y zaristas, Chagall vive abstraído por su pintura y su amor hacia la hija del rabino con la que planea casarse. Sin embargo, el padre de esta solo permitirá el matrimonio cuando Chagall le demuestre que es capaz de desempeñar un oficio que asegure el futuro de su hija. El pintor, junto a una serie de pintorescos personajes que irá encontrando, se embarcará en la consecución de su objetivo montando una compañía de teatro mientras intenta resolver las tensiones internas entre su pasión por la pintura y el amor a la amada en el marco de una Rusia en guerra que desprecia a los judíos.

Sfar deja volar su portentosa imaginación para construir en torno a la figura de Chagall un cuento simbolista rico en lecturas y humor partiendo de la obra y biografía del pintor ruso, un personaje cuyo origen e inquietudes reflejan importantes puntos en común con los del dibujante francés. Y es que Chagall como Sfar reflejó y exploró en su obra su ascendencia hebraica y, al igual que el francés se ha dedicado además al cine, fue un artista polifacético e inquieto que no solo se dedicó a la pintura sino que probó fortuna en otras artes como el teatro. De este modo, en “Chagall en Rusia” Sfar se siente identificado con el protagonista convirtiendo al pintor en vehículo para reflejar sus propias dilemas vitales. De este modo, los seguidores habituales del francés encontrarán ecos en esta obra de buena parte de su producción previa desde las contradicciones en torno al amor y el Judaísmo, que tan bien reflejara en “El gato del rabino” o “Klezmer”, como la fusión de estilo pictórico y vida para reflejar la biografía de un pintor que ya experimentara con éxito en “Pasquin”. En ese sentido, “Chagall en Rusia” es quizás una obra más lograda que esta última, reflejando mediante ese discurso entre lo onírico y la realidad mejor las complejidades de la personalidad de Chagall que si se hubiera ceñido a un tratamiento más realista de la historia.

Además, esa opción le permite a Sfar desarrollar su propia creatividad, integrando con éxito influencias cubistas y fauvistas junto a referencias directas a la obra de Chagall convertido en sujeto y objeto de su propia obra pictórica, haciendo que los distintos planos de realidad y ficción confluyan en un único discurso narrativo. De este modo, Chagall interactúa con personajes como El violista o el Cristo a los que Sfar caracteriza para acentuar diversos aspectos de la personalidad del pintor, o el personaje de Tam El Carnicero, un golem en el más amplio sentido de la palabra, que se convierte en el opuesto al pintor y que representaría la ortodoxia hebraica de su personalidad.

Sfar utiliza una composición de seis viñetas por página a las que saca el máximo partido, recargado cada viñeta para trasladar en lo posible el universo pictórico de Chagall jugando con la composición y las perspectivas, y aprovechando al máximo el admirable tratamiento del color de Brigitte Findalky quién caracteriza perfectamente con colores más oscuros o claros según requiera la historia los sentimientos del protagonista y su especial visión del mundo.

En definitiva, “Chagall en Rusia” devuelve al cómic a un Sfar en magnífica forma tras sus devaneos cinematográficos. Sin duda, uno de los tebeos más destacables del año pasado.

“Amaníaco: Especial Fin del Mundo” de VVAA.

2012-01-29T10:00:00.000+01:00

La veterana revista humorística de periodicidad trimestral “Amaníaco” llega al número diecinueve de su tercera época con un especial muy oportuno dados los tiempos que corren dedicado al Fin del Mundo.

A partir de ese punto de partida, los distintos autores con los afamados Jan y Kim a la cabeza aportan sonrisas tanto en las distintas series fijas -en la que destacan la surrealista “Doble Cero”, de Vicente Montalbá, autor además de la portada de esta entrega; los “Drift Boys” de Escoda; la parodia superheroica que no deja de ser “La Amparo contratada”, de Kalytos; y los delirantes “Picapolla y Chocholoco” de C.C. Baxter- junto a otras novedosas como “Los Peketrefes”, de Maribel Carod. El conjunto reúne un plantel variopinto que responde a diversas influencias pero con el denominador común de intentar hacer reír con un humor bastante blanco.

Dentro del buen nivel general que muestra la revista y que poco tiene que envidiar a otras publicaciones más veteranas me ha gustado especialmente por su originalidad gráfica la entrega de “Le pasó a un amigo” de Guimo y Andy, y los excelentes chistes de Kap.
En definitiva, “Amaníaco” sigue con su planteamiento de poner al mal tiempo ponerle buena cara y será difícil no pasar entre sus páginas un buen rato. Echadle un ojo o dos.

Ramón Boldú y la pintura.

2012-01-28T19:07:00.003+01:00

M.B: Durante una temporada te dedicaste a la pintura. Quisiste ser artista.

R.B: Sí, me fui a Madrid e hice una exposición, pero el que llevaba la galería tenía Síndrome de Down, literalmente. El problema con las galerías de arte es que realmente no miran lo que haces, si es bueno o no, sino conocer cómo has llegado ahí, qué historia tienes detrás. Cada galería tiene a sus 15 o 16 pintores, se los intercambian entre ellas y de ahí no pasan. Pero yo todo eso no lo sabía, pensaba que con esto de la pintura se podía ganar pasta. Venía del mundo del cómic y manejaba bien la composición. Luego me di cuenta de que todo lo que pintaba ya hacía 50 años que se había hecho. No vendí ni un cuadro. Expuse en Madrid y Valencia, pero no vendí nada de nada.

(El polifacético y gamberro Ramón Boldú en una completa entrevista publicada en el último "Mondo Brutto" da un repaso a su larga trayectoria sin pelos en la lengua. No tiene desperdicio).

“Lex Luthor: Biografía No Autorizada”, de James D. Hudnall y Eduardo Barreto.

2012-01-27T14:13:00.007+01:00

He estado releyendo este curioso tebeo publicado hace ya unos años por Planeta y que es la obra más señalada del recientemente desaparecido dibujante uruguayo Eduardo Barreto. Un tebeo la mar de entretenido que tiene en su contravención de las fórmulas típicas de las historias de “Superman” junto al estupendo dibujo del minusvalorado Barreto sus principales puntos de interés.

Peter Sands, un periodista arruinado y alcohólico, se dedica a investigar a Luthor para escribir un libro biográfico que le arregle la vida. A través de los testimonios de varios testigos se va dando cuenta que ha mordido algo más grande de lo que puede tragar y decide ponerse en contacto con Superman a través de Clark Kent. Cuando el periodista aparece asesinado tras dejar escrito el nombre de Kent, parece que este es el principal culpable del asesinato.

Como decía una curiosa historia esta ambientada en el universo de Superman pero en la que el Hombre de Acero tiene una importancia marginal y en la que el foco de protagonismo Hudnall lo reparte hábilmente en la narración de distintos personajes – Sands, y Clark Kent, principalmente- para construir un más que correcto thriller negro en el que queda magnificada la figura del maquiavélico y malvado Luthor capaz de cualquier cosa para conseguir sus objetivos.

En el aspecto gráfico, Barreto hace un trabajo excelente empleando una narración sobria y eficaz, alejada de todo artificio, ideal para el tipo de historia ideado por Hudnall y destacando en las elegantes transiciones para introducir elipsis en la historia, Barreto deja constancia de la plasticidad y vistosidad de su estilo potenciado por el tratamiento del color empleado por Adam Kubert y su talento para dibujar todo tipo de personajes especialmente en la caracterización de los femeninos.

“Lex Luthor: Biografía No Autorizada” mantiene su vigencia hoy al igual que el día que se publicó gracias a su concisión y respeto por las reglas de un género que no es precisamente el superheroico garantizando sin estridencias un rato entretenido. Resulta agradable leer en estos tiempos en los que los dibujantes pretenden sobresalir por encima de la historia tebeos como este en el que el dibujante se pone al servicio de la misma y que sea esta la que adquiera una mayor dimensión.

Miguel Ángel Martín y Los Cardiacos.

2012-01-26T16:56:00.006+01:00

Si lo más parecido que tenemos en España a un autor de cómic underground es Miguel Ángel Martín es por algo. Ya no solo por sus bizarras creaciones entre las que destacan “Brian the Brain”, “Psichopathia Sexualis” o “The Space Between” si no además por su continuada relación con Subterfuge, probablemente el sello discográfico “independiente” más conocido del panorama musical español relación esta que en algún momento precisará de una entrada más larga que esta y que le pone en la estela de la relación de Burns o los Hernández Bros con sellos como Sub pop.

Pero aparte de esa continuada relación con la empresa de Carlos Galán, Martín ha ilustrado discos para grupos de otras compañías dscográficos como Dro como demuestra este recopilatorio de 1991 de Los Cardiacos titulado “Sus mejores latidos”.

Los Cardiacos, que comparten el mismo origen leonés que Martín y quizás en esta coincidencia se encuentre en parte su elección para la portada, fue uno de los muchos grupos surgidos a finales de los setenta y uno de los primeros en introducir los ritmos ska en España con canciones destacables como “Salid de Noche”, “Fatal Sobredosis” o “Noches de Toison”.

Hay os dejo un video de este grupo en una de sus pocas actuaciones en televisión..

Cartel del III Encuentro con Autores Carmona en Viñetas.

2012-01-25T16:42:00.004+01:00

Me pasan la información y el cartel del III Encuentro con Autores de Cómics que se va a celebrar en la sevillana localidad de Carmona entre el 23 y 26 de Febrero. El cartel realizado por Víctor Manuel García Pedrote dentro de su clasicismo me parece una chulada.

Aquí, podéis informaros de los autores invitados y las actividades programadas.

“Hollywood Jan”, de Bastien Vivès y Michael Salanville.

2012-01-25T08:30:00.000+01:00

Diábolo Ediciones están realizado a lo largo de los últimos años una buena labor acelerando la publicación de la producción pendiente de Bastien Vivés poniéndose prácticamente al día con este “Hollywood Jan” aparecido originalmente en Francia en 2008 y que Vivès realizase junto a Michel Salanville.

Jan es un chaval tímido y acomplejado que empieza un nuevo curso en el instituto. En contraste con su nulidad para las relaciones sociales, Jan tiene una rica vida interior y fantasea con ir acompañado a todos lados con Sylvester Stallone, Russel Crowe y Arnold Schwarzenegger quiénes le dan útiles y sabios consejos para sobrevivir entre la fauna del instituto. Sin embargo, conforme el pequeño Jan va perdiendo el miedo y se va a abriendo a sus nuevos compañeros, a uno de sus antiguos amigos imaginarios no parecen gustarle los cambios en la personalidad de Jan y hará todo lo posible para que las cosas vuelvan a ser como eran antes.

Entretenido y agradable cómic costumbrista el que nos ofrece esta vez Vivès, aunando esfuerzos con Michel Salanville, en el que ya da buenas muestras de su talento para aportar un punto de vista diferente al mundo cotidiano en una historia con un punto de partida tan trillado como el de la inadaptación al entorno social del adolescente retraído pero resuelto con eficacia y originalidad, alejándose del tópico melodramático para apostar por una solución abierta más sencilla y, en principio, optimista.

Organizado a partir de pequeños capítulos que reflejan distintas anécdotas protagonizadas por Jan y sus colegas reales e imaginarios al tiempo que refleja la evolución física y psíquica del protagonista, esta obra se encuentra a medio camino del “Calvin&Hobbes” de Bill Watterson y las crónicas sociales de Barú. Vivés le da en todo momento un aire naif a la historia, aprovechando su dominio del color y los volúmenes para jugar con la anatomía de los personajes y aportar agilidad a la historia mediante el uso de grandes viñetas en las que entremezcla la fantasía y la realidad que para el confundido protagonista viene a ser un todo.

“Hollywood Jan” es un buen punto de partida para acercarse a la obra de este excelente dibujante antes de probar con otras obras en solitario más ambiciosas.

“Drácula” en el teatro Marquina.

2012-01-24T08:30:00.000+01:00

Como fascinado admirador de siempre de todo lo relacionado con el atractivo universo de los chupasangres Nomuertos, no he perdido la oportunidad de ir a ver el nuevo montaje de la temprana adaptación teatral que de la novela de Bram Stoker realizasen Hamilton Deane y John L. Balderston en 1924 y que se viene representando actualmente en el madrileño teatro Marquina

Se trata de un montaje curioso que en su época fue todo un éxito que provocaba el terror, sofocos y desmayos en los patios de butacas entre las gentes de bien cuando interpretaba el papel del conde el bueno de Bela Lugosi antes de dar el salto a la gran pantalla y convertir definitivamente al conde en un icono moderno. Sin embargo, al espectador resabiado actual harto ya de ver vampiros de toda catadura, pelaje y condición le parecerá que este nuevo montaje peca de ingenuidad aunque no se le puede negar buena voluntad y garantizará algún susto que otro.

La obra de Balderston y Deane que Eduardo Bazo y Jorge de Juan han montado remonta y recorta buena parte de la novela original con lo que se pierden algunos de sus mejores momentos, prescindiendo del primer encuentro transilvano de Jonathan Harker con Drácula o el viaje maldito del Deméter para situar directamente la obra en Inglaterra en el momento en el que el profesor Van Helsiing que ha perdido a su hija Lucy víctima de una extraña enfermedad acude al manicomio regido por su amigo el dóctor Sewar para impedir que la hija de este y prometida de Jonathan Harker, Mina, perezca de la misma enfermedad. En la mansión de Seward, Van Helsing conocerá al demente Renfield, un interno obsesionado por devorar animales vivos, y al enigmático conde Drácula, un aristócrata extranjero que vive en la propiedad vecina. Poco a poco el agudo Van Helsing irá atando cabos para descubrir la terrible verdad tras la enfermedad de Mina y su hija.

De la voz de un Emilio Gutierrez Caba en el papel de Van Helsing y narrador interpuesto de la acción – supongo que en un guiño al estilo epistolar del original- se nos sumerge en esta historia clásica que, como digo, a ojos actuales no deja de ser ingenua y sencilla como pocas hasta en los efectos especiales -la aparición del murciélago no deja de ser un guiño ingenuo- que al igual que en la representación del 24 dan un poco de gracia a una representación a la que la cuesta arrancar en su primer tramo hasta que el cuerpo de actores formado por caras conocidas del teatro y la televisión no entra en calor.

Mención aparte merece el Drácula interpretado por Ramón Langa, magnífico doblador que construye un personaje lleno de tics y guiños a los Dráculas anteriores, especialmente al de Murnau y que solventa con su experiencia la ausencia de un físico que se ajuste más al del personaje.

En definitiva, este montaje de “Drácula” no deja de ser una buena ocasión para acercarse al teatro que siempre resulta agradable y disfrutar de un clásico del terror interpretado por un grupo solvente de actores. Si se es aficionado al género, no debería dejarse pasar esa oportunidad.

Entrevista a Émile Bravo en Stripgids traducida.

2012-01-23T08:30:00.006+01:00

Al principio no parece que esté de humor para una entrevista. Émile Bravo viene directo de una sesión de firmas. “Ahora mismo estoy harto”, dice, “¡Coleccionistas. No parecen auténticos lectores. Les ves aparecer de cualquier parte a la caza de un bonito dibujo!. Pero pronto el mal humor se le pasa. Sentado en una tranquila cafetería, con una buena taza de café, rápidamente cambia de humor y cuenta su historia de una manera viva, apoyándose en animados gestos. Es una historia de la que “Mi mamá está en América y ha conocido a Buffalo Bill” ocupa buena parte.

‘Soy amigo de Jean Regnaud, el escritor del libro, desde niño y he trabajado con él muchas veces. Hasta ahora hemos hecho cuatro libros juntos y nunca hemos tenido problemas. Normalmente, nosotros escribiríamos la historia juntos, y después yo dibujaría todo. Y ahí está. “Mi mamá…” fue una historia diferente. Jean vino a verme hace cinco años con el texto bajo el brazo (sonríe). Y, me dijo, “si te gusta, quiero que lo ilustres”.

Leí el texto de “Mi mamá está en América y ha conocido a Buffalo Bill” y me emocionó. Conocía a Jean desde hacia años, y sabía que había perdido a su madre a muy temprana edad. Lo que no sabía era en que circunstancias él descubrió que su madre había muerto… Estaba completamente abrumado por la historia, y no creía que fuese la persona idónea para ilustrarla – eso era por lo que me había emocionado tanto. Conocía a todos en la historia. Al padre de Jean, a su hermano, a sus abuelos. Hasta a la niñera. Era muy duro, emocionalmente hablando. Pero al final Jean logró convencerme, precisamente porque yo era alguien cercano, y los conocía a todos. Pero eso no lo hizo más fácil, siendo honestos’.

P: Dices que ilustraste el libro. ¿Hay alguna diferencia entre la ilustración y tus otros trabajos artísticos?

B: “No, realmente, no. Nosotros no queríamos hacer un cómic tradicional, con una secuencia de viñetas o un número de páginas prefijado. No estaba realmente interesado en seguir las clásicas convenciones para un cómic. Viñetas fijas o no es algo que no podría importarme menos. Crear un cómic para mí es simplemente contar una historia en pocos dibujos. La relación entre el texto y el arte no es tan importante para mí. La historia debe ser narrada a lo largo del texto y el dibujo, sin embargo. Toma el libro de “Spirou” que he creado. Fue una historia con obvias referencias a la gramática de los cómics clásicos infantiles, porque era el formato dominante en los años treinta, cuando Spirou apareció.por primera vez. El rígido formato con tiras secuenciales de viñetas encadenadas separadas es una parte inherente a ese lenguaje.’

“Pero, más allá de aquello, ¿qué hace de un cómic un cómic?. Para mí es muy simple. Un cómic es un conjunto de imágenes y diálogos presentados como un todo. Si no tienes diálogos, el texto funcionará a un nivel puramente narrativo. En el caso de un cómic, el texto está predominantemente limitado a los diálogos. Y el resto debe ser contado, o mostrado, a través de los dibujos”.

Para “Mi mamá está en América y ha conocido a Buffalo Bill” yo utilicé muy conscientemente un número muy limitado de colores para definir el humor de la historia. Cada capítulo con su color predomiante, es un apoyo al mensaje que estoy intentando comunicar. Cuando el pequeño Jean aprende que no está muy lejos, uso un claro, casi agresivo tono de rojo. Pero en el texto no encontrarás patetismo y eso es lo que particularmente me gusta del libro. Puede conmover a sus lectores sin recurrir al melodrama. El pequeño Jean aprende que los adultos le mantienen oculto algo importante. Pero al final esto le permite ser un poco más libre, un poco más independiente, sin el lastre del desconocimiento.

P:” Mi mamá está en América y ha conocido a Buffalo Bill” usas un estilo ingenuo, muy simplificado. ¿Es para atraer la atención de tus lectores más jóvenes?

E:B: Evidentemente. Es una historia tan buena para los niños como para los padres. No hay que equivocarse, que sea una historia cruda o polémica no significa que no esté dirigida a los niños. Sería decepcionante que los padres no dejasen este libro a sus hijos. La obra pretende tender un importante puente entre la mirada infantil del mundo, y el modo en el que sus padres ven las cosas, con toda su experiencia. Puedo asegurarte que a los niños les encanta esta historia. Naturalmente, cada niño es diferente, y cada uno tiene su propia sensibilidad, pero todos lo pillan. Algunos siguen teniendo esperanzas que la madre aparecerá de algún modo (sonríe).

Creo que debería dejárseles acceder a cualquier buen libro, incluso si está fundamentalmente dirigido a adultos. Creo que este es el caso de toda la literatura clásica, los libros que no nos entretienen, pero que también te ayudan a crecer y comprender la vida. Me he impuesto la labor de usar mis cómics para preparar a los niños un poco para cuando ellos crezcan…Como sabes, la gente suele contar cuentos de hadas a los niños, cuentos que a menudo tienen un final particularmente horrible. Esos cuentos tenían una función esencial, advertían a los jóvenes sobre los cambios y los peligros de la vida. Y puedes estar seguro que necesitas prepararte, ahora más que antes. No creo que debas sobreproteger a los niños. Al Contrario, pienso que deberías traumatizarles un poco (ríe a carcajadas). Eso es porque es inmensamente más interesante hablar con los niños que con los adultos. No deberíamos aburrirles con cuentos moralistas. Simplemente deberíamos intentar ayudarles.

P: Déjame adivinar, ese también es el motor de tu serie Une Epatante Avonture de Jules (“Una maravillosa aventura de Jules”).

E:B: Para Jules normalmente empiezo a partir de sucesos que yo percibí cuando era muy pequeño. De algún modo, me di cuenta que todas esos cuentos de hadas no cuadraban, con sus cuentos de bellas princesas y horribles dragones. Estaba interesado en cosas más serias, cosas que podrías llamar cuestiones existenciales. A menudo pensaba sobre la vida y la muerte… Pienso que una de las razones era que mis padres eran bastante mayores cuando nací (risas). Estaba muy asustado que ellos murieran de viejos. ¿Qué pasaría conmigo entonces? ¿Y si morían, dónde irían? Esa eran las cosas que a mí me preocupaban.

Era, y todavía soy, un auténtico soñador, un chico que contemplaría las estrellas durante horas por la noche. Pero al mismo tiempo quiero saber cómo funcionan las cosas, y de qué forma llegaron a ser como son. Muy pronto me di cuenta que los humanos realmente no contamos mucho. La vida se acaba en un suspiro, así que deberías estar seguro que haces lo mejor la mayor parte de las veces. Y eso es lo que intento de algún modo introducir en cada historia (risas).

P: Te gusta situar a tus personajes en momentos claves de la Historia, como a Spirou en 1939 o Alekxis Sgrogonov en 1920. ¿Por qué es eso?

E.B: La gente a menudo tiene la sensación que ellos simplemente se adaptan a las cosas como vienen, con la Historia, pretendo discrepar. Creo que nosotros creamos la historia nosotros mismos. En Journal d’un Ingénu “Diario de un Ingenuo” Spirou, un simple botones, intenta influir en el modo que la historia transcurre a su alrededor. Un botones, una persona que apenas se ocupa de abrirle la puerta a la gente, intenta tener un impacto sobre cosas casi contra su buen conocimiento. Y al final él falla a causa de un estúpido incidente más allá de su control – después de todo, esto es un cómic, un relato, y no un ensayo histórico.

¡Pero la idea persiste! (ilusionado) ¡Si en este momento los políticos intolerantes o racistas – o peor aún, dictadores- son capaces de agarrarse al poder, nosotros como ciudadanos normales tenemos una cierta responsabilidad también! Lo que yo estoy intentando decir es que cada uno de nosotros existe como un ser individual, y que deberíamos actuar al máximo de nuestras propias capacidades. No deberíamos esperar a los héroes para saltar al escenario. Toma Alekxis Strogonov, que vive en el período de entreguerras. Ese periodo es particularmente interesante porque puedes ver como las consecuencias de la I Guerra Mundial incubarían lo que más tarde sería la II Guerra Mundial.

Mi padre fue un fugitivo español, que tuvo que escapar de su país a consecuencia de la Guerra Civil. Cuando era pequeño, a menudo me habló sobre aquel período y sobre qué pasó en el resto de Europa en aquella época. Era un joven soldado republicano que hacia su servicio militar en Barcelona cuando la guerra estalló. Casi fue alistado en el ejército franquista. Mi abuelo fue un oficial del ejército que estaba acuartelado en Zaragoza que se había puesto el bando de Franco al inicio de la guerra.

En su historia, mi padre nunca habló sobre sus acciones heroicas, o los combates – hablaba a menudo sobre sus convicciones políticas, y sobre como la guerra había formado aquella conciencia. Tuvo que escapar a Francia, como muchos otros de sus compartriotas. Así que, casi debo agradecer a la Guerra Civil Española que yo esté aquí ahora (risas). Quizás esa es la razón por la que estoy tan interesado en la historia.

Creo que es muy importante que la gente tenga una buena comprensión del pasado. Lo que me interesa en mis propias historias, como Strogonov pero también Spirou, es el aspecto de los personajes. No deberías hablar de la historia por la historia. La Historia a menudo es un gran revoltijo, algo que nadie es capaz de desliar del todo. Alekxis Strogonov acaba en Berlin y conoce una banda de ultranacionalistas alemanes – ¡ él es ruso! No está realmente claro para él en aquella época lo que aquella banda significa, y de lo que son capaces.

P: ¿Por qué volviste a la Bruselas de entreguerras con Spirou?

E.B: ¡ Porque Spirou es un belga! Y porque Bélgica me fascina. Es un país fantástico. Soy un antinacionalista convencido – Viajo mucho, y encuentro seres humanos en todos los sitios, ni alemanes ni americanos, ni cualquier otra cosa. Todos esas autoproclamadas “culturas” – ¡ No pertenecen a un único pueblo! Todos forman parte de todas las culturas. Las culturas y religiones pertenecen a todos, incluyéndote a ti. Eres un ser humano, lo que te convierte en parte de la humanidad. No veo como puedes reivindicar una cultura propia…Eso es lo que los nacionalismos hacen, reivindican diferentes aspectos de la cultura como propios y a menudos de una manera brutal y violenta. Ellos reivindican la “única” y “verdadera” identidad de un pueblo… Eso es una tontería”.

Los franceses son muy buenos en eso. Ellos te enseñarán aquella historia gloriosa, “la Francia de siempre” y nuestros antepasados, los galos… Pienso que están estafando a la gente, para ser honesto. Si tú aplicas eso a Bélgica, verás un pequeño país que ha sido pisoteado por ejércitos de todas las esquinas del mundo durante siglos. Eso proporciona un humor surrealista y la carencia de un “nacionalismo belga”. Los belgas tienden a no tomarse a sí mismos demasiado en serio, y esa es una cualidad que me gusta mucho. Pero hay siempre cierta gente que intenta beneficiarse políticamente de ciertas insatisfacciones.

Las cosas no tienen esa grandeza en Francia en este momento, sabes. Ellos están recortando en salud y educación. ¿La razón? ¡ Estamos dirígidos por una panda de imbéciles! Tengo una teoría sobre eso. En el pasado la gente estaba entumecida por el hambre y largas jornadas de trabajo. Hoy en día estamos enmudecidos por los medios de comunicación, por la televisión. La televisión podría ser un fantástico medio si nosotros la usáramos para la comunicación y la educación. Ya no somos ciudadanos sino meros consumidores. ¿Cómo esperamos convivir juntos? Todos pensamos solo en nuestro propio beneficio. Me preocupa decir esto, realmente. Pero espero que el simple hecho de hacer libros para niños provoque de algún modo una diferencia. Siempre y cuando los jóvenes empiecen a pensar sobre las cosas que leen, hay esperanza. No hablo sobre armarse y lanzarse a las barricadas. Es usar la televisión de un modo más consciente y cómo dejar de estar asustado.

La gente está asustada de todo. Los libros para niños probablemente no cambiarán eso demasiado pero siempre intento cambiar las expectativas de la gente, y hacerles pensar: las princesas pueden ser increíblemente feas, o un dulce osito puede ser muy cruel, cosas como esas.

P: ¿Qué podemos esperar de ti en el futuro?

E.B.: De momento estoy preparando el próximo libro de Jules, el sexto. Es sobre el fin del mundo. No sobre todos los desastres ecológicos que están vaticinando, sino sobre la condición humana. Probablemente lo usaré para presentar algo de mis propios traumas, cosas como la posesión, el beneficio, la organización de la sociedad, la carrera de locos institucionalizada… Cuando voy a escuelas y hablo a los alumnos, comprenden de lo que estoy hablando muy bien. Esa es una de las grandes ventajas de series como Jules: hace el diálogo intergeneracional posible. Los chicos preguntan a sus padres o abuelos qué es el universo, o Dios, o en que ocupan el tiempo… Cuando hablo a los chicos en clase siempre empiezo con la misma pregunta, la pregunta que debería ser planteada una y otra vez “¿Quién soy yo?” Esa pregunta cambia tu punto de vista, y todas las cosas se vuelven más relativa. Quiero lograr que la gente piense y hable. Cuando consigo eso, soy un dibujante feliz.

(Por su posible interés para los aficionados españoles, he traducido esta completa entrevista realizada a Émile Bravo por Roel Drenen para la revista belga Stripgids y que fue publicada en inglés hace unos meses aquí).

Daniel Clowes y The Supersuckers.

2012-01-21T09:00:00.001+01:00

Pues con lo divertidas que se están poniendo las cosas últimamente, me apetecía comentar ya este clásico del punk rock que es “The Smoke of Hell” de la autoproclamada más grande banda de rock and roll del mundo, según su página de la wikipedia, The Supersuckers, amigos de interpretar un original punk de raíces countries.

“The Smoke of Hell” es el primer LP del grupo, aparecido en 1992, en el sello Sub Pop contando con una magnífica portada de un joven Daniel Clowes que empezaba a hacerse notar con colaboraciones para distintos grupos..

Os dejo con el video de la excelente “Coattail Rider” para que empecéis con energía el sábado:

“Magasin Général: Marie”, de Loisel y Tripp.

2012-01-20T08:30:00.000+01:00

Anuncian desde Norma Editorial que a lo largo del 2012 le van a dar vidilla a esta serie y, de hecho, ya debe estar a caer el sexto álbum. Yo para no ser menos que la editorial le voy a ir dedicando una serie de entradas a los distintos álbumes a ver si nos da tiempo a ponernos al día antes de ese séptimo álbum programado para el último trimestre del año.

La historia se inicia cuando en un pequeño y aislado villorrio del Québec canadiense de mediados del siglo pasado la esposa del tendero –la Marie del título- debe hacerse cargo de la tienda cuando su esposo muere.

Escrito y dibujado a cuatro manos tan competentes como las de Jean-Louise Tripp y Régis Loisel, compañeros de estudio y amigos, en este primer álbum a través del diálogo interior del difunto tendero– un recurso muy faulkneriano aunque por la misma época en las “Mujeres Desesperadas” también utilizaban una narradora difunta– y una elegante elipsis se nos presenta las pequeñas mil y una anécdotas, costumbres y secretos de los habitantes del pueblo a los que van presentando ordenada y detalladamente para que quedé constancia que el protagonismo no recae en ningún habitante especialmente sino en ese todo orgánico y vivo que es todo pequeño pueblo, sin que ocurra ningún hecho extraordinario que epate al lector más allá de la minuciosa y amable descripción del lento trascurrir de la vida y no ocultos coqueteos con el Realismo Mágico a lo García Márquez o el “Pequeño Mundo” de Guareschi reformulados al lenguaje del cómic con el primoroso encanto propio del estilo detallista y personal de unos inspirados Loisel y Tripp.

Ese equilibrio entre costumbrismo bucólico y fantasía idealizada, no dejará de atrapar al lector que no podrá dejar de asomarse como un voyeur fascinado a las pequeñas intrahistorias de los lugareños -perfectamente caracterizados por dos artistas tan dotados como son Losiel y Tripp quiénes al parecer resultan ser bastante complementarios encargándose Loisel del planteamiento de la historia y su esbozo a lápiz y Tripp del acabado- mientras espera ese giro dramático que rompa tanta armonía aparente.

“Marie” es en su aparente sencillez un álbum fascinante y cautivador y un magnífico punto de partida a una historia en la que todo está por descubrirse. Ya os lo seguiré contando otro día.

“Long John Silver: El Laberinto Esmeralda”, de Lauffray y Dorison.

2012-01-19T11:17:00.015+01:00

Tercera entrega de las nuevas aventuras del inmortal pirata de Stevenson Long John Silver de la mano de los competentes Xavier Dorison y Laurent Lauffray. Un álbum editado por Norma Editorial gráficamente impecable pero que argumentalmente deja bastante que desear al no pasar nada especialmente reseñable tras las dos entretenidas entregas anteriores y limitándose a preparar el terreno para la conclusión que tendrá lugar en un cuarto álbum que se está demorando demasiado (aquí y en Francia).

Tras hacerse con el Neptune, Silver y los amotinados se dirigen a la ciudad de donde esperan hacerse con el tesoro perdido de Guayanacapac. Sin embargo, el mapa se ha perdido y solo cuentan para llegar a su destino con la guía del poco fiable Moc. En un ambiente enrarecido por las disensiones internas, los piratas se adentran en los meandros del Amazonas a través de un paso secreto y descubren lo que queda del barco de Lord Hastings y los primeros indicios de la ciudad perdida cuando misteriosamente empiezan a desaparecer miembros de la tripulación.

Como decía, lo cierto es que a este correcto álbum le falta algún elemento impactante que llame la atención. Dorison se limita a desarrollar dignamente las incidencias del viaje de los amotinados hacia la Ciudad Perdida, reflejar la tensión que crece entre la tripulación y el ambiente que les rodea dejando todo preparadito para desvelar todos los misterios en el álbum que cerrará la serie, siendo lo más atractivo de este tercer álbum el tratamiento de los personajes, ahondando en las personalidades de dos de los principales protagonistas, los ambiguos Long John y Vivien Hastings.Mucho más destacable es el apartado gráfico en el que Lauffray sigue brillando a gran nivel y convirtiendo cada viñeta en un deleite para los sentidos. Si ya habíamos comprobado su virtuosismo no exento de modernidad para describir distintos ambientes de época urbanos en el primer álbum y eminentemente marinos en el segundo, en este tercero se recrea con los magníficos paisajes selváticos y los manglares por los que avanza el Neptune y las colosales figuras de la civilización perdida. Lauffray se encarga de documentarse hasta el último detalle y el poder evocador de sus dibujos enorme sin descuidar por ello la fluidez de la narración.

"El laberinto esmeralda” cumple su función sobradamente que es dejar al lector con ganas de saber qué va a pasar a continuación y comprobar como los autores concluirán esta más que correcta aventura de piratas en la que nos han embarcado. Esperemos que a lo largo de este año podamos descubrirlo.

“Cage”, de Richard Corben y Brian Azzarello.

2012-01-18T09:00:00.000+01:00

Ha reeditado Panini en un tomo muy chulo la miniserie de cinco grapas del sello MAX que ya publicase hace unos añitos Planeta en la que Azzarello y Corben remozaron a Luke Cage, que pasó de ser el clon de Cassius Clay imaginado por papá Romita y Archie Goodwin a un pandillero metemiedos salido de “Los Chicos del Barrio” que Bendis convirtió a partir de entonces en uno de sus juguetes favoritos. Mas allá de lo que guste o no esa evolución del personaje, esta miniserie sirvió para reencontrarnos con el mejor Corben tras la desconcertante “Banner” en el que es probablemente su mejor trabajo junto a Brian Azzarello para Marvel.
La historia es bastante tópica. La madre de una chica víctima de un tiroteo entre bandas rivales alquila los servicios de Cage por cuatro cuartos para descubra quién mató a su hijita. Cage, que acepta el encargo por sus propios motivos, descubrirá que tras la guerra de bandas hay intereses ocultos de los que puede sacar buena tajada por lo que se pone a la labor.La trama de Azzarello va de más a menos en una historia y un personaje recreados a su gusto. Se nota que ha visto y leído mucha producción de la Blaxpotation y se conoce sus códigos a la perfección pero, precisamente por ello, debería haber resuelto mejor una historia de pandilleros y mafiosos que se antoja de lo más sencillita y a la que aporta unos magníficos diálogos marca de la casa, gustándose durante buena parte de la historia para acabarla de cualquier manera, dejando todo el protagonismo y peso de la historia a su dibujante.
Y precisamente el que realiza un encomiable trabajo es Corben que quizás sin la presión de la responsabilidad de versionar un personaje tan icónico como es La Masa redefine al nuevo Cage a la perfección. Corben retrata al renovado y chulesco Cage con acierto, jugando constantemente con la imagen deformada que devuelve en el espejo un personaje con más capas de lo que aparenta y lo sitúa en un entorno suburbial deprimido soberbiamente descrito que lo magnifica todavía más. Además, Corben juega y cuida al detalle los personajes secundarios caracterizándolos con brillantez y clavando especialmente al pandillero albino. Lo demás, pues acción, violencia y chicas monas en un tono blaxplotation que Corben refleja y ambienta con el talento que nos tiene acostumbrados desde hace casi cuarenta años y con un José Villarrubia que le entiende y magnífica como nadie.
“Cage” es un tebeo con más continente que contenido, visualmente impactante y con una historia que va quedándose cada vez en menos para acabar siendo una mera anécdota. Con todo, entretenido e indispensable para los admiradores del muchachote de Misuri. Que nos dure muchos años.

“En la cocina con Alain Passard”, de Christophe Blain.

2012-01-17T12:34:00.012+01:00

Los que conocéis el blog de antiguo ya sabéis que Christophe Blain es una de mis debilidades y es ver un nuevo trabajo del francés y apostar casi sobre seguro que me va a gustar. Sin embargo, con este álbum publicado por Astiberri a finales de 2011 tengo que reconocer que mi fe en las capacidades de Blain flaqueó y es que a mí lo de las artes culinarias me gusta más disfrutarlas (vaya, como los cómics, por otro lado) que elaborarlas. Así que, como no las tenía todas conmigo, me he dedicado a regalarlo porque parecía un tebeo idóneo para regalar y de paso sondear al personal. Primero, a un amigo que de cocina anda tan pez como yo pero que le gustan los cómics, en general y Blain, en particular; y, segundo a la señora -o señorita- que me aguanta, que aparte de dársele bien la cocina le gusta coleccionar libros sobre este tema (sí, en nuestro palacio somos coleccionistas compulsivos de las cosas más peregrinas). No os contaré si triunfé o no con los regalos pero lo que sí os voy a contar es que por mi impaciencia no esperé las opiniones de ambos y ya me he leído el cómic. Mi flaqueza carecía de fundamento…“En la colina con Alain Passard” certifica -si existía alguna duda- que Blain es uno de los mayores talentos actuales del cómic europeo, un mago capaz transformar el tema más insustancial en un cómic entretenido de nivel con mucho que degustar.

“En la cocina con Alain Passard”, nos narra sus experiencia y conversaciones a lo largo de tres años con el Alain Passard del título, un chef de gran prestigio en Francia, que abrió su cocina y restaurante a Blain para explicarle el secreto de sus recetas y su filosofía de la cocina como un arte en el que tanto cuenta el sabor de los platos como su presentación. Entre platos y fogones, Passard diserta ante un atónito Blain sobre los platos y las calidades de los ingredientes, los clientes y sus ayudantes, mientras elabora curiosos platos para el disfrute del dibujante.

Más allá de su temática, este es un cómic interesante porque resume bastante bien lo que ha sido la evolución de Blain en los últimos años y muestra el potencial del medio para acometer con más eficacia que otros a los que estamos más habituados cualquier temática. Escapando de la rigidez de los géneros, Blain acomete un álbum que es reportaje y crónica culinaria al tiempo que describe con agudeza la carismática personalidad de Passard a través de los distintos puntos de vista de personas/personajes (él mismo incluido) que conviven y trabajan con el cocinero.

Como decía, el álbum resume la evolución de Blain en estos últimos años hacia un dibujo más esquemático y directo que se centra en lo esencial y alejado cada vez más de unas temáticas de género que solo le han interesado como medio para colocar sus propias historias y personajes. Como en los últimos “Gus” y “Quay D’Orsay” organiza la historia en capítulos que cuentan pequeñas historias que encajan en un todo orgánico y se centra especialmente en el desarrollo de los personajes, prescindiendo de la viñeta tradicional y utilizando únicamente la blancura del papel como separación entre unos dibujos y otros, un recurso que en los lápices de cualquier otro menos dotado podría provocar confusión en el lector pero en los de Blain permite que la narración gane en fluidez y ritmo para que el lector se sienta como un asistente más de las lecciones magistrales de Passard.

Para captar la agitación y bullicio de la cocina, Blain obvia unos fondos detallados y lo resuelve con unos cuantos trazos aparentemente descuidados situando aquí y allá siluetas esbozadas pero precisas que refuerzan la atención hacia los personajes que le interesan, usando para ello como un elemento narrativo, y no solo descriptivo, más el color o la forma de los bocadillos de diálogo. En ese sentido, el color solo aparece de un modo generalizado en los capítulos en los que explica sus experiencias en las granjas donde se siembran las verduras que usa Passard para sus platos que se desarrollan al aire libre o describir el mundo interior de Blain y las reacciones que le provocan los platos de Passard. Por otro lado, el autor caricaturiza al Blain personaje, convirtiéndose a sí mismo en una especie de sidekick chusco y ajeno al universo del chef dispuesto a maravillarse ante todo lo que rodea a su protagonista.

En definitiva, “En la cocina con Alain Passard” es más que un mero libro sobre un cocinero, es un diálogo abierto entre dos experiencias culturales tan ajenas como la cocina y el cómic que solo un autor del talento y la madurez que ha alcanzado Blain sería capaz de acometer con éxito. Al menos los admiradores del dibujante francés, deberían darle una oportunidad, aunque recomiendo para quién quiera probar algunas de las recetas intercaladas en el cómic dejar su lectura para el final. Es más divertido -¡¡¡y claro!!!- seguir las explicaciones de Blain.

“Drive”, de Nicolas Winding Refn.

2012-01-16T13:11:00.005+01:00

El otro día aprovechando que en casa se organizaba un evento lúdico festivo femenino retomé antiguas costumbres y volví tras unos cuantos meses a pisar un cine. Iba con la ilusión de que la experiencia fuese redonda y ver una peli que me gustase por lo que me decanté por esta “Drive” de la que había oído buenas palabras y aparte venía avalada por distintos premios y nominaciones en certámenes y concursos glamourosos. Bueno, tras el visionado, si esta ha sido una de las mejores películas del 2011 creo que el nivel ha estado más bajo de lo que pensaba. Os cuento.

“Drive” es la historia de un mecánico y especialista de escenas de acción en Los Ángeles que se hace un dinerillo extra conduciendo en la fuga de los atracos en los que le contratan. El tipo tiene un código rígido, no va armado, solo conduce, no hace preguntas, cobra y se va…La cosa le va más o menos bien hasta que conoce a la vecinita rubia con niño que con unos mohines y ojitos tiernos se lo mete en el bolsillo. La cosa amorosa promete para nuestro frío conductor hasta que regresa el marido de la vecina, un exconvicto que pretende mantenerse limpio hasta que aparecen sus antiguos compañeros de trullo para recordarle que les debe un último trabajito. Por la vecina, su churrumbel y el amor, nuestro romántico protagonista, que tiene su corazoncito aunque vaya de duro, accede a ayudar al marido y rompe su código para meterse de lleno en un lío de tres pares de narices con unos mafiosos que no se andan con chiquitas. Si queréis saber más a ver la peli.

A partir de la base literaria de una novela de James Sallis que no he leído,“Drive” revisita un tema recurrente y clásico del género negro desde un punto de partida más o menos original a priori que sería el del conductor de los atracos para abandonarlo a las primeras de cambio para acabar desarrollando una historia de las de siempre que va de más a menos. Esto que en principio puede augurar una película de acción trepidante en plan blockbuster palomitero, trepidante y molón a lo “A todo gas” y continuaciones es resuelto por el danés Nicolas Winding Refn con un ejercicio de estilo antitético, sobrio y contenido que queda bastante raruno y no me ha acabado de convecer, una cosa a medio camino entre Jim Jarmusch e Ingmar Bergman lleno de huecos para que el espectador inteligente los rellene y que podría haber funcionado mejor si le hubiera metido algo más de velocidad.

A pesar de ello, la peli se deja ver aun cuando llegue a resultar un tanto irritante las constantes contradicciones en las que va cayendo el protagonista en su comportamiento (esto puede ser culpa de la novela por lo que tengo curiosidad en leerla, así que a lo mejor la comento por aquí) hasta el irritante y absurdo final. Shanne –ah, no que no es “Raíces profundas”-, bueno, el que hace de conductor hierático es el papel más complicado y sobre el que recae todo el peso de la peli, un personaje imposible interpretado por un Ryan Gosling taciturno que a pesar de querer pasar por un joven de Niro de “Taxi Driver” tiene más aire de joven Sean Penn despistado, siendo realmente el trío de estupendos veteranos Perlman-Brooks-Cranston los que dan más empaque a la historia frente a los actores jóvenes.

En fin, “Drive” es una película normalita y creo que no da para tanto como se ha comentado pero que cada cuál saque sus conclusiones. Ya me contáis si eso.

Ángel Menéndez Menéndez, “Kalikatres” (1923-2012).

2012-01-15T12:00:00.000+01:00

En varios medios confirman el fallecimiento el pasado día 12 de Ángel Menéndez quién creara el popular personaje de Kalikatres publicado en “La Codorniz” que acabó siendo su firma artística.

Kalikatres era un filósofo egipcio que respondía con fina ironía las preguntas más variopintas que le formulaban. Menéndez poseía un estilo esquemático, preciso y rápido y sus chistes fueron recopilados en los noventa en un libro titulado "¡Oh!, Kalikatres sapientísimo".

Aparte de en “La Codorniz”, Menéndez publicó en otras publicaciones como “El País Semanal”, la “Golondriz” “Informaciones”, “Garbo”, “7 Fechas”, “Arriba”, “Balalaika”.

Aparte de su labor como humorista gráfico, Menéndez también hizo sus pinitos como dramaturgo escribiendo y estrenando una obra “La Cárcel de Fedro”.

D.E.P.

Throwing Muses y Gilbert Beto Hernández.

2012-01-14T11:30:00.002+01:00

Ya hemos comentado en esta sección varios de los trabajos que Jaime realizó con distintas bandas a lo largo de su carrera (y alguno más aparecerá en breve) pero más puntual y desconocida es la relación de Gilbert Beto Hernández con el mundo de la música, siendo sus trabajos para Throwing Muses sin duda su aportación más destacable.

En 1996, Beto realizó para la banda liderada por Kristin Hersh, la portada, contraportada y libreto del que iba a ser su último disco antes de su separación en 1997.

El disco se tituló “Limbo” y reune algunas de las mejores canciones del grupo. Canciones como “Shark”, canción que precisamente dio título a un maxisingle con cuatro canciones cuya portada también corrió a cargo de Gilbert, o “Ruthie’s knocking”, que también daría título a otro maxisingle con portada del mismo Gilbert.

La influencia de “Palomar” es más que notable en todos estos trabajos, especialmente en la portada de “Ruthie’s knnocking” que a mí personalmente es la que más me gusta.

Os dejo precisamente esa canción interpretada por el grupo Throwing Muses:

&amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;lt;/ifr&amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;lt;/span&amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;gt;&amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;lt;span style="font-family:Arial;mso-ansi-language: EN-GB" lang="EN-GB"&amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;gt;ame&amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;gt;&amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;lt;/span&amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;gt;&amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;lt;/p&amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;gt;

“Habibi”, de Craig Thompson.

2012-01-13T13:37:00.015+01:00

Estas fiestas por fin he encontrado unos cuantos momentos de asueto para ponerme con calma a leerla última obra de Craig Thompson, la ciclópea “Habibi” que publicó Astiberri a finales del año pasado en un estreno internacional coordinado con otras editoriales europeas y norteamericanas. “Habibi” es una obra ambiciosa como pocas, que enrocará aun más en sus posiciones a los defensores y detractores del autor, gustando a los ya convencidos por anteriores trabajos de Thompson y aborrecible por aquellos que directamente no les gustaron y que no deberían ni acercarse a la misma dado su elevado precio. Más allá de las posiciones extremas, “Habibi” es la obra más ambiciosa de Thompson, en la que pretende equilibrar el relato de una historia abiertamente de ficción con sus propias obsesiones personales conocidas ya por trabajos anteriores siendo precisamente esas dos pulsiones la que hace de “Habibi” una obra irregular.

La historia se sitúa en un imaginario país islámico donde la pequeña Ooma es casada por su padre con hombre mucho mayor. Raptada y vendida a unos traficantes de esclavos, escapan al desierto junto a un pequeño niño negro llamado Zam con el que se lleva nueve años al que cuidará y educará procurando todo contacto con el resto de la humanidad salvo para conseguir provisiones. Cuando Ooma y Zam se ven obligados a separarse y reintegrase a la “civilización” llevarán vidas completamente diferentes hasta que, ya adultos, se produce el ansiado reencuentro.
Nadie puede negar de la enorme sensibilidad y talento de Craig Thompson al que en “Habibi” une la voluntad del autor de acercar la rica cultura e imaginario musulmán al lector sin abandonar por ello sus propios intereses y obsesiones personales integradas como un elemento más en el discurso narrativo de la historia para construir una parábola moderna con aires dickensianos que aglutina por un lado la denuncia de las desigualdades sociales en las sociedades árabes con el anhelo del amor verdadero de unos protagonistas presos de sus soledades, incomunicaciones y desencuentros.

El problema surge cuando todo ese revoltijo de ideas quedan difuminadas a lo largo del discurso de la novela-río que es la obra debido a las disgresiones continuas y los ensimismamientos de Thompson demorándose en pequeñas historias y detalladas descripciones de elementos cabalísticos y ortográficos que poco o nada aportan a la trama principal restando protagonismo a la obra en pos a su propia condición de autor, imponiendo su propia personalidad sobre la historia y los personajes. Probablemente consciente de esa dispersión de intereses, Thompson ha querido jugar con la estructura de la historia dotando al mismo de una organización a lo Mil y Una Noches para insertar esas historias a lo largo del relato principal estableciendo distintos niveles de lectura pero restando uniformidad y coherencia a una historia que podía haberse resuelto en doscientas páginas menos o extendido a lo largo de otras doscientas más.

Como consecuencia de esa falta de unidad, “Habibi” alterna momentos hermosos en que el autor hipnotiza al lector con la magia de sus imágenes y su enorme sensibilidad mientras que en otros aburrirá incluso al más devoto de sus admiradores.

En el aspecto gráfico, “Habibi” es una obra más que notable en la que Thompson muestra su innegable habilidad como dibujante especialmente dotado para la creación de imágenes y metáforas cargadas de simbolismos. En esta obra, en concreto, se ha documentado especialmente a través de los pintores franceses del movimiento romántico del XIX que hicieron del Orientalismo una de sus temáticas mas habituales incorporando homenajes a pinturas como “El Baño Turco” o “El Pobre Pescador” en sus viñetas. Thompson maneja a la perfección multitud de registros jugando con su estilo para pasar del cartoon y la caricatura al realismo con una facilidad pasmosa solo comparable a un maestro tan lejano como el clásico mangaka Osamu Tezuka para reflejar la comicidad y el drama siendo quizás “Buda” la obra con la que más similitudes pueda guardar “Habibi” en ese aspecto. También se puede encontrar quizás otra fuente de inspiración en los clásicos dibujantes de Disney como Carl Banks o Floyd Gottfredson.

Y es que las referencias manejadas por Thompson no se limiten quizás tan solo a autores clásicos como Tezuka o la escuela Disney sino también a otros más modernos como Burns y los Hernández Bros. cuyos recursos adapta en beneficio propio.

Ausente esa capacidad para la empatía que tenían sus otras obras, quizás “Habibi" irritará a los lectores más destemplados así que aviso para que nadie se lleve a engaño si no le gusta. “Habibi” es una obra talentosa y personal enmascarada bajo una parábola moralizante, llena de buenas intenciones pero excesivamente dispersa y confusa en sus objetivos y quizás por ello no conecte tan íntimamente con el lector como la crónica autobiográfica que era “Blankets”, obra con la que comparte parecidos objetivos pero mucho menos redonda, o con el que todavía para mí es su mejor trabajo la maravillosa y sutil “Adiós Chunky Rice”. Con todo uno de los tebeos más interesantes del año pasado.

El cartel de la 30 edición del Salón del Cómic de Barcelona de Paco Roca.

2012-01-13T08:48:00.004+01:00

A través de La Canción de Tristán descubro el cartel para la edición del Salón de Barcelona de 2012, firmado por el omnipresente Paco Roca.

El cartel me parece muy bonito y acertado, ya que rompe un poco con la rutina de lo que suelen ser los carteles de los salones de cómic que por lo general muestran personajes icónicos del noveno arte y algún monumento representativo de la ciudad de turno, para dar primacía a lo que debe ser lo más importante en todo buen Salón, en mi opinión (otros pensarán que ha de ser un sitio para hacer negocios, cerrar contratos y demás), un punto de encuentro y convivencia entre los autores y los lectores con el nexo común de las obras compartidas.

Un detalle que el observador Roca haya reivindicado precisamente los que son los dos elementos imprescindibles para que esta historia de los cómics funcione y muchas ocasiones parece olvidarse: autores para crearlos y lectores para disfrutarlos. Hay radica la magia y el resto debería de ser secundario (aunque no lo sea).

Mariano Ayuso (1928-2011).

2012-01-12T09:28:00.004+01:00

Parece ser que ha muerto Mariano Ayuso, pionero en la divulgación y estudio del cómic en España con innumerables revistas, escritos teóricos y librerías especializadas.

Sin embargo y a pesar de esa inmensa labor previa, los que nos iniciamos en esto de los cómics de una manera consciente en los ochenta con los famosos Cómics Forum le recordaremos siempre como el Profesor Osuya, encargado de los correos del lector en las series de “Conan” y “Thor” siendo probablemente, junto a BWS, Buscema y Thomas, uno de los principales culpables de mi afición por la creación de Robert E. Howard.

A Ayuso fue el primer "correero" que identifiqué –el juego de palabras del apellido no era muy complicado de resolver y siempre pensé, no sé muy bien con qué razonamiento infantil, que frecuentaba o era copropietario de el “Madrid Comics” del Paseo de Santa Maria de la Cabeza en el que me dejaba buena parte de mis escasos dineros de adolescente. Siempre me quedé con la duda.

En fin, gracias por los buenos momentos, Profesor Osuya.

D.E.P.

“Astérix: La Gran Colección”, de Goscinny y Uderzo.

2012-01-11T16:28:00.007+01:00

La verdad es que yo era uno de los que había perdido la esperanza de ver alguna vez publicadas en condiciones “Las aventuras de Astérix y Obélix” en España pero, mira tú por donde, una de las más destacables noticias que nos dejó el pasado2011 a todos los aficionados al buen cómic fue el inicio de la publicación por fin en España de “La Gran Colección” por parte de la editorial Bruño/Salvat que en Francia se inicio hace unos ya unos añitos y está a punto de finalizar. Y es que parecía mentira que año tras año desde hace varias décadas la misma Salvat continuasen sacando una y otra vez la terrible edición que todos conocemos y que, de hecho, están volviendo a distribuir de nuevo en kioscos. Sé que a más de un librero especializado no le ha hecho demasiada gracia de momento esta noticia pero, que queréis que os diga, es comparar cualquiera de los cuatro álbumes publicados hasta ahora con las ediciones anteriores y no hay color.

No sé si será una exageración pero “La Gran Colección” para los aficionados a estos cómics es como cuando se lleva a cabo la restauración de un cuadro y bajo las capas de suciedad se descubren nuevos matices y detalles. La nueva edición en un formato algo más grande del habitual abandona la execrable rotulación mecánica de sus precedentes y la traducción de Víctor Mora uniforma los nombres de los personajes y lugares eliminando las numerosas erratas y el nuevo recoloreado le otorga un nuevo realce eliminando los numerosos errores.

La edición sigue un orden cronológico y en esta primera tacada se han publicado los cuatro primeros álbumes –“Astérix, el galo”, “Astérix y la Hoz Mágica”, “Astérix y los godos” y “Astérix gladiador”-, álbumes estupendos realizados por el dúo Goscinny y Uderzo que, sin embargo, no alcanzan la altura todavía de los posteriores. Con todo, sigue siendo un placer comprobar que la gracia e ironía de los guiones de Goscinny se mantiene e incluso se ve incrementada por el ya destacado trabajo de restauración de los dibujos de Uderzo.

Cada álbum incluye, además, como extras reproducciones de los originales y las primeras publicaciones en distintos países.

Ya no hay excusa para hacerse por fin con una edición en condiciones de la que es sin duda una de las series imprescindibles del cómic europeo.

Joe Simon, creador del género romántico.

2012-01-11T15:06:00.004+01:00

¿Cómo se te ocurrió la idea de crear los “cómics románticos”?

SIMON: Fue algo obvio. Estaba en el Servicio y se estaban vendiendo muchos “Boy Commandos” y “Donald Ducks”, ya sabes, todo ese tipo de material. Y empecé a mirar a mi alrededor, y vi a esas chicas que estaban leyendo ese mismo material, y pensé, “Realmente, en esos cómics no hay nada para ellas”. Recuerdo que mi padre y mi hermano solían leer aquellos libros románticos auténticos, y en un momento dado enviaron una historia a un concurso. [Se ríe] Mis padres, que no tenían ningún tipo de habilidad para la escritura, se sentaron y empezaron a escribir su propia historia romántica. Y pensé: “Bueno, eso también podría convertirse en un comic-book”. Nos habría gustado que sonase un poco pornográfico para la época, o por lo menos que fuera algo que pasase por tal, pero en realidad era algo muy inocente, estaba orientado a las quinceañeras. Así que de ahí me vino la idea.

(Frog2000 sigue con la tercera parte de su traducción de la jugosa entrevista al recientemente fallecido Joe Simon originalmente publicada en “Alter Ego 76”. No tiene desperdicio y se puede leer completa aquí).

“Los Vengadores: La Búsqueda de Hulka”, de Geoff Johns, Scott Kollins y VVAA.

2012-01-10T14:31:00.010+01:00

Continua la reedición por parte de Panini de la corta etapa de Geoff Johns a cargo de “Los Vengadores” dentro de la económica colección “Marvel Héroes” con el arco conocido como “La Búsqueda de Hulka” que reúne los números 71 a 76 del tercer volumen de la serie norteamericana e incluye, además, el número 4 del segundo volumen de la serie de “Hulka” (una suerte de epílogo complementario a la aventura de “Los Vengadores” y el especial “Thing – She-Hulk: The Long Night”, que no tiene nada que ver pero es lo más salvable de todo el volumen.

Tras los sucesos narrados en “Zona Roja”, una desquiciada Jennifer Walters deambula por los Estados Unidos intentando encontrar al único que cree puede ayudarle a controlar de nuevo su transformación en Hulka sin ser consciente que Los Vengadores andan buscándola para intentar ayudarla. Cuando Los Vengadores finalmente dan con ella y su primo la cosa acaba en el inevitable enfrentamiento mamporrero antes que quién ha provocado toda la situación la solucione.
A estas alturas, Geoff Johns andaba ya estudiando las cláusulas de su contrato en exclusiva con DC porque tras las buenas expectativas generadas con “Zona Roja” en esta nueva aventura nos ofrece su peor imagen en una historia plana llena de tópicos absurdos, escasamente elaborada y peor resuelta a la mayor gloría del grafismo de un Scott Kollins que no es santo de mi devoción. Claro, que la historia principal es salvable si tenemos en cuenta que el tomo incluye como episodio autoconclusivo entre las aventuras principales el número 71 del tercer volumen que quizás sea la peor historia que jamás haya leído nunca de “Los Vengadores” no tanto ya por lo poco interesante que resulta la escapada de Hank Pym y Janet Van Dyne a Las Vegas como por el terrible dibujo de un Steve Sadowski que no tiene el nivel –o interés- para dibujar estos personajes.

Lo más divertido del volumen es el ya mencionado especial protagonizado por Hulka y La Cosa. Una historia tan loca como trivial correctamente desarrollada por Todd Dezago en la que atrapados en el metro de Nueva York los superhéroes se las ven con unos extraños vampiros, unos científicos locos de Roxonn y el Hombre Dragón. Lo mejor es el dibujo de Bryan Hitch quién da el toque espectacular que la historia requiere bien secundado por Ivan Reis.

En fin, un tomo recomendable exclusivamente para los completistas de “Los Vengadores” o los muy admiradores de alguno de estos artistas. Para los demás, completamente prescindible.

Sorteo de un original de Badía Romero en El Rincón del Taradete.

2012-01-10T09:20:00.004+01:00

El compañero Taradete me informa que en su rincón está sorteando, coincidiendo con la nueva aventura que el autor ha publicado de su personaje fetiche “Axa”, un dibujo original de Enric Badía Romero entre quiénes respondan correctamente un pequeño cuestionario.

Aquí podéis participar y leer una reseña de la obra.

Reabriendo la Caja de Pandora.

2012-01-09T12:15:00.000+01:00

Me comunica José Ángel de Dios (Crowley) que no ha podido evitar abrir un poquito de nuevo la Caja de Pandora para liberar el tercer número de la revista online gratuita que dirige y maqueta.

El nuevo número está dedicado a los “Asesinos” y reúne un buen puñado de artículos truculentos y sangrientos sobre tan desagradables y apasionantes sujetos y su paso al cine y alrededores. Yo he contribuido una pizquita con un escrito sobre el “From Hell” de Moore y Campbell que espero que os guste.

La revista la podéis descargar gratuitamente desde el siguiente enlaceí:

http://www.mediafire.com/?sv63bly1tj9icy1

Ya nos contáis si acaso que os ha parecido.

Clowes, liberado de estilos.

2012-01-09T10:25:00.002+01:00

Desde Ice Haven, has estado utilizando un estilo donde cambias tu enfoque en cada páginas o cada pocas páginas. ¿Qué es lo que te movió a ello?

DC: Mi impresión es que ésa es una de las pocas cosas que puedes hacer en el cómic y no puedes hacer en ningún otro medio. Creo que el lector acepta todos estos estilos, y después de cierto punto puedes hojear el libro y ver al personaje dibujado de manera muy diferente a como lo viste en una página anterior, y no es extraño. Sugiere cosas que no puedes sugerir simplemente con la escritura o en el guión. Pero también pienso que es algo que sólo puede hacerlo un único artista. Creo que si tuvieras diferentes artistas acercándose al material con diferentes estilos, sería muy diferente. Creo que es algo interesante a descubrir, qué está presente en el trabajo incluso cuando están variando los estilos. Simplemente he encontrado un modo mucho más fuerte de trabajar. Es mucho más liberador para un artista sentir que puedes hacer cada página y cada viñeta del modo que te inspire más. Creo que lo que atasca a muchos artistas es que te ves atrapado dibujando en el estilo que has desarrollado. Me sentía así en el pasado, pensaba que tenía que seguir dibujando de la misma forma para mantener esta homogeneidad y el ritmo a través de un libro completo, y en realidad no hace falta.

(Interesantísima entrevista a Daniel Clowes que Gerardo Vilches ha traducido aquí).

Scott Joplin, Chris Ware y Treemonisha.

2012-01-08T11:00:00.000+01:00

Chris Ware es todo un personaje y nunca se sabe por donde puede salir. Su penúltimo proyecto ha sido el diseño gráfico de la portada y el libreto de un CD en el que se recoge la opera “Treemonisha”, obra de uno de los padres del Ragtime –género al que parece Ware es muy aficionado- y la música negra norteamericana, en general, como fue Scott Joplin.

La historia de "Treemonisha" y Joplin son de las que le gustan al autor de “Jimmy Corrigan”. A raíz del fracaso que su momento fue “Treemonisha”, Joplin sufrió una depresión por la que tuvo que ser ingresado, contrajo la sífilis en el hospital y falleció en 1917.De lo más deprimente...

Os dejo una pieza de “Treemonisha”

Los Ramones y Daniel Clowes no quieren crecer.

2012-01-07T10:00:00.000+01:00

En 1995 se publicó “¡Adiós amigos!” el que fuese último álbum de la mítica banda de punk conocida como Los Ramones y, en consecuencia, su último gran éxito.

La portada del disco estaba inspirada en una pintura de Mark Kostabi llamada “Enasaurs 1984” pero lo que realmente nos interesa es la contribución de Daniel Clowes en la realización del video animado de “I don’t want to grow up” una de las mejores canciones de un disco de por sí excelente. Clowes demostró ser el artista idóneo para animar una canción que habla sobre el paso a la vida adulta y las consecuencias que conlleva, una preocupación rastreable a lo largo de toda su obra en cómics posterior y que llegaría a su máxima expresión con “Ghost World”

Os dejo la canción de The Ramones y el fantástico vídeo de Clowes:

Trailer de “Arrugas”.

2012-01-06T11:00:00.000+01:00

Los Reyes Magos nos han traído el trailer de la adaptación animada de “Arrugas”, el excelente cómic de Paco Roca:

Carta a los editores magos 2012.

2012-01-05T09:00:00.002+01:00

Queridos editores magos:

El año pasado debimos ser unos aficionados muy buenos porque nos trajisteis algunos tebeos olvidados que llevábamos algunas décadas reclamando. Sin embargo, no os durmáis en los laúreles hay muchos tebeos imprescindibles que llevan años sin ser reeditados o algunos que directamente nunca han sido publicados.

Como durante el año 2011 me he seguido portando muy bien y he comprado y leído muchos tebeos, os adjunto una lista de los que no estaría de más traer a nuestras estanterías a lo largo de este año 2012 para hacernos menos duro a los aficionados un año que se prevé complicado:

“Los Micronautas”, de Bill Mantlo y Michael Golden.

“Drácula”, de Alberto Salinas y Robin Wood.

“Evaristo”, de Carlos Sampayo y Francisco Solano López.

“Fulú”, de Carlos Trillo y Eduardo Risso.

“El mundo de Arkadi”, de Caza.

“It Rhymes with Lust”, de Leslie Waller, Arnold Drake y Matt Baker (o directamente un libro recopilatorio del arte de Matt Baker).

“Atmósfera Cero”, de Jim Steranko.

“Manos Kelly”, de Antonio Hernández Palacios.

“Howard, El Pato”, de Gene Colan y Steve Gerber.

“Starlord”, de VVAA.

“Casacas Azules” de Cauvin y Salverius

Podría añadir unos cuantos títulos más, pero mejor los dejamos para el año que viene ya que seguramente seguiremos hablando de tantos y tantos tebeos olvidados…

“Juego de Tronos: Primera Temporada”, de David Benioff, D.B. Weiss y George R.R. Martin.

2012-01-04T10:00:00.000+01:00

Debía un comentario desde hace tiempo a la adaptación televisiva de “Canción de Hielo y Fuego”, la famosa serie de novelas de fantasía de George R.R. Martin. La verdad es que al ser seguidor de la serie de antiguo no he tenido demasiada prisa en ver la serie, pero una vez visionados los diez capítulos que componen la primera temporada y que corresponderían con el primer volumen de la serie , “Juego de Tronos”, no puedo más que quitarme el sombrero ante el respeto con que David Benioff y D.B. Weiss han tratado la obra de Martin. Evidentemente, cada lector se habrá imaginado las cosas de un modo diferente pero ninguno negará la fidelidad al original de los adaptadores.

Y es que muchas veces las cosas son más sencillas de lo que parece si se evitan protagonismos gratuitos y, sobre todo, si se cuenta con un material de principio que por su propia estructura facilita la labor de adaptación al estar organizada la novela en capítulos protagonizados por distintos personajes que se pueden ajustar casi como un guante a la organización de los distintos capítulos televisivos a lo que hay que añadir, además, la propia experiencia del propio Martin perfecto conocedor de ambos medios al haber guionizado él mismo series de éxito como “La Bella y La Bestia” y se le dan galones en el proyecto (Martin de hecho es productor ejecutivo y ha supervisado los guiones).

La elección del reparto, la caracterización de los personajes y las distintas localizaciones de los Reinos de Poniente es excelente resolviendo con inteligencia las inevitables carencias y los elementos más peliagudos como la representación de El Muro o Nido de Águilas. Especialmente, han destacado la labor de actores como Mark Addy, Sean Bean, Emilia Clarke o Peter Dinklage quienes bordan sus personajes en un reparto que brilla a gran altura.

Entre novela y novela de Martin, la serie de la HBO se erige como un magnífico remedio para sobrellevar la lentitud del escritor a la hora de acometer la continuación de la saga. Confirmada ya una segunda temporada para 2012 espero que tengamos “Canción de Hielo y Fuego” para rato porque así sí se hacen las cosas.

“Chew: Flambeado”, de Rob Guillory y John Layman.

2012-01-03T10:36:00.008+01:00

Cuarta entrega de “Chew” y nueva compra obligada de la que probablemente sea la serie más gamberra, entretenida y original que hay actualmente en el mainstream norteamericano. Ojo, no es la mejor pero sí la que aporta desde su atrevimiento y falta de prejuicios una visión renovada e ironica de las fórmulas más trilladas de la cultura popular.

En el cuarto tomo publicado por Planeta que reúne los números 16 a 20 de la serie original retomamos las andanzas del detective cibópata Tony Chu, su compañero ciborg Colby y la dispar fauna que les rodea. De repente, en el cielo han aparecido unas extrañas letras indescifrables sin que nadie aparentemente conozca su origen lo que conlleva que la gente lo considere una señal apocalíptica y empiecen a comer el prohibido pollo como desesperados. Pero los problemas se le acumulan a Chu cuando se produce una matanza en el instituto de su hija y su jefe en la FDA Applebee le asigna las más peligrosas e imposibles misiones que le llevarán a entrar en el Área 5, invadir la soberanía de países extranjeros o infiltrase en una peligrosa secta de adoradores de huevos.

John Layman construye una trama irreverente, original y adictiva equilibrando las dosis justas de humor, escatología y acción como para mantener atrapado al lector en el deformado mundo distópico por el que se mueven sus extraños y atrayentes personajes a cuál más freak sin empachar.

Con una trama conspiranoica en la que de momento pocas piezas encajan y un montón de subtramas curiosas que no paran de sorprender a quién esté dispuesto a darle una oportunidad a la serie, Layman mantiene el interés de la historia jugando con los tempos narrativos, flashbacks y las distintas posibilidades que un lenguaje tan abierto como el cómic le concede. En este sentido, hay que destacar la labor de Rob Guillory, quién bajo la aparente sencillez de un estilo cartoon, fresco y caricaturesco, se atreve con todo con excelentes resultados.

En definitiva, “Chew” es una de las series más interesantes del momento y una de las pocas que nada más terminar un tomo te deja con ganas de empezar con el siguiente inmediatamente. Esperemos que no se demore en exceso la continuación.

“Fábulas: El Supergrupo”, de Bill Willingham, Mark Buckingham, Eric Shanower y Terry Moore.

2012-01-02T10:29:00.008+01:00

Llega una nueva –y última de las publicadas por Planeta- entrega de “Fábulas” que recoge los números 101 a 107 de la serie regular, tomo que uno se lee con toda la precaución del mundo porque últimamente Buckingham y Willingham van alternando arcos excelentes con otros de lo más mediocres que incluso me han llevado a plantearme si dejar la serie. Sin embargo, “El Supergrupo” es un arco que rompe a bueno y es una entretenida entrega que nos devuelve a los mejores momentos de la serie más allá del inevitable agotamiento que acusa una fórmula con más de 100 números.

En este arco de “El Supergrupo” los autores realizan un guiño al género superheroico y nos cuentan como Ozma y Pinocho reclutan a la desesperada entre las fábulas supervivientes un grupo para el enfrentamiento final contra el Oscuro. Tras múltiples preparativos, aparecerá un aliado inesperado que se enfrentará a su enemigo en el enésimo enfrentamiento final.

Como viene siendo habitual, Willingham resuelve de la manera menos épica posible la trama contra el adversario de turno (es decir, el Oscuro) que venía preparando con mimo en arcos precedentes, centrándose en los previos protagonizados por los personajes principales con ocurrentes guiños a los tópicos del género superheroico, hasta el momento completamente ajeno a la serie, antes que en la acción que se supone que es el desencadenante de toda la pesca. Buena parte de culpa de esta aproximación al género de los chicos con mallas seguramente se deba a la influencia kirbiana del dibujante titular, Mark Buckingham, quién en los números que dibuja da lo mejor de sí y realiza en cada una de las numerosas splash pages que aparecen en este arco un homenaje al maestro.

La historia viene cargada con ese punto naif tan característico de la serie y está resuelta con la sobriedad anodina habitual en Willingham, siendo con todo una lectura tan agradable como intrascendente porque a estas alturas ya sabemos que estas fábula son indestructibles y nada malo les pasa con lo que cualquier posibilidad de evolución de los personajes interesantes y apunte dramático de la historia brilla por su ausencia, por lo que la serie queda al golpe de inspiración que en cada momento tengan sus autores para volver sobre lo mismo. En este arco lo están y eso salva su lectura pero supergrupo solo hay uno y se lo inventó Jan hace ya unas décadas.

Como es habitual dada la lentitud de Buckingham completan el tomo dos spin off autoconclusivos realizados por dibujantes invitados, episodios de los que se sirve Willingham para ir adelantando nuevas tramas. Así, descubriremos como Bufkin tras la liberación de la Biblioteca continua con su carrera como héroe en el Reino de Oz (o alrededores) y nos descubrirá cuál fue el destino de la capital durmiente del Adversario. Más allá de en lo que acaben estas tramas hay que destacar por distintos motivos la labor gráfica de sus respectivos dibujantes, Eric Shanower ("Edad de Bronce") y Terry Moore, realizando el primero un trabajo espectacular que ha logrado que su versión de “El mago de Oz” vaya a subir muchos puestos en mi pila de lecturas pendientes, mientras que Terry Moore se limita a cumplir con oficio en una historia poco adecuada a sus características, mejor en “Strangers in Paradise” o “Echo”.

Veremos como siguen desarrollándose las nuevas entregas de “Fábulas” ya que parece que tenemos serie para rato. Si eso ya os cuento.

Cerrando el 2011 con unas impacientes reflexiones.

2011-12-31T10:00:00.001+01:00

Dada la enorme pila acumulada de lecturas y entradas pendientes este año más que destacar un único cómic, libro y película como venía haciendo otras veces, me apetece dejar mi percepción, que no análisis, sobre lo que ha sido el 2011 en torno al Cómic y alrededores.

Ha sido este un año como no podía ser de otro modo marcado por la crisis a todos los niveles en el que paradójicamente las ventas de cómics han aumentado, aunque ese aumento no ha beneficiado a todos por igual y las pequeñas editoriales, la mayor parte de los autores patrios y las librerías se las han visto y deseado para mantenerse. En ese sentido, no todas lo han conseguido y librerías emblemáticas y veteranas como Enigma Cómics o El Aventurero, en Madrid, y hermosos proyectos como Pictografics, en Barcelona, han visto como tenían que cerrar sus puertas.

A nivel editorial, la gran noticia ha sido la perdida /renuncia de los derechos de los cómics DC por parte de Planeta a favor de la desconocida ECC, empresa tras la que se encuentra el antiguo packager de Planeta, El Catálogo, S.L. A priori, ECC anuncia nuevas ideas a la hora de editar los tebeos DC y una apuesta por las ediciones económicas. De momento, habrá que darles el beneficio de la duda y confirmar que las ilusionantes expectativas que supone un nuevo proyecto se cumplan.

Tras el gran bombazo, la otra gran noticia destacable a nivel editorial ha sido la desvinculación de Glénat España de la empresa madre francesa. Joan Navarro explicó casi el día a día a través de su blog los pasos que iba dando para salvar su editorial mostrando que no es oro todo lo que reluce tras los grandes titulares de prensa.

Acuciadas por la crisis, parece que desde las editoriales más grandes empieza a hacerse caso a las demandas de los aficionados con lo que las publicaciones estrella de este año han sido las reediciones en formato económico o la publicación de material clásico en formato de lujo.

Así, por un lado, hemos visto como Panini consolidaba sus dos grandes líneas “Marvel Heroes” y “Extra Superhéroes” al tiempo que saldaba los criticados BoME, mientras, por otro, Norma ha publicado la imposible “American Flagg” y reeditado otros como “The Black Kiss” o “The Rocketeer” y apostaba paradójicamente por ediciones “lujosas” y para regalar de éxitos como “Planetary”. Y, también hay que alegrarse que una pequeña editorial como Ponent Mon continue adelante con la publicación de "Cerebus" en castellano. Sin embargo, la noticia del año ha sido la aparición de “La Gran Colección de Astérix”, una edición que por fin hace justicia al talento de Uderzo y Goscinny.

Las editoriales más pequeñas han reducido el número de novedades y han apostado, en ocasiones, por las reediciones de valores seguros, y han surgido proyectos innovadores como Caramba a los que habrá que seguir de cerca. Y es que la impresión general es que el cómic en papel tiene los años contados y el digital es imparable con lo que editoriales como Norma o la librería Koomic empiezan a posicionarse.

A nivel autoral, no ha sido un gran año. No se puede considerar que haya habido una gran obra que haya destacado por encima del resto. El nivel medio ha sido bastante alto, eso sí, pero no ha habido ningún autor que me haya deslumbrado aunque gente como Valenzuela, Rubín, Roca, Blain o Craig Thompson han dejado tebeos más que interesantes. Sin embargo, si hay un autor que se ha prodigado en cantidad y calidad ha sido Bastièn Vivès, el futuro es suyo.

Finalmente, la blogosfera comiqueril resiste. Y eso por sí solo, comprobando el auge de las redes sociales y la inmediatez que proporcionan, ya es una noticia… Algunos pesos pesados no se han prodigado tanto como nos tenían acostumbrados pero hay nuevas páginas y blogs dispuestas a sumarse a la fiesta lo cuál siempre resulta enriquecedor y ayuda a la divulgación. Lamentablemente, lo más triste han sido algunos rifirafes en torno al cansino y poco constructivo debate novela gráfica sí, novela gráfica no en el que no ha ganado nadie y hemos salido perdiendo todos.

A nivel particular, El lector impaciente ha resistido otro año, centrándose el blog prácticamente en el cómic y en la literatura, en menor medida. El cine, un poco por falta de tiempo y otro por falta de enamoramiento con un año que ha dejado poco de rascar ha visto su cuota sensiblemente reducida. Volverá, seguramente, porque la mía con este medio es una relación de amor-odio pero de momento me resisto. Por otro lado, me he atrevido incluso con alguna traducción lo cuál me ha resultado gratificante y he abierto la puerta a comentar series, pero este tipo de entradas seguirán teniendo una importancia marginal porque El lector impaciente es un blog esencialmente dedicado al Cómic y la lectura. También he colaborado con otros medios lo que no ha dejado de ser una experiencia tan estresante, en ocasiones, como bonita. Desde aquí agradecer a todos los que me propusieron participar en maravillosas y locas aventuras –aceptase o no- el haberse acordado de mí.

¿Seguiré en 2012? Hoy por hoy, sí, mientras la salud y mis prioridades afectivas y laborales lo permitan. Y es que El lector impaciente solo trata de mis aficiones que no importan, amigos, pero buena parte de lo importante en la vida es precisamente lo que no importa.

¡ Feliz e Impaciente 2012!

“The Rocketeer”, de Dave Stevens.

2011-12-30T14:50:00.009+01:00

Norma ha reditado en una cuidada edición la obra magna de Dave Stevens, “The Rocketeer” que ya fuese publicada en su momento por la añorada Ediciones Zinco. Stevens fue un primoroso dibujante legendario por una lentitud que garantizaba espectaculares resultados convirtiendo las escasas dos historias que realizó sobre “The Rocketeer” en una obra de culto que incluso contó con una temprana y correcta adaptación cinematográfica a cargo de Joe Johnston.

“The Rocketeer” está ambientada en 1938 y cuenta las peripecias de Cliff Secord, un joven piloto de un circo aéreo que se hace por casualidad con un cohete aéreo autopropulsado. A Cliff no se le ocurre mejor idea que sacar partido al cohete en su espectáculo para conseguir dinerillos con los que engatusar a su escultural novia Betty a la que ronda un taimado fotógrafo que intenta convencerla sobre su potencial como estrella holliwoodiense. Sin embargo, todo se complicará cuando un atribulado Cliff se vea constantemente perseguido por los dueños del cohete y unos espías nazis que pretenden robarlo.

“The Rocketeer” sigue siendo una lectura tremendamente agradable por su carácter naif y retro que nos sumerge de lleno en la ingenuidad de una época en la que todo era bastante sencillo. Stevens caracteriza perfectamente a los personajes para desarrollar divertidas historias inspirándose en los seriales e historias pulp que devoró en su niñez plasmando su esencia en su obra, llena de referentes y melancolía. Con ser una lectura agradable, realmente lo más atrayente de "The Rocketeer” es disfrutar del enorme talento gráfico de Dave Stevens, que nos sumerge directamente en la idealización de los años treinta siendo probablemente junto a otro gran autor retro como Mark Schultz los grandes herederos de los grandes dibujantes de aquella época. Stevens, claramente influido por su maestro Russ Manning, fue un magnífico narrador gráfico y dominó como pocos la figura y expresión humana, especialmente la femenina, siendo uno de los grandes culpables que las pin ups de los cincuenta y su principal exponente Bettie Page volviesen a ponerse de moda. Sin embargo, Betty Page no fue la única actriz en la que se inspiró Stevens estando su obra llena de referencias y homenajes escondidos al viejo Hollywood en particular y a la cultura popular de la época -las ferias, los pulps y los circos aéreos- desgraciadamente todo eso ha pasado ya a la historia.

La edición de Norma Editorial es muy buena a pesar del recoloreado de Laura Martin, quién aun mostrándose muy respetuosa con los lápices de Stevens le da inevitablemente un estilo más moderno que no acaba de cuadrar del todo. Completa la edición una exhaustiva selección de material complementario de todo tipo (hay casi más material complementario que cómic en sí) que los admiradores de Stevens sabrán agradece.

“The Death-Ray”, de Daniel Clowes.

2011-12-29T13:55:00.012+01:00

Para cerrar la querida sección Tebeos Olvidados por este año (la semana que viene nueva carta a los editores magos con los Tebeos Olvidados que iré reseñando a lo largo del 2012), he dejado adrede para el final quizás el olvido más fácilmente subsanable por los editores al ser un tebeo de anteayer -2004-, de un autor contemporáneo con prácticamente el resto de su obra editado ya en España y bendecido por la alta cultura como es Dan Clowes y tratarse de un tebeo reeditado a lo largo de este año precisamente en Estados Unidos…. Y, sin embargo, la que es la mejor obra de Dan Clowes, “The Death-Ray”, continúa injustamente olvidada en España. ¿Por qué? Muy sencillo, porque nadie vio negocio en hacerse con sus derechos y editarlo en su formato grapa original.

“The Death-Ray” cuenta la historia de Andy un chaval de diecisiete años que descubre que cuenta con una enorme fuerza desde que empieza a fumar. Asesorado por su gran amigo Louie y armado con una pistola que desintegra a la gente, Andy intentará convertirse en un auténtico superhéroe para descubrir que la realidad es muy distinta a como la pintan en los cómics.

Aparecido en el último número de “Eightball”, el 23, “The Death-Ray” es el tebeo en el que Clowes mejor presenta todas sus preocupaciones –la incomunicación, la amistad, la insatisfacción adolescente…- manipulando para ello las convenciones más asentadas del género superheroico, adaptando a su manera las notas más significativas del "Spiderman" original de Lee y Ditko. Clowes disfraza una historia claustrofóbica, intensa y llena de simbolismos y detalles bajo la inocente apariencia de un cómic book juvenil ofreciendo una visión entre descarnada y satírica del mismo al modo en que Pychon realiza en sus novelas.

Pero, no nos equivoquemos, “The Death-Ray” nada tiene de literario es pura y esencialmente cómic y en el mismo Clowes vuelca sus extraordinarias dotes en cada detalle, con un cuidado esmerado de la elipsis y el ritmo narrativo para lograr sostener durante toda la historia un monólogo abierto en el que busca la implicación directa de cada lector, un tête a tête impropio en el que Andy/Clowes desnuda sus experiencias para intentar –y lograr- salvar quizás como en ninguna otra de sus obras ese abismo de ambigüedad existencial que le es tan característico.

Quizás el gran puñetazo sobre la mesa que da Clowes en este sencillo e inofensivo cómic que tantas verdades esconde para el que quiera encontrarlas es algo que los aficionados al cómic, en general, y al género de superhéroes en particular, ya sabíamos de siempre. Que bajo la apariencia del más banal y pueril de los tebeos de entretenimiento hay un espacio para la reflexión y la profundidad, que el continente no es la medida del contenido sino exclusivamente el talento del autor que hay detrás. Algo que tipos como Ditko y Lee ya descubrieron hace décadas y a Clowes no se le caen los anillos en recordar a su genial manera.

Como digo, hay disponible actualmente en Estados Unidos una bonita edición tipo álbum así que espero que algún avispado editor se anime a lo largo de 2012.

El que quiera entender, que entienda.

El lector impaciente en los premios 20Blogs.

2011-12-29T10:04:00.003+01:00

Este año me ha dado por participar no sé muy bien el porqué en la historia esta de los premios 20Blogs englobado en la categoría de cultura y tendencias.

A la derecha, hay un banner por si alguien tiene a bien votar por este su humilde blog.

El plazo para poder votar es hasta el 3 de Febrero.

Ya sabéis…Busquen, comparen y si encuentran algo mejor, vótenlo.

“Cerebus” al cine con Santiago Segura.

2011-12-28T12:00:00.000+01:00

Toma, toma toma, como diría el otro. Bomba informativa.

Los designios de Dave Sim son inescrutables y si siempre había mostrado su rotunda oposición a la adaptación cinematográfica de su obra magna al parecer ha cambiado de idea vistos los espectaculares beneficios económicos de otras recientes adaptaciones y las mejoras tecnológicas de los últimos tiempos. Sin embargo, el gran valedor del proyecto al parecer ha sido el director y actor español Santiago Segura. Segura gran aficionado al cómic y admirador de “Cerebus” ha logrado convencer a Sim de las posibilidades del proyecto y hacerse con los derechos para la futura película de la que será director y protagonista.

Al parecer todavía se están barajando nombres para completar el reparto de una superproducción que empezará a rodarse en 2012. En los comentarios, se anuncia la productora que finanicará la película.

La causa del pueblo de Stan Lee contra Marvel.

2011-12-28T08:14:00.004+01:00

Genio y figura hasta la sepultura, el bueno de Stan The Man Lee tras el éxito de su demanda contra Lionsgate por la adaptación del personaje de “Conan, El Bárbaro” (al parecer lo poco que ha recaudado la peli va a ir a parar a la buchaca de Lee) ha decidido continuar haciendo valer sus derechos y ha presentado un órdago a la grande en forma de demanda conjunta contra la Casa de las Ideas, Disney y las diversas productoras que encargadas de la producción de las ya numerosas adaptaciones cinematográficas de los superhéroes Marvel.

Al parecer lo que reclamaa Lee es el pago de los salarios por los numerosos cameos que realizó en casi todas esas películas y que hasta ahora habíamos supuesto que eran gratis y un guiño a los aficionados.

“Es de justicia. Yo no soy ningún aficionado”- declaró The Man.

Si su demanda prospera, Lee ha anunciado que destinará sus salarios a una institución benéfica que prefiere guardar en secreto.

(ACTUALIZACIÓN: He averiguado la institución a la que Lee va a hacer el donativo Por motivos legales, solo la puedo publicar en los comentarios).

“Las aventuras del Capitán Torrezno: Plaza Elíptica”, de Santiago Valenzuela.

2011-12-27T15:54:00.009+01:00

Supongo que una de las muchas clasificaciones del mundo puede ser entre torreznistas y antitorreznistas aunque al parecer, tras el otorgamiento a Santiago Valenzuela del Premio Nacional del Cómic 2011 por "Plaza Elíptica", la de momento última entrega de "Las aventuras del Capitán Torrezno", estos últimos son una especie en extinción vista la cantidad de loas y parabienes que la obra de Valenzuela ha ido acumulando en los últimos tiempos que ha venido a acallar sus defectos. Yo, torreznista convencido desde casi los inicios aunque por esas cosas de las relecturas no hubiera traído el análisis de su obra todavía al blog, no voy a ser menos así que antes que acabe el año comento “Plaza Elíptica” que dada la cohesión de la obra magna de Valenzuela es casi extensible al resto de la serie.

En la séptima entrega de la serie, Valenzuela vuelve a retomar la historia del mundo de fantasía localizado en el bajo de una comunidad de vecinos de Madrid en el que el castizo Torrezno se vio atrapado no sé sabe muy bien por qué tras una noche de parranda. Convertido en héroe a su pesar de la liberación de la Ciudad Santa de Deenein y la retirada de los tártaros, Torrezno se volverá de nuevo envuelto en las intrigas político religiosas de las autoridades de la Ciudad Santa que quieren pasar a la ofensiva para recuperar los territorios perdidos e instaurar de nuevo su propia versión de la Fé única.

Lo primero de todo, “Las aventuras del Capitán Torrezno” es para mí una de las series más personales, ambiciosas y originales que ha dado el cómic español en décadas por lo que me parece de justicia la obstención del premio. Valenzuela construye una obra multirreferencial en la que pasa por la túrmix de su imaginación las más variadas referencias culturales – de la alta a la baja, pasando por la popular, la de derribo o la de bar aunque sea perfectamente aplicable cualquier calificativo que a bien tengáis acompañar- para montar un relato satírico fantástico a la vieja usanza en el que caben ecos tanto a la obra de Swift como la de Dave Sim y en la que a modo de totum revolotum vale todo. Dicho esto, a lo largo de los cuatro capítulos que componen “Plaza Elíptica” aparecen claramente las dos tendencias antitéticas que marcan en general la obra de Valenzuela. Si en el primer capítulo es un farragoso pseudo ensayo filosófico religioso que solo salvan las magníficas viñetas que lo ilustran, en los siguientes retoma, lo que mejor se le da y por lo que ha conseguido tantos seguidores, la saga épico-humorística de las aventuras bélicas del antiheroico Torrezno sumergido en un mundo de intrigas y batallas que retoma el hilo de la historia donde quedó tras el fin del primer ciclo.

A Valenzuela se le ha afeado sus desbordantes y literarias cartelas y diálogos eternos, pero a mí me parecen tan connaturales a su estilo como sus oníricas y surrealistas ilustraciones y sin ellos no estaríamos hablando precisamente de un autor con un estilo propio. Textos que a pesar de su pesadez no suelen pecar de innecesarios y enriquecen la novela río en que se ha ido convirtiendo la serie, por lo que incluso sus capítulos más áridos y crípticos acaban teniendo –como en la obra de Sim- su razón de ser en el conjunto final. A nivel gráfico, Valenzuela se muestra como un dibujante tan personal como efectivo que da lo mejor de sí en la descripción de los portentosos escenarios en los que se desarrollan las aventuras de sus personajes y que tanto recuerdan los de Schuiten.

En definitiva, “Plaza Elíptica” no deja de ser más de lo mismo dentro de “Las Aventuras del Capitán Torrezno” y, más allá del nominal cambio de ciclo, no muestra grandes novedades respecto a lo que venía siendo la serie antes de su parón con lo que, pasada la algarabía de los premios, no dará nuevos argumentos ni a sus defensores ni a sus detractores aunque, respetando las filias y fobias de cada cuál, su éxito debería servir de ejemplo a los jóvenes autores sobre como modificar convenciones y apostar por las ideas propias más que por las modas y tendencias para lograr cuadrar el difícil circulo de agradar tanto a los que solo buscan un cómic evasivo y de entretenimiento como a los defensores de la obra de autor. Solo por ello Valenzuela y su Torrezno tienen bien merecido el premio, en mi opinión.

Joe Simon y la perspectiva.

2011-12-27T09:41:00.004+01:00

P: ¿Cómo se os ocurrió adquirir los derechos del Capitán América?

SIMON: Cuando tenía 24 años, lo que intentaba hacer era ganarme la vida. Yo era un producto de aquellos tiempos. Era una época muy mala, eran los tiempos de la Depresión y me encontraba muy feliz ganándome la vida. Todos lo éramos. Todos nosotros éramos una especie de vagabundos, éramos felices con casi nada. La gente dice: “Bueno, los Shusters y los Siegels, y los Simons y los Kirbys fueron estúpidos. Lo regalaron todo.” Pero nosotros nunca pensamos de esa forma.

Fue idea mía la de llegar a un acuerdo sobre los porcentajes del Capitán América. El jefe de contabilidad de Timely era Maurice Coyne, un chico que hizo que lo consiguiese, porque a ellos [a la editorial] no les gustaba mucho la idea. Maurice estaba allí desde el principio, pero también formaba parte de los que llevaban Archie Comics, así que conocía al resto de la MLJ. Maurice era la “M” de “MLJ”. Era un gran tipo, soltero. Fue idea suya que de alguna forma yo dispusiera del 25% de beneficio por la colección. Le di a Kirby una parte, pero no mucho. Un día Maurice me llevó aparte y me dijo que iban a pagar todos los gastos de oficina, los salarios y todo lo demás, con la colección del Capitán América.

(Frog2000 vuelve a dar en el clavo y nos ofrece la primera parte (de cuatro) de una jugosa entrevista realizada al recientemente fallecido Joe Simon para “Alter Ego”. Esta primera parte no tiene desperdicio y Simon analiza sus inicios en el negocio de los cómics en Timely, su relación con Jack Kirby y las primeras impresiones que le causó un muchachito llamado Stan Lee. Todo esto lo debéis leer aquí).

“Los Mundos de Thorgal: Kriss de Valnor ¡Yo no olvido!”, de Yves Sente y G. de Vita.

2011-12-26T14:11:00.014+01:00

Norma Editorial se ha animado a iniciar la publicación de “Los Mundos de Thorgal”, el spin off de “Thorgal”, una de las series más longevas y atractivas de la BD más comercial gracias al buen hacer durante años de sus creadores Van Hamme y Rosinsky. En principio, las aventuras de esta nueva serie están protagonizadas por distintos secundarios de la serie principal e intentarán aclarar puntos oscuros de sus biografías en un planteamiento interesante y que ha dado resultados satisfactorios en series similares como “XIII Mystery”. Sin embargo y a pesar de iniciarse la serie con el que se supone en principio debería ser un plato lo suficientemente atractivo para cualquier aficionado como es conocer el origen de la carismática Kriss de Valnor el resultado es enormemente decepcionante.

Tras su muerte, Kriss de Valnor despierta entre las walkyrias cuya reina la someterá en juicio para decidir cuál será su destino final. Para aclarar la ambigüedad de sus acciones la reina Freija pedirá a Kriss que rememore su pasado antes de cruzarse por primera vez con Thorgal Aegirsson, desde su primera infancia junto a una madre débil y su compañero maltratador hasta sus primeras aventuras de juventud tras dejar su aldea y su encuentro con un saltimbanqui al que ayudará a rescatar a su hija prisionera de un señor feudal y su deforme hija.

Está claro que el cómic no deja de ser también una industria en la que hay que asegurarse las habichuelas como sea, pero hubiera sido un detalle por parte de una editorial tan poderosa como Dargaud y unos autores tan contrastados como Van Hamme y Rosinsky el haberse pensado dos veces romper el misterio en torno a los orígenes de una de sus más atractivas creaciones, la mortal y seductora Kriss de Valnor, explicando su pasado. Siempre es conveniente dejar algo a la imaginación del lector, un reclamo que mantenga el hechizo y no romper la magia si no es con una historia que esté a la altura de la expectación generada.

El encargado de afrontar el reto es un guionista de la experiencia de Yves Sente que también se ha hecho con los guiones de la serie principal tras el abandono de Van Hamme. Sente se encuentra con un auténtico marrón al tener que contar a las primeras de cambio los orígenes de un personaje tan significado y que para más inri ha desaparecido en la serie principal tras lo narrado aquí y aun cuando tira de oficio y de mitología nórdica para explicar su reaparición no puede evitar que su solución resulte forzada e insatisfactoria y acabe lastrando todo el desarrollo de una trama tan correcta como pobre, convencional e innecesaria en la que evoca con poco tino tiempos mejores del universo thorgaliano.

Tampoco ayuda la elección en el apartado gráfico de un Giulio de Vita que sufre al intentar adaptar su propio estilo al de Rosinsky. De Vita no posee ni de lejos el talento del francopolaco y resuelve la papeleta como mejor puede sin alcanzar en ningún caso el nivel requerido resultando más dolorosa la comparación al estar la sombra del polaco presente en cada página y en cada viñeta.
Por mucha tapa dura que en Norma le pongan, este “¡Yo no olvido!” no deja de ser demasiado burda y elmental, lo que no anima a seguir el desarrollo de una serie que merecería una mayor implicación e interés a todos los niveles. Y es que los responsables de este despropósito deberían tener en cuenta que los lectores tampoco olvidamos.

Impacientes Fiestas.

2011-12-24T09:00:00.001+01:00

Pues no os voy a engañar:

No me gustan demasiado las Fiestas por decreto, en general, y en concreto no me gustan las Navidades, unas fiestas reducidas desde hace tiempo a la mera acumulación de clichés, tópicos y convenciones sociales de los que pocos son capaces de aislarse.

Y eso, que al tener una pequeñaja uno disfruta muchísimo más de estas cosas al redescubrirlas de nuevo a través de su inocente mirada y metido de lleno en la comisión familiar de fastos y festejos procuro mantenerme ocupado para notar menos los huecos en la mesa.

Mi consejo para enfrentar cada nuevo solsticio de invierno y sus efectos, la relectura obligada de un cómic tan brutote, inteligente y divertido como “The Lobo Paramilitary Christmas Especial”, en el que Grant, Bisley y Giffen lograron que el nihilista definitivo derrumbara todos los tópicos navideños con su inimitable e iconoclasta estilo.

Y es que al final todo se reduce a lo esencial: procurar ser felices hoy, mañana y siempre.

¡¡¡ Felices Fiestas!!!

“The 'Nam: Primera Patrulla”, de Michael Golden y Doug Murray.

2011-12-23T14:23:00.012+01:00

Estoy seguro que si hiciéramos un muestreo por edades entre los aficionados al cómic más veteranos sobre cuál es el mejor cómic de guerra, los más antiguos del lugar señalarán los títulos de EC o las “Hazañas Bélicas” y algún enteradillo mencionará “Blazing Combat”, pero si, como yo, mamasteis en vuestra adolescencia ochentera de la fecunda teta de los Comics Forum el mejor cómic bélico en vuestro corazoncito sin duda os parecerá como a mí este “The 'Nam”, de Michael Golden y Doug Murray, del que acaba de publicar Panini los primeros diez números en un único volumen y que coincidió más o menos en fechas con la emisión en España de esa enorme serie que fue “Camino al Infierno”.

“The 'Nam” se centraba en mostrar el día a día de la Guerra de Vietnam a través de las experiencias de Ed Marks desde su alistamiento. La distintas misiones, las corruptelas cuartelarias, los permisos, la camaradería y el absurdo de la guerra quedaban reflejados en los distintos episodios de una serie que avanzaba a tiempo real, reflejando en su periodicidad mensual el transcurso de un mes en el servicio de Marks que inicia como pipiolo y acaba convertido en todo un veterano.

Reconozco que afronté la lectura de esta obra con cierto temor ya que la tenía –y la tengo- muy idealizada, sin embargo, no hay nada que temer y el reencuentro ha sido plenamente satisfactorio gracias al buen hacer del equipo creativo formado por Murray y Golden. El guionista Doug Murray aporta unos sobrios guiones en los que vierte todo su conocimiento de primera mano acerca de la guerra tomando como referencia sus propias experiencias como veterano y una exhaustiva documentación en la que refleja con realismo y humanidad el horror de la misma mediante un conjunto de personajes creíble y unos diálogos cargados del argot cuartelario que requerían número a número en la edición de Forum de un completo glosario que en la edición de Panini se ha mantenido aun cuando releidos seguramente debido al Code se viese obligado a esquivar algunos detalles.

En el aspecto gráfico, la serie es una auténtica gozada al contar con un autor “de culto” de los de verdad de la buena, el esquivo Michael Golden del que todavía se recuerda la espantada que protagonizó hace unos años en el Expocómic. Golden es un autor de un estilo muy personal que a mí en ocasiones me recuerda a grandes como Wally Wood o Will Eisner y que en estos números –pronto abandonaría la serie- realiza quizás su mejor trabajo junto a "Los Micronautas", con un dibujo lleno de expresividad, realismo y plasticidad que potencia los guiones de Murray.

La edición de Panini es bastante correcta aunque quizás los colores resultan excesivamente brillantes consecuencia del papel satinado. Esperemos que las ventas acompañen y sean capaces de publicar la serie completa (en Estados Unidos llegó a los ochenta y tantos números) aunque sinceramente lo dudo.

En definitiva, reencontrarse con “The ‘Nam” ha sido toda una gozada, una serie obligatoria para todos los interesados en leer un documento de primera mano en torno a ese conflicto bélico que nada tiene que envidiar a los acercamientos a los mismos que han proliferado en otros medios, especialmente el cine. Eso sí, se recomienda para reforzar el punto nostálgico ponerse de fondo el “Paint it black” de los Stones. Que tiempos…

“Capitán América 616: 70 Aniversario”, de Ed Brubaker y VVAA.

2011-12-22T14:23:00.010+01:00

Panini ha dividido en dos partes publicadas en los números diez y once del octavo volumen de la serie española el número 616 de la serie regular norteamericana en el que se celebraba el 70 aniversario de la primera aparición del personaje. Un número extraordinario cuya gracia estribaba en que un grupo de variopintos autores que nunca han estado vinculados con las series del Capi aportaban su versión del mismo a través de diversas historias autoconclusivas, salvo la realizada por Brubaker con Deodato que continuaba la trama principal.

Precisamente y empezando con esta historia que algunos comparan con “Archipiélago Gulag” (¡¡¡¿¿¿¿???!!) nos encontramos a un Bucky extraditado a Rusia por sus crímenes de Soldado de Invierno donde empieza a cumplir condena en una cárcel de alta seguridad rusa. A pesar de la buena volunta de Steve Rogers para facilitarle las cosas, Bucky se las tendrá que ver con otros reclusos rusos a los que ayudó enchironar durante su etapa como Soldado de Invierno. Hombre, con la obra del nóbel Sholzhenitzyn no tiene mucho que ver la cosa – ni falta que hace, por otro lado- pero se trata de una historia entretenida en la que Bru una vez más tira de fondo de armario para recuperar a alguno de aquellos superhéroes rusos, los supersoldados soviéticos, que se las tuvieron tiesas con Los Vengadores hace tiempo. La historia la dibuja Deodato aportando el toque espectacular que le caracteriza y mejorando con creces el nivel habitual de la serie.

Del resto de historias a destacar la bonita historia que se marca Howard Chaykin que le ha cogido el gusto al personaje tras el episodio de hace unos meses. Chaykin aporta su visión original escapando de los clichés más manidos ofreciendo una curiosa historia en la que resalta mejor que nadie las contradicciones más profundas del personaje como prisionero de una época que no le corresponde usando como hilo de conductor un cuadro. Lástima que Chaykin termine la historia de un modo un tanto brusco y no se anime a hacer algo más largo con el Capi porque sus apariciones se agradecen enormemente.

Por otro lado, la guionizada por Cullen Bunn y dibujada por Jason Latour tiene más miga de lo que parece ya que contraponer el superheroico y rígido modelo que representa el capi con las debilidades de los pueblerinos de un villorrio de los Estados Unidos profundos que aceptan el alquiler de IMA para sacar adelante su pueblo. Jason Latour realiza un gran trabajo, aportando su estilo elegante y alejado a lo que estamos acostumbrados en el maisntream.

Me gustaría decir algo bueno sobre las historias guionizadas por Mike Benson, Frank Tieri, Kyle Higgins y Alec Siegel pero la verdad es que no van mucho más allá de manejar clichés trillados para permitir el lucimiento de los excelentes dibujantes que les tocan en suerte, dibujantes como Paul Azaceta, Ed McGuiness, Pepe Larraz, Travis Charest o un Paul Grist, del que siempre es agradable tener noticias.

En definitiva, el 616 es un aceptable número de homenaje en el que para variar, visto el nivel de la serie en los últimos años, brillan más los dibujantes que los guionistas. Creo que hubiera sido bonito haber publicado un número único ajustando más el precio como apareció en Estados Unidos, pero doctores tiene la iglesia.

“Theodore Poussin: El integral 2”, de Frank Le Gall.

2011-12-21T11:51:00.013+01:00

Planeta ha publicado la esperada segunda entrega de los integrales en que Dupuis recopila la obra magna del francés Frank Le Gall, “Theodore Poussin”, una serie exquisita de cuyo primer integral ya comentamos por aquí, que refleja como pocas el verdadero placer de las aventuras exóticas que en literatura los London, Stevenson y Conrad llevaron a su máxima expresión. Si la primera entrega ya era excelente, en esta segunda que reúne los álbumes del cinco al ocho – “El Tesoro del Rajá Blanco”, “Un pasajero desconocido”, “El Valle de las Rosas” y “La Casa de la isla”- nos encontramos con un Le Gall más maduro y ambicioso, que en cada nuevo álbum sorprende aportando una visión evocadora y original sobre una temática clásica en la que todo parecía explicado.

“El Tesoro del Rajá Blanco” es la continuación de la aventura iniciada en “Secretos”, el cuarto álbum publicado en la primera entrega, y en el que Le Gall pone el broche final al primer gran ciclo de la serie marcado por las aventuras por los mares de Indochina del protagonista. Se trata de una aventura de corte clásico en la que el protagonista se ve enrolado contra su voluntad en la tripulación del brutal capitán Town y, tras superar un motín y un naufragio, buscan liberar al Rajá de una prisión holandesa para que desvele el paradero de su legendario tesoro. Si algo destaca este álbum, es por su respeto a las convenciones del género, el retrato de los personajes y la cuidada documentación que Le Gall muestra en el desarrollo de la trama.

“Un pasajero desconocido” es para mí el mejor álbum de la serie hasta el momento. Le Gall nos narra el reencuentro de Poussin con su familia y su regreso a Francia donde le espera una vida convencional tras sus aventuras. La ambientación cambia drásticamente y la localización pasa de los luminosos mares de Asia a la brumosa Dunkerque. Con brillantísimo pulso narrativo, Le Gall se mantiene siempre un paso por delante de los lectores mientras el protagonista investiga la confirmación del secreto en torno a su verdadero origen.

“El Valle de las Rosas” es un álbum especial por varios motivos ya que Le Gall se retrotrae en el tiempo para narrar la infancia feliz de Theodore Poussin a través de sus anécdotas infantiles con un tratamiento costumbrista de la historia abiertamente proustiano.

Para marcar aun más la diferencia respecto al resto de la serie, Le Gall sustituye su técnica habitual aplicando directamente acuarela en el original y suavizando las líneas caricaturescas de su personaje protagonista para reflejar mejor la fuerza evocadora de un tiempo perdido.

“La casa de la isla” vuelve a hacer hincapié en las experiencias marinas de Theodore. En concreto, en la época en que a bordo de su pequeño buque mercante, El devorador de archipiélagos, se dedicaba al tráfico de mercancías. Cuando a causa de un huracán, Poussin acaba naufragando en una isla perdida habitada por extraños personajes.

En esta historia, Le Gall muestra de nuevo su habilidad para moverse entre la fantasía y la realidad en una historia de corte kafkiano en la que la referencia a “El Castillo” es más que evidente y en la que Le Gall profundiza a través de símbolos y evocaciones en la personalidad de Poussin. A mí este álbum salvando las distancias me parece un claro referente de “El Faro”, de Roca.

El segundo integral de “Theodore Poussin” muestra a un Le Gall que cuando quiere es el verdadero heredero de la Escuela Clara de Tomai no solo por su inmenso talento como dibujante que convierte cada álbum en una delicia visual sino además por la sensibilidad evocadora y original enfoque con el que aborda la aventura clásica que lo sitúa directamente en la estela de Hugo Pratt y su “Corto Maltés”, alejándose sin renunciar necesariamente a ella a la acción superficial para aportar una visión poética e introspectiva que busca constantemente la complicidad del lector. Un autor sutil, culto y exquisito de amplias lecturas que aplica para mejorar y enriquecer la obra propia.

La edición de Planeta es excelente en cuanto a la relación calidad precio e incorpora aparte de los álbumes relacionados abundante material complementario. Ojalá en Francia aparezca pronto el tercer integral que completa la serie y lo veamos pronto publicado en España. Mientras tanto, habrá que conformarse con releer las entregas publicadas de esta maravilla llamada “Theodore Poussin”.

Punisher, aquél villano de tercera…

2011-12-20T18:50:00.003+01:00

¿Qué te atrajo del personaje, especialmente considerando que en ese momento era de segunda o tercera fila?

SG: Esos personajes siempre son los mejores para empezar, para intentar hacerte un nombre. Cualquiera puede escribir una historia pasable de Spider-Man. Nadie se inmuta por eso. Pero crear algo exitoso con un personaje en el que nadie se digna ni a pensar es otra cosa. En aquel momento, en Marvel se consideraba a “The Punisher” como un payaso de tercera categoría. Me acuerdo que la gente de marketing me dijo (una semana antes de que saliese nuestro primer número), que los lectores de Marvel no estaban interesados en las aventuras de un asesino psicótico. Tan sólo les respondí que sí. Porque siempre me había gustado el personaje. Me gustaba su auténtica ambigüedad moral, todas sus evidentes contradicciones. Me gustaba la certeza de lo que se había propuesto hacer, aunque estuviese equivocado. Siempre he visto a “The Punisher” como a un villano. Ciertamente es un criminal que viola la ley de forma periódica, sin pensárselo dos veces. Es un personaje fascinante. Y yo quería escribir cómics criminales, quería escribir una historia acerca de un villano. Los villanos son mucho más interesantes que los héroes, y en particular mucho más que los héroes que generalmente se pueden encontrar en los comic-books. Quería hacer un cómic con un estilo de historia y de narrativa que no se hubiese visto nunca en los cómics Marvel (hasta ese momento), algo muy conciso, con un punto de vista filosófico particular. Mézclalo todo y obtendrás un personaje que no se alejará mucho del que terminé presentando en la mini-serie.

(Con mucho acierto, el amigo y vecino Frog2000 traduce una completa entrevista realizada en 2006 por David Gutiérrez al escritor Steve Grant en la que este analiza el despegue de El Castigador (Punisher) a raíz del impacto que supuso la excelente serie limitada que realizase con Mike Zeck en 1986 - en su momento publicada por Forum como complemento de Marvel Héroes- y que supuso el despegue y el éxito mediático del personaje. En el fondo, es la misma historia de siempre que ya hemos visto repetida tantas veces…Personaje con enorme potencial que nadie aprecia y no triunfa hasta que un joven autor con ganas y suficiente libertad aporta un nuevo enfoque. Y de paso demuestra que ya se contaban historias negras en los cómics de superhéroes antes de Brubaker. La entrevista completa aquí).

“Chew: Solo Postres”, de John Layman y Rob Guillory.

2011-12-19T16:39:00.006+01:00

¡ Definitivamente, me rindo ante “Chew”! Si tras leer el primer ciclo tenía mis dudas, desde la anterior entrega la serie ha ido creciendo número a número hasta que en la tercera entrega de Planeta, “Solo Postres”, que reúne los números 11 a 15 de la serie, muestra todo su destornillante potencial.

Tony Chu y Amelia tienen su primera cita asistiendo a una cena muy especial en un club exclusivo, descubriremos qué pasó con Poyo, el codiciado e invencible gallo de pelea que conocimos en Yamapalu, y Tony y John estrecharán el cerco sobre el fugado Mason Savoy mientras Chu y Colby van reuniendo casi sin saberlo más piezas del puzzle en torno a la oscura conspiración que provocó la gripe aviar y los intereses económicos que desean que se mantenga el statu quo. Y, para rematarlo, conoceremos a la numerosa y mal avenida familia del agente Chu.

Se podrían decir muchas cosas para glosar las cualidades de esta serie del sello Image pero si algo trasciende número a número al lector son las ganas que le ponen los autores. Sin prejuicios y con mucho desparpajo Layman se vale de las manidas tramas conspiranoicas de Serie B a Z y demás cultura de derribo para, con cariño, humor y originalidad, satirizarlas riéndose de sus convenciones, pero al mismo tiempo dosificando la intriga para mantener en todo momento atrapado al lector sin desvelar demasiado de sus planes.

Layman y Guillory está claro que tienen muy planificada una serie que al parecer llegará a los sesenta números y se divierten enrevesando las distintas subtramas entre sí al tiempo que presentan personajes ridícula y escatológicamente entrañables en una historia río que conviene seguir desde el principio para no perderse y que no se ajusta demasiado bien a los convencionales modelos de arcos argumentales de cinco números impuestos en la industria para la recopilación en TPB. “Chew” no solo entretiene sino que además divierte y sorprende, lo que no deja de tener un mérito enorme teniendo en cuenta lo resabiados que somos los lectores.

A nivel gráfico, Guillory sigue mostrando su personal estilo, versátil y fresco que se ajusta como un guante a las peculiaridades de la serie. Además, en esta nueva entrega realiza en la edición original una serie de homenajes en las portadas (de “Reservoir Dogs” a “La Última Cena”) algunos de los cuáles lamentablemente no se disfruten como se debería en la edición de Planeta (¿¿a quién se le ocurre reproducir una portada triple que no se puede desplegar??).

En fin, que “Chew” es una de las propuestas más divertidas, sinvergüenzas e inteligentes que ofrece actualmente el mainstream norteamericano. No la dejéis pasar.

“Candy”: de Iggy Pop y Charles Burns a Killer Barbies y Schwarwell

2011-12-18T11:00:00.002+01:00

Ya había comentado por aquí en una de las primeras entradas de esta sección que Charles Burns (“Black Hole”) había realizado la portada de “Brick by brick”, noveno disco de Iggy Pop de 1990, pero lo que no dije es que además Burns realizó también la portada del single de una de las mejores canciones del álbum, “Candy”, un dueto con la fantástica Kate Pierson de B-52.

Burns le dedicó una curiosa portada al single que aparentemente no tiene demasiada relación con la letra de la canción, aunque si pensamos enla ambigüedad de una y otra quizás su sencillez oculte una nueva genialidad del autor de “El Borbah”...

Pero es que, además, la relación de “Candy” con el cómic no acaba en Burns. En el año 2000, el grupo punk español Killer Barbies sacó un single para el mercado alemán en el que versionaba la canción de Iggy Pop.

Aparte de versiones de la canción en ingles y en castellano y un par de canciones más, lo curioso es que el disco incluía entre sus extras un cómic realizado por el alemán Schwarwell cuya portada se homenajeaba a la clásica “Tales from the Crypt” de E.C.

A continuación os dejo el video de la versión en inglés de “Candy” de Killer Barbies, en el que el cómic juega un papel importante.

Stan Lee, ¿idiota?.

2011-12-17T10:30:00.001+01:00

SL: Nunca he dicho eso. Estoy esperando a que alguien me diga qué es la violencia, y cómo eliminarlas de las historias. En otras palabras, me parece que toda historia está basada en un conflicto, en un problema que debe ser resuelto. Los niños quieren historias donde el conflicto sea más o menos físico. Los niños no leen historias donde no haya un conflicto físico y ese es el éxito de La isla del tesoro y similares. Estoy seguro de que podríamos tomar sus premisas y señalar un millar de cosas en La isla del tesoro que son dañinas, y entonces volvemos al mismo argumento. Podríamos tomar todos los clásicos del mundo, y como he dicho, podríamos coger la Biblia, que es el libro más dañino, lo siento, el libro más violento jamás publicado… El argumento es tan sofista, y tan ridículo, que yo mismo me siento como un idiota aquí sentado intentando razonar algo donde debería llegarse a una conclusión, pero usted ni siquiera intenta encontrar una solución, solo intenta proponer una discusión.

(Me resulta un poco sorprendente el poco eco que ha tenido en la blogosfera comiqueril la traducción que ha realizado Rafa Marín de buena parte del debate radiofónico mantenido por Stan The Man Lee y la doctora Hilde Mosse –discípula del célebre doctor Wertham- en 1968, en torno a la violencia en los cómics, el Code y la psiquiatría. El largo debate del que el párrafo anterior es una muestra nos acerca a un Lee en plena forma que pone contra las cuerdas a la Mosse en muchas ocasiones. No tiene desperdicio y merece la máxima difusión. Se puede leer completo aquí, aquí, aquí y aquí).

Eduardo Barreto (1954 -2011)

2011-12-16T17:58:00.015+01:00

Lamentablemente, a la muerte de Joe Simon hay que unir la del dibujante uruguayo Eduardo Barreto en el día de ayer.

Barreto fue un dibujante primoroso que destacó en sus trabajos para la Editorial Columba en la que trabajó junto a los más grandes guionistas hispanoamericanos, H.G. Oesterheld ("Kabul de Bengala") y Robin Wood (“Nippur de Laggash”, “Wolf”o “Kayan”).

Posteriormente, en los años ochenta, empezó a trabajar para DC donde realizó una excelente labor en series como “Wonder Woman” –su versión de Diana para mí es una de las mejores-o “Los Nuevos Titanes” .

Y, sobre todo, en una serie que despertará la nostalgia de los más talluditos, “Atari Force”.

Su último trabajo destacado para DC fue “Lex Luthor: Biografía No Autorizada”.

Sus últimos trabajos, antes de caer enfermo, fueron en “Judge Parker”, “Captain Action” y la tira dominical de “The Phamtom”.

D.E.P.

Joe Simon (1913-2011)

2011-12-16T09:51:00.018+01:00

Lamentablemente, Jerry Robinson no ha sido el único pionero del cómic norteamericano – que guste más o menos es el cómic que hemos mamado todos- y del género de superhéroes que nos ha dejado estos días. Me acabo de enterar que el gran Joe Simon, cocreador del Capitán América junto a Jack Kirby, falleció el día 14.

Simon fue una de las figuras clave de la Golden Age, creando –normalmente junto a The King- personajes inolvidables como Bucky, Craneo Rojo o Manhunter y redefiniendo otros como The Sandman.

Simon supo adaptarse como pocos a las circunstancias históricas que le tocó vivir, ofreciendo al público aquellos cómics books que en cada momento demandaba. Así, en el período de preguerras y antes de su incorporación a filas ayudó a que el género superheroico viviera su edad dorada cocreando para Timely y National, siempre junto a Kirby, series y personajes generalmente de corte juvenil, como “The Boy Commandos” o “The Newsboy Legion”.

Cuando tras la guerra, los gustos del público cambiaron se volcó en distintos géneros siendo un pionero del cómic romántico en publicaciones como “Young Romance”, el de terror con “Black Magic”, o el policíaco con “Police Trap”.

Simon formó en los sesenta y setenta equipo con Jerry Grandinetti con quién desarrolló títulos y personajes tan originales para DC como “Prez”, “Outsiders” o “The Green Team: Boys Millonaires”.

Aparte de guionista y dibujante, Simon realizó tareas de editor y durante un corto período de tiempo en los cincuenta tuvo incluso su propia editorial junto a Kirby, Mainline.

D.E.P.

“Aama: Olor a tierra quemada”, de Frederick Peeters.

2011-12-15T14:06:00.009+01:00

Astiberri acaba de publicar “Olor a tierra quemada”, el primer álbum de “Aama” la nueva serie de Frederick Peeters, en la que el suizo regresa a uno de los géneros en que más éxito ha cosechado, la Ciencia Ficción.

En un futuro lejano, Verloc está pasando una mala racha….Ha perdido su negocio, su mujer y no le dejan ver a su hija. Tras un fortuito encuentro con su exitoso hermano Conrad del que se había distanciando con los años, Verloc , sin comerlo ni beberlo, le acompaña en una misión al otro lado del Universo, en un inhóspito planeta en el que han de contactar con una expedición científica perdida y recuperar una misteriosa y revolucionaria sustancia, la Aama.

No podemos decir que esta primera entrega de “Aama” parta de un planteamiento excesivamente original ya que es el mismo que Peeters utilizase en la excelente “Lupus”, basado en la subversión de las fórmulas típicas de la Ciencia Ficción para tratar y describir las emociones y sentimientos humanos que han sido el objeto de estudio de prácticamente toda su carrera. A pesar de ello, “Olor a tierra quemada” engancha gracias al enorme talento de un autor que ha alcanzado su madurez y maneja como pocos los resortes del medio para hacer interesantes historias que, probablemente, en manos de cualquier otro resultarían infumables gracias a su enorme talento para sugerir emociones en el lector.

En este álbum, Peeters hace un impecable uso de las elipsis narrativas para presentar la historia y los personajes, manteniendo intacto el misterio acerca de lo que es la aama y dosificando con maestría los ritmos y las pausas para epatar al lector y absorber su atención de la primera a la última página.
Resulta interesante comprobar como “Aama” parece una obra mejor acabada gráficamente que “Lupus”, más ambiciosa en el tratamiento y descripción gráfica de los ambientes y mundos en que se desarrolla la historia realzados por la introducción del color y las referencias y homenajes más o menos explícitos a lo más granado de la Ciencia Ficción, de Lem a Lucas, de Mezières a Moebius.

Es un primer álbum de una proyectada trilogía por lo que hay que ser cautos, pero “Olor a tierra quemada” es una lectura hipnótica y sabia en la que Peeters plantea con una nueva forma su argumento de siempre, que más allá de los progresos y la tecnología los seres humanos seguimos siendo esencialmente los mismos, con los mismos intereses, sentimientos, alegrías y miedos. Estoy de acuerdo.

“Neonomicon”, de Alan Moore, Antony Johnston y Jacen Burrows.

2011-12-14T18:41:00.014+01:00

Panini ha reunido en un apañado volumen dos historias – “The Courtyard” y “Neonomicon”- de corte lovecraftiano que Alan Moore realizó para la editorial Avatar junto a la versión mejorada de Steve Dillon que es Jacen Burrows. A ambas las separan siete años, pero más allá de eso la principal diferencia más destacable entre una y otra son los motivos: “The courtyard“es la adaptación al cómic realizada por Antony Jonhston, con la supervisión de Moore, de un relato que este escribió en 1994 mientras que la segunda, “Neonomicon” es la continuación de aquella historia que el propio Moore realizó de encargo para conseguir perrillas con las que ponerse al día con Hacienda.

El agente Sax está investigando una serie de macabros asesinatos rituales sin aparente conexión entre sí, encerrado en un calamitoso apartamento de un barrio de mala muerte. Sax es muy bueno en su trabajo y a partir de una teoría propia basada en las anomalías logra encontrar una conexión entre los crímenes y una extraña droga que se distribuye desde un antro punk. Cuando Sax se sumerge en ese ambiente, comprobará que en el caso, más allá de la truculencia de unos simples asesinatos, se conjugan fuerzas que pueden acabar con la lucidez del detective. Tras unos años, otro par de agentes, Lampers y Brears, investigan la presencia de un nuevo asesino cuyos crímenes tienen las mismas características que los investigados por Sax. Siguiendo las pistas de Sax, Brears y Lampers acabarán prisioneros de una secta que practica extraños ritos con los que convocan horrores abisales sin sospechar que pueden formar parte de un plan que los convertirá en la clave para la destrucción del mundo.

La firma de Alan Moore es sinónimo de calidad en el mundo del Cómic, una marca de calidad que le hace un autor imprescindible para entender la evolución del medio en las últimas décadas. Sin embargo, en las obras recogidas en este volumen nos encontramos con un Moore menor que resuelve a base de oficio unas tramas en las que aúna las formas de películas y series como “El Silencio de los Corderos” o “Expediente X” con la actualización de los mitos lovecraftianos a través de múltiples referencias a la obra de Lovecraft y sus discípulos, en particular, y la literatura de terror norteamericana, en general, con guiños más o menos explícitos a autores tan dispares como Poe o King junto a otros, más escondidos pero evidentes para el que sepa verlos, como al cineasta polaco Borowczyck ("La Bestia").

Contrasta la atractiva resolución de un Moore motivado en 2004 en “The Courtyard” –publicado hace en España hace ya unos años por Aleta- con la simpleza que un Moore apurado idea años después en su continuación, “Neonomicon”, donde presenta un blockbuster poco sutil, tan entretenido como efectivo, pero bastante alejado de los trabajos más ambiciosos del barbudo. Una obra, en fin, que satisfará sobre todo a los conocedores de la obra de Lovecraft y sus discípulos por las constantes referencias realizadas por Moore y a los que les atraiga el erotismo superficial, pajillero y brutote de las orgías explícitas ideadas por Moore y Burrows (por exigencias del guión, eso sí) pero que decepcionará a los que siempre esperamos ese algo moore marca de la casa.

En el aspecto gráfico, no voy a ocultar que Jacen Burrows (como Steve Dillon) no es santo de mi devoción. Un dibujante tan llano como inexpresivo que hace de la truculencia de sus cómics y de la llaneza de su estilo sus señas de identidad, destacando, si acaso, por la claridad expositiva de su narración que en este tomo alcanza su cota más interesante en la curiosa composición de página que emplea en “The Courtyard”, basada básicamente en dos viñetas verticales por página que permiten imprimir un ritmo narrativo acompasado con el del relato original para contrastar con el derroche visual de las splash pages finales que si las hubiera dibujado Ditko o El Bosco habrían sido alucinantes, pero como las dibuja Burrows no pasan de correctas. En “Neonomicon”, en cambio, no se puede destacar ni siquiera ese hábil recurso, limitándose a realizar un trabajo tan efectivo como rutinario, sobre todo para aquellos que ya hayan leído "Crossed".

En fin, “Neonomicon” es una obra irregular que viene a hacer bueno el dicho aquél que segundas partes nunca fueron buenas…Esperemos que el Barbudo, resueltos sus problemas económicos, se centre para regalarnos nuevas muestras de su genio.

Y otra librería que cierra…

2011-12-13T15:37:00.003+01:00

“Pero...¿Qué ha pasado para que un negocio como el mío en concreto se tenga que cerrar?¿Tan mal ha ido?. Bueno, realmente no, no ha ido tan mal. Al menos no al principio. No ganas dinero (creo que muy pocos negocios abren y ya empiezan a hacer caja a raudales; y hablo de pequeñas o medianas empresas, no de mastodónticos conglomerados de empresas) pero tampoco lo pierdes, y eso ya es positivo. Y así he estado practicamente todo el año, hasta el mes de Julio, mes en que todo empezó a torcerse. Y aún no me explico exactamente que pasó, si alguien dentro del sector me lo puede explicar, estaré encantado de escucharle. Las ventas empezaron a caer en picado. He intentado hacer lo que mejor sé hacer para levantar el negocio (presentaciones, exposiciones, ofertas, he tenido tanta presencia en internet como he podido...) pero nada de esto ha valido, y mientras los meses pasan sin pena ni gloria, los pocos ahorros que tenía se han ído esfumando”.

Un extracto de la despedida y las sinceras explicaciones que Eduard, el dueño de la barcelonesa Pictográfics, da para justificar el cierre de su librería y que podéis leer completas aquí. La verdad, es que leyendo el texto completo es fácil entenderle porque, mires donde mires, es una situación desesperante que se repite sin parar y está acabando con las ilusiones y el pan de mucha gente.

En estos dos años, he seguido desde la distancia de las redes sociales la ilusión que Eduard ha puesto por dar, junto a la sostenibilidad económica que toda empresa precisa, difusión a la novela gráfica, en particular, y construir un espacio digno para el Cómic, en general. Creo que esos objetivos los había logrado y por eso da más pena que tenga que cerrar.

Que miedo da el 2012...

“Runaways: Orgullo y Alegría”, de Brian K. Vaughan y Adrian Alphona.

2011-12-12T08:30:00.001+01:00

Panini, en su colección Extra Superhéroes, acaba de publicar en un único volumen los dieciochos números del primer volumen de “Runaways”, el cómic de superhéroes que dio a conocer a Brian K. Vaughan al gran público y que a día de hoy y, vista su producción posterior, sigue siendo uno de los mejores.

“Runaways” es una historia que se sitúa en los márgenes del Universo Marvel y narra las aventuras de un grupo de adolescentes que de la noche a la mañana descubren que sus padres conforman una alianza de supervillanos secreta conocida como El Orgullo que realizan sangrientos sacrificios a los Gibborim, gigantes con ecos bíblicos más malos que la quina. Horrorizados, los chicos se escapan de casa y, mientras son perseguidos por los papás que tienen grandes planes para ellos, intentan que alguien les haga caso mientras descubren sus nuevas habilidades.

El primer volumen de “Runaways” conforma un arco cerrado, por lo que a pesar de la posterior continuidad de la serie puede leerse con total independencia. Vaughan construye, pese a quién pese, un tebeo de superhéroes entretenido, fresco e inteligente que agradará a un público variado que va desde el chaval que busca un tebeo con unos héroes jóvenes con los que identificarse hasta el lector veterano que aprecie el trasfondo tras la metáfora que encierra un acertado estudio en torno a las problemáticas de la adolescencia y las relaciones paternofiliales. Sin los resabios que lastran en ocasiones “Y, El Último Hombre” o “Ex Machina”, Vaughan construye unos personajes entrañables, a los que aporta su innegable talento para los diálogos sin caer en pedanterías haciendo que las inteligentes referencias verdaderamente se inserten en la historia principal sin resultar forzadas.

En el aspecto gráfico, sorprende el dibujo del canadiense Adrian Alphona alejado de la espectacularidad vacua de los superhéroes actuales y más cercano al amerimanga más amable o directamente al Shojo japonés (cosa que no resulta extraña teniendo en cuenta que la serie se inscribió en Tsunami, una línea experimental de Marvel que buscaba atraer chicas al género). A pesar de ello, Alphona se muestra como un excelente narrador que da el tono adecuado a la serie en todo momento consiguiendo que sus personajes –especialmente el elenco de protagonistas- derrochen humanidad y resulten cercanos al lector y resolver con originalidad los momentos más “superheroicos” de la serie. Además, las portadas de Jo Chen son muy chulas.

“Runaways” es el mejor tebeo de adolescentes con poderes desde la Kitty Pryde y “Los Nuevos Mutantes” de Claremont. Ya tocaba.

Lubricated Goat y Charles Burns.

2011-12-11T09:00:00.001+01:00

Vamos a ponernos undergrounds este tranquilo domingo para comentar la relación del inclasificable grupo australiano Lubricated Goat con el no menos inclasificable autor de “Black Hole”, Charles Burns.

Lubricated Goat fue una banda de los ochenta famosa por su actuación en pelotas en un programa de televisión y por ser para muchos precursora del Grunge. Durante su estancia en Seattle en 1989, Lubricated Goat grabó para el famoso sello independiente Sub Pop un single con dos temas “Meating my head” y “20th Century Rake”, cuya portada fue realizada por un joven Charles Burns, colaborador habitual de Sub Pop, que ya había descollado en sus colaboraciones en "RAW" .

Os dejo una de las canciones más famosas de Lubricated Goat, “In The Raw”.

Jerry Robinson (1922-2011).

2011-12-10T05:00:00.004+01:00

Imagino que ya todo el mundo se ha enterado de la muerte de Jerry Robinson, uno de los grandes maestros de la DC de la Golden Age, uno de los más brillantes “negros” de Bob Kane que contribuyó en la creación del universo batmaníaco con aportaciones tan importantes como los personajes de Joker y Robin.

Pero es que, aparte de sus aportaciones e incuestionable talento artístico reflejado en series y personajes como “Green Hornet”, “Atoman” o “Jet Scott”, Robinson fue un gran historiador del Cómic y uno de los grandes valedores por los derechos de los artistas de cómics americanos, especialmente preocupado por la dignificación del medio, siendo presidente, a finales de los sesenta, de la Asociación de Dibujantes de Prensa y confundador de su Sindicato. Pero además, como recuerda Mark Evanier en su esquela, fue junto a Neal Adams el que negoció el reconocimiento de derechos y una compensación económica a Jerry Siegel y Joe Shuster por la autoría de “Superman”.

D.E.P.